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2.服装设计教学中的问题
虽然目前各种层次的服装设计专业教育在全国各地都不断的建立起来,服装设计专业的毕业生也在逐渐走上相关的工作岗位,促进了我国的服装设计行业的发展。但是,随着时间的推移,毕业生的社会信息不断反馈回来,显示我国的服装设计专业教学方面的出现了一些问题亟待解决。比如服装设计专业教育只重视艺术而忽视了技术,只重视纸面效果却忽略了服装设计的内涵本质等。目前存在很多院校在服装设计专业成立初期的教学是聘请一些绘画艺术的美术专业老师来担任服装设计教学这一责任的,这种情况下,学生所接受的教学重点就放在了美术基本功和服装画的技术上,而服装设计的的本质和其中艺术与技术的内在联系却未被更多地关注到,导致学生只学到了画,在裁剪技术方面却没有学习到更多的内容,就更不要说实际操作了,这样很难使服装设计的创意得到完美的体现。进人二十一世纪以后,服装设计的教学上有了较大改观,服装的制图、剪裁、技术和缝制等方面的教学内容逐步增加,教学过程中更加强调提高学生的实际操作能力和创新能力,偏重于增强学生的专业素质。但是,对服装设计技术的重视并不等于抓住了服装设计专业教学的本质,在教学过程中还应该重视如何让服装设计中的艺术与技术融合在一起。当前的服装设计教学过程中,服装的款式造型与结构设计不能充分结合的现象还比较严重,服装的结构设计课程教学的重点更多地放在普通服装上,而服装的款式造型设计和相应的结构设计分析方面的教学内容还比较欠缺。
3.服装设计教学中问题的对策
3.1引导学生树立正确的服装设计观念
服装不仅仅是一种商品,它也是一种艺术,其中不仅仅包含着一定的文化素养,还表现了相当的审美水平和文明水平。增强学生的创新精神和实践动手能力,注重培养学生对时尚元素的敏锐感受力,使学生具有较强的时尚设计意识和设计理念。在教学过程中要强调学生对服装内涵的理解,在学习服装结构和工艺技术方面多下功夫,使学生能够更好的表现服装的美感,充分体现服装的功能和意义,能够用得体的穿着效果来反映穿着者的审美水平,进而使学生树立起科学合理的设计观念。
3.2培养学生的审美能力
在服装设计的教学过程中,最重要的应该教会学生什么为美,什么为不美。只有懂得欣赏美,才能创造出美。教师应该从艺术、时尚和审美三个不同的角度人手,增强学生的对美认知能力。服装设计是一门涉及到多方面的艺术,它包括视觉方面、造型结构方面等,在表现服装的设计意义的时候,还应强调服装中的视觉效果,使设计出的服装具有较强的艺术倾向和美感。学生应该学会解读服装画中点、线、面、体的视觉语言,了解服装中各种色彩结合的艺术效果以及各种色彩的象征意义和表达效果。使学生在服装设计的过程中能够充分发挥色彩的功能,设计出色彩效应比较艺术的服装。此外,在教学中应该培养学生对周围事物要多观察、细观察的好习惯,让学生了解大自然,去大自然中写生,丰富自己的内涵,提高对美的认知。
3.3服装的造型与结构结合
进行教学服装的造型与结构的变化统一,在服装的设计中是最重要的内容,同时也是服装设计课程教学中的主要部分。服装的结构表现在于缝制的过程,缝制是把服装设计从立体表现到平面,再把服装从平面表现到立体的一个重要过程。当学生只会设计服装的纸面效果,而不能将这种纸面的结构关系变现为或者转化为立体的服装时,设计只能算是纸上谈兵,不能算作学会设计。这就要求在教学过程中老师能够掌握一定程度的缝制工艺,特别是对服装结构的设计、分析要有很高的水平。此外,教师对于服装设计教学内容的安排,不能只停留在画纸面效果图作业上,而应该把服装造型和结构结合起来传授给学生。
服装设计的对象是人,它是美化、装饰人体、表现人的个性与气质的一种手段。因此,服装设计的第一目的是:适合功能,美化人体。同样,这也是服装设计构思要遵循的原则。
服装的存在和发展有着绵延数千年的历史,而作为设计正式出现在服装上只有数百年的时间。构思在设计出现以后变得尤为重要,世界服装设计大师们层出不穷的不凡构思使服装真正具有了前所未见的内容与形式,从而引导了服装市场一次又一次的穿着潮流。
构思,“指作者在写文章或创作文艺作品过程中所进行的一系列思维活动。包括确定主题、选择题材、研究布局结构和探索适当的表现形式等。”在艺术领域里,一般说,构思是意象物态化之前的心理活动,是“眼中自然”转化为“心中自然”的过程,是心中意象逐渐明朗化的过程。无论是在生活还是艺术领域里,都需要进行设计。谈到设计,就离不开人的一系列思维活动,就离不开构思。有些人在设计时常感到构思贫乏,不知如何下手,或是最终的作品与原来的构思差距很大,达不到预想的效果。因此,服装设计构思要依据服装设计原理从以下几方面思考:如穿着的对象、场合、时间及穿着的目的,还有加工条件、市场情况、人们消费心理及流行趋势的分析等诸多方面的问题。
