水彩课程总结汇总十篇

序论：好文章的创作是一个不断探索和完善的过程，我们为您推荐十篇水彩课程总结范例，希望它们能助您一臂之力，提升您的阅读品质，带来更深刻的阅读感受。

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中图分类号：J225 文献标识码：A 文章编号：1005-5312（2012）29-0199-01

在水彩专业基础教学的课程设置中最为主要的教学环节就是素描教育，素描训练中的造型训练以及对绘画风格的探索是水彩创作的重要基础。在西方基础素描教育是油画专业的必修课程之一，而中式绘画体系中素描也是中国水墨画创作的重要前提。在进行水彩画创作的过程中，运用素描手段确定作品的构造、形态以及主要的表现内容，是绘画创作的基础和重要环节。水性材料作为水彩画的标志性绘画材料，在素描基础课程中的良好介入对于丰富素描语言、更新素描教学模式具有重要意义。

一、水性材料概述

水性材料的具有久远的发展历程，早期的水性材料是指将水、树胶或动物胶等天然物质进行融合形成的稀释剂或粘合剂，现代的水性材料主要是指水彩及水粉等具有水性媒介性质的颜料。早期的水性材料具有取材方便、使用便捷的特点，现代应应用的水性材料强调自由、流畅的进行绘画，继而表达出较为透明、清新的画面效果。

水性材料的媒介物质是水，所有颜料都必须用水进行调和，水性材料经过稀释之后可以创作出水色交融、流畅透明的水彩作品。水性材料在水彩创作过程中能够细腻的刻画作品的画面内容，形成清新透明的视觉效果，而且在特定的水彩纸上能够较为随意的流淌。水性材料是水彩区别于其他画种的重要标志，无论绘画材质是什么，只要作品的绘画材料的溶解媒介是水，都属于水彩画的范畴。随着世界多元文化的不断融合，新的绘画材料和绘画工具不断应用于水彩画的创作之中，使水彩画呈现出更加丰富的画面效果和艺术魅力，拓宽了原有的绘画形式和创作技法，促进了水彩画在世界范围内的长足发展。

二、水性材料在水彩专业基础教学中的应用

水彩画是绘画艺术中重要的组成部分，绘画颜料由胶水调制而成，在进行作品创作时，以水为媒介将颜料溶解，利用画纸白地与水分之间的相互融合、渗透形成轻快、透明、湿润的画面效果。水彩画包括透明和不透明两种画法，透明画法是指单纯以水为媒介调和颜料，在沪指上薄薄的平涂一层，使画面效果具有透明感；不透明画法是指在水作为调试媒介的基础之上加用树胶进行颜料调和，使画面出现柔和光泽，或加入其它渗料使色彩呈现出厚重感的画面效果。

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1.水彩概述及色彩基本原理。包括水彩画的历史演变及现展历程、水彩材料的介绍、色彩基本原理以及水彩上色的绘画程序（由浅到深，由湿到干，由上到下，由左到右，由远及近，由主到次）等方面的学习。在这一部分的教学中，色彩基本原理的讲授是重点，内容包含了色彩三要素（色相、明度、纯度）；色彩的冷暖关系（色性、色彩冷暖的区别、色彩冷暖的相对性以及色彩冷暖的联系）；色彩的调和；三原色、间色、复色、补色；色环与色立方；色彩观察分析（光源色、物体色、环境色、大气色）等等。

2.静物临摹/写生。色彩训练和素描训练一样，往往选择从静物开始，这是因为室内的光线较之室外是很稳定的，这便于学生长时间地进行相应的观察分析，表现描绘对象物。在静物的临摹和写生环节中，除了提醒学生要注重对色彩知识的学习与运用以外，还要加强学生对物体造型、体面、质感、空间等方面塑造能力的培养。在这一部分中，除了对水彩的基本技法进行讲解外，还要对“水”———水彩的重要媒介进行重点讲解，要让学生在绘画的过程中，充分利用水的特性，画出水彩水色交融的奇妙感觉。上色前可以先用喷壶在画面上喷上清水，或者用大板刷在画面上刷上水，水量以自己的画面需求而定，然后在纸或润泽或半干的情况下上色；也可以先上色再喷水或