一、T(Time)时间
时间(Time)简单地说不同的气候条件对服装的设计提出不同的要求,服装的造型、面料的选择、装饰手法甚至艺术气氛的塑造都要受到时间的影响和限制。同时,一些特别的时刻对服装设计提出了特别的要求,例如毕业典礼、结婚庆典等等。服装行业还是一个不断追求时尚和流行的行业,服装设计应具有超前的意识,把握流行的趋势,引导人们的消费倾向。
二、P(Place)场合、环境
场合、环境(Place)人在生活中要经常处于不同的环境和场合,均需要有相应的服装来适合这不同的环境。服装设计要考虑到不同场所中人们着装的需求与爱好以及一定场合中礼仪和习俗的要求。一件夜礼服与一件运动服的设计是迥然不同的。夜礼服适合于华丽的交际场所,它符合这种环境的礼仪要求,而运动服出现在运动场合,它的设计必然是轻巧合体而适合运动需求的。一项优秀的服装设计必然是服装与环境的完美结合,服装充分利用环境因素,在背景的衬托下更具魅力。
三、O(Object)主体
主体、着装者(Object)人是服装设计的中心,在进行设计前我们要对人的各种因素进行分析、归类,才能使人们的设计具有针对性和定位性。服装设计应对不同地区、不同性别和年龄层的人体形态特征进行数据统计分析,并对人体工程学方面的基础知识加以了解,以便设计出科学、合体的服装。从人的个体来说,不同的文化背景、教育程度、个性与修养、艺术品位以及经济能力等因素都影响到个体对服装的选择,设计中也应针对个体的特征确定设计的方案。
四、加工条件
服装工艺的功能性与装饰性要通过相应的加工条件才能体现出来,与服装款式、服装材料、服装工艺三者进行融会贯通。只有能实现的设计才是好的设计,好的设计要有好的构思。设计师在构思时要考虑加工制作的可实施性。比如:①人体平均尺寸、人体运动功能的放松度、当时的流行尺寸;②面料的质地、性能、辅料、配件的选用;③裁剪方法、工艺车缝还是手工艺制作。这样,才能使最后的成品服装既符合设计者的意图,又能保持服装制作的可行性。
五、市场情况
设计师在构思阶段要进行市场调研,把握当时当地的历史潮流和市场变化。资料信息市场:时装信息、流行趋势、设计师手稿资料;成衣市场:品牌、批发与零售;服饰市场:首饰、配饰、美容护肤等;生产一线市场:制作、洗水、制衣、整染、印花等。了解不同的档次要求和品质要求,对成本价格要核算。这样在设计构思时,才能广开思路,广泛借鉴。作为一种产品设计,服装设计效果的优劣不是靠某位专家来评说的,而是由市场来检验的。因此,设计师如果对自己所服务的目标市场一无所知就构思设计,那将非常危险,因为其设计投产后很可能不被市场认可而造成积压,给企业带来巨大的经济损失,甚至使之倒闭。设计师应保持自己的个性和独特的设计风格构思,但这并不等于无视市场的需求。设计师与画家不同,不能孤芳自赏,一定要时刻注意把握市场的新动向,在保持自己的设计风格的基础上,一定要站在消费者的立场上来构思服装,每个细部都经营到位,这样才能在激烈的市场竞争中立于不败之地。
六、人们消费心理及流行趋势
设计的主体是人,好的设计构思要吻合人们的消费心理,满足人们的消费需求。服装流行意味着人们服饰审美心理和审美标准的变化,反映了在不同时代和环境条件下,人们的个性表现和社会规范之间的平衡和协调。服装设计师把握服装流行的脉搏,洞悉服装流行的趋势。构思设计时针对所要设计服装的消费层的消费对象的风格、喜好,以市场需求为设计定位。这样,才能使设计构思顺应潮流、趋向成熟、有所创造。
服装设计构思和一般的艺术创作活动,既有共性,又有个性。其共同点是它们来自生活,来自创作者的思想指导。不同之处在于艺术创作相对有更多的独立性和主观性,而服装设计必须通过生产环节与市场销售才能体现其价值,带有较多的依附性和客观性。由于服装设计的创作活动需要依赖人体,依靠纺织材料和加工生产相结合,所以在服装设计的构思中,必须兼顾到这些必要的因素。
二、节目内容因素
在杂技服装的设计中,节目的主题和内容是必须考虑的。杂技服装不同于戏剧或歌舞的演出服装,它的设计可能没有特定的对应人物,但是却有鲜明的指向性内容要求。设计师在设计过程中,需要首先对节目的内容进行了解,都有那些具体的表演动作以及配合的道具和场地,在结合舞台效果综合之后才能最终确定演出服装的整体颜色和款式。另外,即使在同一节目中,不同的演员也有着不同的着装要求,只有根据不同的角色进行细致的分配,根据节目想要表现的主题来进行颜色与款式的搭配,才能设计出凸显节目主题内容的服装。
三、技术因素
在杂技服装设计的过程中,往往会遇到一些选材和技术的问题,为了追求更高的艺术表现力,设计者往往会在选择服装面料的时候尝试一些特殊的材料和高新技术以期达到意想不到的舞台效果。但目前,我国现有的特殊服装制造技术水平与国外还有一定的差距,服装设计者的设计理念和创意,有时会因为技术的局限而搁浅,导致在设计的过程中,设计师不得不降低标准与预期,这不得不说是一种遗憾。因此,杂技服装设计师在设计的过程中必须实事求是,在现有的技术条件下进行创作,充分发挥自己的创造力来争取更好的效果。
四、创新因素
观众的审美需求也对服装设计师们提出了更高的要求。过去的杂技演出中服装设计都比较单调,有些时候甚至整场演出中演员都只穿同一套服装进行表演,显然,这种穿着容易让观众产生视觉疲劳。现代杂技要求杂技服装成为整个舞台演出的一部分,在设计服装的过程中,设计师应充分发挥想象力和创造力,在可能的条件下做出更好的舞台效果。服装设计的创新可以从款式、面料、色彩等方面进行考虑。在款式方面可以在原有设计的基础上加上一些装饰物来为整套服装增添光彩,也可以注重一些细节的设计来凸显整套服装的品位:在面料方面,设计师可以大胆地尝试各种材料来取得更佳的效果;而在色彩方面,在进行创新的同时一定要注意整体颜色的搭配和协调性。
2瓷器裂纹在服装设计中的设计方法
2.1具象表达
直接移用是指将瓷器裂纹直接移用在服装设计中,结合服装的整体风格、设计主题,搭配合适的色彩,它是最容易掌握,也是最常见的设计方法。将瓷器裂纹直接印染在真丝上衣上,搭配飘逸的水蓝色雪纺长裙,展现出女性纯净自然、天然去雕饰的美丽。但采用直接移用的方法进行设计时,容易出现套用纹样,设计死板的情况。在服装设计中,除了直接移用外,也可以在掌握瓷器裂纹形貌的基础上,进行变化设计,即变化形的设计方法。瓷器裂纹的形的变化元素有点、线、面的形状和大小。
2.1.2.1变化形的种类服装设计中瓷器裂纹变化形主要有两类:
①保留与舍弃。保留与舍弃,是指在裂纹元素中选取一个方面进行保留,其他方面进行挤压、重叠、夸张、分离、拆解等变化。就是在服装面料图案中保留了瓷器裂纹线,挤压面的变形设计,凌错、重叠的部分更多。则是保留了裂纹的块面感,将裂纹线进行分离、规整,在面中填补新的纹路。
②象形变换。它是模仿瓷器裂纹的形貌的变换设计。将裂纹线的人形、X形、K形等进行扭曲、装饰,赋予新的形象内容。将裂纹线进行不同的装饰变化与扭曲变形,象形变换后,更具藤曼缠绕的野性美。则表现出繁花似锦的装饰美。象形变换可以使瓷器裂纹更贴近服装整体的设计主题与风格,联想丰富,具有一定的灵活性。
2.1.2.2变化形的接合方式瓷器裂纹是由单个形接合成为整体的纹样,更容易体现出次序美、节奏美。在服装设计的应用中,针对这一特点,除了变化形以外,还有变化接合排列方式的设计方法,排列接合方式分为有序排列接合与无序排列接合:
①有序排列接合。它是指裂纹元素按照一定的规律进行有秩序的排列接合,是从理性出发的接合方式。如平均排列接合、渐变排列接合和按比例排列接合。如图6为相同纹形形状、大小进行均等接合的平均排列接合,体现出服装的简洁、庄重。渐变排列接合,是指将单个裂纹按照大小、深浅、疏密等变化进行接合排列。通过从上到下以此增大裂纹面积,改变疏密形成节奏美,设计而成的晚礼服,纯净高贵,自然典雅。按比例排列,是利用裂纹单个元素之间的间隔比例来营造出视觉张力,创造出来的图案造型秩序感、节奏感强。比例排列接合常用到几何学相关研究理论,例如三角形、矩形、正多边形的黄金比例,斐波那契数列、等差数列、等比数列和调和数列等比例模式以及无理数根号矩形的原理得出的比例模式等等。按比例排列接合,实际上就是按照这些具有规律性及特殊艺术特色的比例模式将瓷器裂纹进行排列接合,及按照“数比美”排列接合。
②无序排列接合。它是指从感性出发的无规则自由接合。依照形式美法则的自由接合,没有比例意识,风格奔放、热情,随意性比较强。无序排列接合方式的裂纹纹样注重激情、玩味,无法预料纹样走向,带有张力,有独特的视觉审美。如图8为瓷器裂纹无序结合的设计方法设计而得的服装,丰富混杂了设计师的情感因素与设计契机。优秀设计作品中的无序排列结合需要较好的感性表达与审美情趣,无论偶然迸发,还是反复修改,都需要日积月累的艺术素养。如果把握不好,很容易弄巧成拙,杂乱无章,表现不出作品的美学性。
2.2抽象表达
瓷器裂纹在服装设计中的运用,不仅是对裂纹形的应用与变化,还要将瓷器裂纹的意蕴美融入其中。“意”的表达不同于“形”,是用简单代替复杂,与相关的一些材料、工艺手法或独特的服装造型相结合,象征似的表达,即是一种抽象表达。抽象表达不同于具象,更倾向于情感的表达。在设计中,虚化减弱裂纹元素的一些形态特征,着重表达瓷器裂纹在服装中的设计意蕴,或者提炼出瓷器裂纹美学性的一个点,作为灵感来源或表现手法,结合现代服装的特点来进行设计。前者沿用瓷器裂纹的风格感受,为2014年春夏巴黎时装周中关于瓷器裂纹“意”的延伸与联想的服装设计。其中GiambattistaValli的女装设计中,写意的点、虚化的线、界限模糊的面、大面积透视与黑色的简单色彩关系是抓住了裂纹元素自然随性的特点,进行意的延伸设计。而PedroLourenco的设计则表现了瓷器裂纹的纯净天然,纹路如水似画的感受,没有刻意得表现裂纹的形态,它更贴近现代生活时尚前卫的风格,只是把瓷器裂纹的某一个视觉特点作为表现形式。另外,MashaMa的设计结合了服装色彩与造型,着重运用了裂纹分割而产生的非平衡的视觉张力,从而使服装更添光彩,现代前卫感十足。在实际的设计中,前期构思的时候,就要抓准设计主题与风格,元素灵感都是为了最终设计的服装而服务,确定风格后,找出切入点,将主题风格贯穿到整个设计中去,不要拘泥于一种设计表现手法,也不要过分追求形或意的界限,从而本末倒置,或者导致设计出的作品杂乱毫无表现力。
3瓷器裂纹在服装设计中的工艺实现方法
将瓷器裂纹运用到服装设计中去,工艺实现方法是很重要的一环。工艺美是技术和艺术的美学融合。在这里将瓷器裂纹在服装设计中得以实现的工艺手法,分为平面效果的工艺实现手法与立体效果的工艺实现手法。
3.1瓷器裂纹平面效果的工艺实现方法
平面效果的工艺实现方法有印花、蜡染、扎染、绣花、提花。印花得到的裂纹效果基本能够达到设计图的纹样造型和色彩,对设计限制相对较少,适用性比较大,一般不会破坏服装面料本身的风格和手感,批量生产的成本相对较低,在实际市场中运用得较多。蜡染和扎染,属于传统手工艺。蜡染效果的裂纹深浅不一,纹路粗细浓淡也不相同,有些地方深邃,有些地方若隐若现,虚实相生,变化自然,有独特的传统韵味,常用在一些民族风的现代服装设计中。扎染,利用线、绳捆扎在染液中煮染,跟蜡染的效果有相似之处,但是借助捆扎的外力煮染,同时具有晕染和裂纹的肌理效果。提花、绣花是在织造过程中形成裂纹效果的织纹面料,在平面的视觉感受下有一定的凹凸触感和不同于平布印染的光泽效果,应用也比较广泛。
3.2瓷器裂纹立体效果的工艺实现方法
随着工艺技术的发展,服装面料工艺的实现也更加多样化,肌理效果更加丰富,结合瓷器裂纹的特点,可以采用叠加、镂空、编织、物理、皱褶等方法,来实现立体效果。立体效果的瓷器裂纹更有层次感、空间感,视觉效果也更加丰富。叠加,即在面料的表面缝制裂纹线或粘合裂纹面的工艺手法。可以根据服装的设计效果做不同风格的叠加处理,如在薄透的面料上,沿设计纹路粘合遮挡的面辅料,既可以产生裂纹的效果,又满足了遮体的功能增加了服装的可穿性。镂空,通过一些切割雕刻、腐蚀加工的方法处理服装面料,实现瓷器裂纹的效果。瓷器裂纹最初在建筑设计中的运用,就常采用镂空的加工手法。在服装设计中,镂空工艺的瓷器裂纹效果,面料较为硬挺,风格偏向建筑风格。编织的方法很多,手工编织、机器编织都可以产生不同风格的裂纹效果。可以用条状的面料、绳、线进行编织,也可以直接在织制面料时,将瓷器裂纹作为花型图案编织出来,比如蕾丝、刺绣的效果。皱褶也可以产生有立体美感的瓷器裂纹效果。皱褶改变了面料的光泽、质感,使面料跟具备动感与层次感,与瓷器裂纹的丰富生命力美感相吻合,二者相得益彰,使服装更添光彩。
2青花艺术的升华———青花于服饰品的应用
服饰品的设计必须体现个性化的风格和特色,尤其如今人们的求异观念,对服饰品设计提出了独特、创意的高要求。在中国风盛行的今天,青花艺术作为民族元素的代表,被广泛运用于服饰品设计,如围巾、腰带、鞋子、包袋及各种首饰,民族元素与时尚元素的融合,使青花文化得到进一步的升华和发展。1956年,迪奥公司再次诠释魅惑蓝,设计了“蓝魅”系列的腕表,将经典的蓝色与银白色完美结合,留下了经典的作品。以青花为灵感设计的三连陶瓷戒指玲珑剔透,不仅精巧,还带有一定的趣味性,加之象牙白与淡湖蓝色的映衬,更显得别具一格。青花文化于服饰品的设计运用,使民族文化与时尚风格相互渗透,思想与意境相互融合,契合了当代人的审美需求。
3青花艺术于服装设计中的创新
自20世纪90年代始,民族风冲击着整个时尚界,怎样深入研究民族文化的精神内涵与意蕴,是设计师一直探索的问题。日本著名平面设计师永井一正先生针对中国现代设计说过这样一段话:“当我观看中国的现代设计时,我觉得你们对于传统艺术过于珍惜以至于直接地将图案用于设计”[5]。这句话非常明确地指出了中国现代设计的一些弊端,其也正是青花艺术运用于服装设计的最为突显的问题,即缺乏对青花艺术的深层次探究,更多的是直接移用。这种一味堆砌传统元素的做法,是与当代人的审美需求相悖的。历史总是在传统文化与外来文化碰撞、融合的过程中不断前行的,传统元素只有与时俱进,融入现代的设计风格,才能彰显其艺术感染力和生命力。
3.1探索青花艺术的丰富内涵
青花是一种来之于民,用之于民的艺术,一直保持着自然纯朴的艺术特色。而探索创新只有建立在深入了解的基础之上,只有知晓青花艺术的构成、发展及不同阶段的特色,才能在运用中表现出切合时宜的风格特征。青花艺术从内容到形式,都具有民族化、多样化、大众化的特点,图案构成和题材多样,人物、花卉、山水、动物、书法等在不同的时代表现了不同的生活气息和民族感情[6]。在明朝以写意纹样为主,构图线条简洁、流畅,在图案化纹样中,以动植物、人物为主,也追求一种意境的体现。而在清代则以写实纹样为主,意境较为通俗,大都表达吉祥美好的寓意。只有透彻地理解这些图案构成的原则和艺术方法,才能进一步深入研究审美原则和设计规律,为设计创新打好基础。
3.2创新青花艺术的解构思维
所谓解构可以理解为在解开、分解之后再构成,是一种设计的手法。在服装设计中,则是对服装的外部造型及内部结构从非传统的角度进行某种分解重组处理,形成新的样式,体现不同的设计风格。青花艺术在服装设计中的运用主要表现为两方面,一为色,二为图案。青色即为现代所称的蓝色,是古代五行中“木”的对应色,也是现代“三原色”之唯一的冷色。中国人自古就有尚蓝情结,追求一种沉稳、低调的处世哲学,而随着社会的发展,人们的思维也随之变化,个性化需求、创新意识逐渐突显。服装设计师加利亚诺就曾运用解构思维设计了一系列青花礼服,其设计打破了青色、白色的比例,并将图案、服装廓形进行了重组,给人们带来了耳目一新的视觉享受。而对于青花纹样的解构,更是打破了传统的固定模式,在大小、疏密、结构等变化中,将传统风韵与时代感融合,虽然直观看不出是哪种传统图案,但是中式风格却是毋庸置疑的。如此模糊、破碎、奇特的创新设计,不仅符合了当代人的审美意识,也使得青花这一民族传统艺术得到了进一步传承和发展。
3.3建立基于传统的服装设计学理论
青花图案停滞不前的根本原因之一就是缺乏必要的理论指导,青花运用的成功案例大多带有一定的实验性。近些年,我国的民族化研究取得了一系列成果,但缺乏特定领域的针对性成果,对青花这个经历数千年推演进化的视觉符号,并没有去潜心研究其形成过程中的创造性思维和构成法则,及其所体现的传统文化之根本。建立完整的传统文化与现代设计的逻辑论证体系,为现代设计理念中引入传统元素提供理论依据,形成传统文化的利用程序及方法,才能更有利于青花艺术于服装设计领域的创新。
蒙古族地域辽阔,部落众多且风俗习惯较多,服饰的种类和数量也自然很多,这些都为其民族文化多元化的形成创造了条件。因此,蒙古族是民族服饰中较为丰富多彩的民族。
1.2华贵性
蒙古族是游牧民族,在长期的游牧生活中经常会搬家,他们为了携带财产方便,会将金银珠宝等贵重首饰佩带身上,这就为服饰增添了贵气,也使得服装变得雍容华贵。
1.3文化性
蒙古族袍子上绣制的图案是具有本民族特色且能展现其独特的地理风貌、民俗习惯的各式图腾,颜色鲜艳、做工精美,具有鲜明的民族文化特征。
1.4实用性
蒙古族的服饰具有较强的使用性能,袍子是蒙古族人们白天晚上常穿的服装,其在白天主要起遮体装饰作用,夜晚起着御寒作用。脚上穿的厚且结实的蒙古靴子可以避免蚊虫叮咬和被荆棘刺伤。束在袍子外面的腰带有束紧腰身、保暖御寒,保护内脏在长时间骑马颠簸中不致于受到损伤的作用。
2蒙古族服饰元素
蒙古族一个年代久远的民族,在不同历史阶段有着自己独具特色的生活习惯、生活方式,在历史的演变中逐渐形成了专属自己的服饰特性,丰富性、华贵性、文化性、实用性和艺术性,除此外,其在款式造型、面料、镶边和绣花艺术等设计方面也有着独具一格的特色。下面主要就蒙古族服饰中这些元素进行简要分析。
2.1款式造型元素
蒙古族服饰以袍为主,其种类主要有直身、连袖、大襟、短袍和有断腰结构袍服,以及不同种类的坎肩等,这些袍和坎肩的共同点是都是H型的。其中直身袍与中国传统服饰的平面结构类似,前后片在肩袖位置处连接,袖子结构肥大,受面料条幅的限制,前后中心线是拼接而成的。蒙古袍下摆有宽松和摆量较小的两种,下摆较小直身袍为便于活动会设置下叉,断腰结构的蒙古袍下摆较为宽松,腰间有密褶,活动起来也较为方便。蒙古袍总体造型特点宽松舒适,款式特点是简洁流畅且色彩艳丽。
2.2镶边和绣花元素
镶边是蒙古族服饰中较为传统的元素,主要用来装饰领、袖、大襟、垂襟、开衩和下摆等部位,镶边面料主要有大绒、绸缎、棉布和不同种类的毛皮。乌珠穆沁袍服的镶边工艺种类繁多且色彩艳丽,因年龄而异,一般的袍服采用的是三指宽的大绒或库锦边,年龄稍大人的袍服以素雅舒适为主,常镶嵌一指宽的黑大绒或青大绒。察哈尔袍服常会在大襟、领座、领边、袖口、下摆边缘镶嵌单边,且袍身与镶边的色彩相对应,尤其是年轻女性的袍服表现得较为明显。阿鲁科尔沁皮袍上一般会镶有青色的宽边或大绒宽边,绸缎袍服上会镶库锦边。蒙古族的绣花艺术也比较独特,主要有刺绣、贴花、盘绣等,特点是色彩鲜艳对比强烈且图案装饰性比较强,一般会绣在袍子的边缘、袖口、大襟、帽子边缘和靴口处。
2.3面料
现在的蒙古族服饰中运用最多的装饰材料为库锦,其是利用聚脂薄膜和不同金属图层仿制而成的化纤面料,与传统的锦缎、皮革和棉布面料相比色彩鲜艳、物美价廉,符合现代化服装设计标准,更能满足时展需求。
3蒙古族服饰元素在现代化服装设计中的应用
民族元素在现代化服装设计中运用的例子较多,但如何将独具一格的民族元素合理地运用到现代服装中并使其与之融为一体是当代服装设计师尤为关注的问题。需要服装设计师在运用民族服饰元素过程中,对选定民族的生活方式、风俗习惯、民族心理等方面内容进行详细的了解,将民族文化内涵和服饰元素与现代化服装设计需求融汇在一起进行服装设计。
3.1蒙古族服饰元素与现代服装融合的必要性
随着科学技术的不断发展和新材料的不断出现,世界服装界的设计理念如雨后春笋般层出不穷,民族设计师应该借助新的设计风,在吸收和利用传统服饰的精华和先进科技技术基础上,时刻掌握时尚信息,将民族服装设计进行拓展,使蒙古族服饰鲜明的服饰特色以时尚的形式展现在世界大众眼前。下面就蒙古族服饰元素在现代化服装设计中应用优势进行分析。在继承蒙古族传统服饰元素特色的基础上,要吸收世界流行服装的设计理念,大胆地对民族服饰局部或特色元素进行夸张设计,使设计出来的服装能将蒙古族服饰简洁、大方、舒适、大气、休闲和流行的特点展现出来。如,在以蒙古族女袍子下摆元素为基础的现代化服装设计中,可以提取其连衣裙和百褶裙元素,使新设计出来的服装上部更加修身,下部更加宽松张扬,以彰显年轻人的青春活力。服装的袖口处可以结合现代化服装流行趋势对原有的袖口进行改造,贴上毛边面料或蕾丝,或对其袖口进行夸张,以显示年轻人对自由和梦想的追求。在现代化坎肩的设计中,可以在蒙古族坎肩的基础上,吸收和借鉴牛仔上衣和露脐装的特点并对其肩部进行适当的夸张,以彰显年轻人自由、洒脱、潇洒的一面。
3.2蒙古族服饰元素在现代服装设计中的表现
蒙古族服饰元素在现代化服装设计中运用的例子相对较少,从运用效果来看,其大体可分为三方面:一是在蒙古族传统服饰款式的基础上进行加工制作,再融入现代化服饰款式设计元素进行造型,服装成型后人们能通过服装看出蒙古族的服饰元素;二是现代T台中夸张运用蒙古族服饰元素中艳丽的色彩,将蒙古族粗狂野性的魅力以服装的形式展现在服装中;三是将皮革服装和皮靴元素运用到服装中,使之与时尚的服饰面料混搭在一起,彰显现代服装风采。某国内服装品牌时装展示过程中,一墨绿色风衣选取的是蒙古族民族服饰有的腰带和盘扣元素,墨绿色丝光面料袖口、腰带和衣兜部位都绣有蒙古族特有的图腾,在彰显该款风衣端庄华丽同时,也能将蒙古族服饰的高贵典雅显露无疑。服装大师杰里米•斯科特一服装作品选取的是巴尔虎蒙古族的发饰元素作为服装设计要素,他先对原有的蒙古族发饰进行变形,然后大胆地运用蒙古族常用的红色和橙色并将其作为主色调来进行设计,使得游牧民族特有的野性得以展现的同时,也将现代化服装时尚信息展露出来。
二、舞台服装设计的美学艺术
1.舞台服装款式可以塑造角色的形象美感
塑造舞台上的人物,一般比较注重外部形象,适合表演者的服装不仅可以让演员获得更多的自信,还可增加观众对角色的认同感。服装设计需满足舞台的人物形象要求,结构和款式是较为关键的因素,一般舞台服装设计可采用以下对比方式:收紧对比、窄宽对比、长短对比、不对称和对称对比等;服装结构设计采用长短、松紧不同等方式;服装设计的风格可采用如下表现手法:现代和古代、写意和写实等表现手法,使角色特点得到充分展示。部分舞台服装用夸张的表现方式来进行设计,实现与时尚接轨,其能进一步提升演员的表演力及形象。设计师在设计的前期,应认识到导演在塑造人物时的思想,如导演一贯的指导风格、历史背景、情绪中涵盖的音乐元素、任务角色具有的特征以及任务演员自身特点等方面。在舞台服装的设计中,所涉及的主题包括服装是否与剧情相符、是否具有鲜明的人物特征、现代与传统是否具有明显的划分以及繁杂或是简约设计风格是否确定等。为了设计出比较好的舞台效果,设计师应深层次了解和掌握以上主题元素。
2.舞台服装色彩可营造舞台的气氛
舞台服装是舞台表演者重要的语言表达符号,舞台演员可借助繁杂的服装张显不同角色的表演,设计师应对重点掌控服装的颜色。在日常的生活中进行服装设计,可以采用不同的色彩来展现舞台演员的喜好、性格以及审美情趣,可进一步依靠色彩不同的搭配来展现人们的修养与情感。另外,还应和人物性格所处环境匹配,而且还应兼顾美观和舞台功能的需要,舞台的色彩其决定性作用的是灯光和布景,服饰是细节,舞台主题、色彩风格都可通过服装来体现,服装作为一种流动式色彩板块,能很好的营造气氛。以舞台作为特色的表现手法,颜色搭配应根据不同的主题变化来决定,如冷色调的赈灾晚会;暖色调的国庆晚会,两种主题采用的基调和风格是完全不同的,舞台服装色彩的饱和度以及明暗度都是为了舞台画面背景而服务的。
3.舞台服装应选择合适的面料
舞台服装面料在选择上也较为讲究,一般选择吸收光源能力较强的面料,一般以棉、麻、丝、缎为面料。并要求结合不同的工艺来进行选择,也可以把材料进行二度的制作,以达到展现更多材质肌理的目的。为了满足舞台的演员角色表演的目的需求,面料选材具有相当高的要求,材料的厚薄、轻重、密透、光亚、垂挺、软硬以及弹性的高低等都是面料选择时应考虑的因素,它们必须依靠服装来展现效果、表演方式以及角色动作。随着科学技术的不断发展,舞台负责的材料也有了更多的选择,例如金属、塑料制品以及丝织品等都可以用来制作材料。
4.审美基础是精湛的工艺技巧
服装工艺的划分主要包括制作和裁剪,精湛的裁剪手法能创造出合身的服装进而展现出更加自如的形体美。每一种舞台艺术的表现过程都无法离开服装的辅助表现,舞台人物可以通过语言表达、肢体动作、音乐唱歌等的不相同的艺术表现的形式来塑造主角特征。另外,角色的性格和特色是通过把舞台服装当成是一种外表的符号来展示的,这起到有效塑造人物的作用。设计师在设计时应把握好分割线与结构设计,舞蹈服装增加舒适感必须兼顾运动和表演两个方面,舞蹈艺术作为重要表现形式的舞台上,对服装的舒适度显得更加注重。舞剧是集时间、空间以及综合因素为一体具有动态性的艺术的表演,舞剧演员一般通过夸大肢体的动作来展现任务的特征。在舞台上服装设计中用得较多的还有立体裁剪方法和平面裁剪方法,设计师在裁剪时都是将人体结构排在第一位的,需贴近人体的不同部位进行裁剪,并尽量做到准确和细致。实用性较强的服装一般缝制工艺的手法和结构设计都是固定的,舞台服装应打破这种束缚,为设计出与演员气质和身体相协调且符合舞台需要的服装,应注重裁剪手法,缝制工艺以及结构设计等方面,以求不断创新,推动舞台服装艺术的快速发展。
二、民族元素在时尚服饰中的运用
我国的民族文化与艺术为服装设计领域提供了极其丰富的表现形式和设计素材,如唐三彩、中国水墨画、青花瓷、园林景观、民间手工艺、少数民族服饰品及工艺品都可以激发设计师的灵感。例如“东北虎”打造的就是中国奢侈品牌服装,在设计中常常运用旗袍、唐装、汉服、折扇、书法、刺绣等民族文化元素,每次会都蕴含中国民族文化;“天意•粱子”的作品中,很多都是采用中国传统桑蚕丝面料,借鉴中国书法艺术、刺绣等设计元素体现本民族的形式美和神韵美;“玫瑰坊”郭培的设计常常借鉴中国宫廷服饰造型、青花瓷、吉祥图案、刺绣等民族文化元素,设计师在运用刺绣时强调色彩的配色、过渡、分割与合成等方面;而吉祥图案元素可以较自由地运用解构、移位、变形等方法,再将图案进行设计重组,形成新的独特效果。例如香港服装设计师张天爱曾运用鲜艳的晚清时期龙纹苏绣,在设计过程中龙纹仅仅是龙纹,不具有任何的象征意义,只是作为一种服装图案。因此,在运用民族文化元素时,必须从整体出发,考虑服装的款式、材料、色彩及服饰配件,包括化妆都要形成统一。从现代的审美情趣出发,把民族文化与时尚相融合,对这些设计作品的元素符号进行视觉设计的表达,展示东方式的生活美学。
2色彩图案
婴儿服装的色彩以柔和、明亮的浅色系为主,浅色调能给人温柔、平和、宁静的感觉,具有减少哭闹、安抚婴儿情绪的作用,另外浅色也方便家长及时发现衣物上的污渍,从而进行更换和洗涤。服装的图案以花草树木和可爱的卡通图像为主,装饰设计手法可以采用抽褶、加荷叶边、辑明线、各种花边、绣花、贴布、印花、蝴蝶结等,不宜采用金属链条、纽扣、珠子等装饰,以免划伤婴儿或被婴儿抓下误食。
3款式造型
婴儿服装的廓形以H型、A型和O型为主,H型的服装不放摆不收腰,外观给人大方休闲的感觉,符合婴儿腹部凸出无三围区别的体型特征,A型服装的特征为上小下大,下摆呈外张状态,这种造型也适合婴儿窄肩凸肚的体态,造型活泼可爱,O型腰部宽松而袖口、裤脚口收紧,主要用在现在比较流行的连体哈衣中,能使婴儿在玩耍时身体不受拘束。
4内部结构
婴儿服装的结构少用或不用分割线、省道等,以使服装尽量贴体、舒适,避免服装缝份对婴儿娇嫩的肌肤产生摩擦损伤。一周岁以内的婴儿,因脖子还未长出,头部和躯干几乎是连在一起的,因此领部不宜设计立领、翻领、连帽领等领型,而是以无领或假领为主,上衣前襟要略长,以遮住肚脐,避免受凉。一些廉价劣质的婴儿服装,都将裤腰设计得非常小,而很多家长尤其是老一辈的人,都遵循着要保护婴儿肚脐的原则,将裤子系得很高,高到胸腹甚至腋下,这种裤子严重束缚了婴儿的胸围和肺部发育,对婴儿的生长发育产生了十分恶劣的后果。若松紧带过松,则裤子又容易下滑。此时可采用背带式或连体式结构,既保护了婴儿肚脐又防止下滑,且不会限制孩子的活动。六个月以内的婴儿,主要姿势为平躺,因此可以设计开裆裤方便把屎把尿,六个月后,婴儿逐渐能翻身并爬行,活动范围变大,接触的环境更为复杂,而婴儿自身的免疫系统还不够完善,对细菌病毒的抵抗能力较弱,穿开裆裤就容易让外界的细菌、灰尘入侵,对宝宝的皮肤及身体器官造成危害,因此宜采用合裆结构。设计时如能将裤脚和裆部分开,采用前端扣合的方式,则不仅可方便家长把屎把尿,还能保护宝宝的身体不受外界细菌侵害。一周岁以内的婴儿还不具备自理能力,所有服装及配件的穿脱都是由家人代为完成的,因此宜以前开襟为主,少用套头式,如采用套头式结构,则应在肩部开口,安装纽扣、系带等扣紧材料,在不加大领口的同时又保证服装能顺利穿脱。
5工艺
单层服装的缝边不应以布包边,而应以细线锁缝或采用内外包缝的方式,以最大程度减少服装缝边的厚度,贴身的内衣少用绣花,以柔软无起伏为佳,如需在婴儿贴身服装上加“成分唛”或“洗唛”,则应固定在外面,以免标签摩伤婴儿细嫩肌肤。
在戏剧表演的过程中,演员是服装的承载主体,通过表演展示服装设计的水平。对于戏剧作品中的同一个人物来说,不同演员的演绎会产生完全不同的艺术效果。决定不同演员艺术风格和特点的要素主要包括外在形象、气质、性格等等外在因素,也包括艺术修养、文化水平等内在因素。对于服装设计师来说,需要根据不同演员的这些特点来设计适合的服装,服装的风格、款式和面料等等既要符合演员的个人特质,又要符合剧本中的人物角色特点,这对于服装设计师来说是一个巨大的挑战。
1.2导演
在戏剧舞台表演的过程中,导演的重要作用不言而喻。导演要对舞台表演的全过程进行严格把控,既要根据剧情发展的需要来分配不同角色的戏份,又要根据剧情的需要来指导道具、布景和服装等艺术设计。在这个过程中,导演会根据戏剧剧本的内容以及自身对于戏剧艺术的理解和认识来制定服装设计的基本原则和思路,服装设计师需要根据导演的总体思路和要求来相应地进行设计。值得一提的是,虽然导演提出的服装设计模式和方案未必得到全部的贯彻和执行,但是服装设计师必须在充分尊重导演的艺术设计和构想的前提下开展工作,确保服装设计作品能够完全符合戏剧表演的需要,实现艺术的高度融合。
1.3舞台表演
舞台表演的需要也是决定服装设计的重要因素之一。在戏剧舞台表演的过程中,演员除了要保持静态的状态以外,还需要大量的表演动作来推动剧情发展,展示人物形象。为了达到艺术表演的效果和要求,演员必须要穿戴合适的服装,这就对舞台表演服装的材料、款式、裁剪等等都相应地提出了要求。特别是一些对于动作要求较高的戏剧舞台作品,例如杂技、武术表演等等,服装设计师都要充分考虑到表演过程中演员的各种需要。因此,近年来许多服装设计师都广泛采用了涤纶等耐磨、高弹力材料作为服装设计材料。
1.4技术因素
在戏剧舞台表演的过程中,除了演员的因素以外,灯光、道具、布景等技术因素也会对服装设计师的设计方式产生一定的影响。例如灯光的明暗、数量、布置等灯光技术的运用,将会直接影响到人物服装艺术效果的展示。例如在相对昏暗的舞台环境下,演员身穿红色、高反光度的服装,配合追光灯,能够产生出十分鲜明的视觉反差,给观众留下深刻的印象。因此,说,在为戏剧演员设计服装的过程中,服装设计师还要综合考虑到舞台表演的各种技术性因素,采取不同的设计方式和方法,达到应有的艺术效果。
2、对于提高服装设计水平的思考
笔者认为,为了有效提高当代国内戏剧服装设计水平,我们可以采取如下几方面做法。
2.1服装设计师要进一步提高剧本文本阅读分析能力
剧本文本是编剧艺术构思的外在体现。服装设计师通过对剧本文本的细读和分析,要得到文本以外的深层次信息,这对于全面准确地理解编剧的艺术构思是至关重要的。当前,国内出现了一批新生代的戏剧作家,这部分作家的创作思维较为先进和新潮,这就给服装设计师的文本分析阅读能力提出了挑战。对于服装设计师来说,要对戏剧剧本的文本进行更加深入地分析和理解,获取更多指导服装设计的信息和线索。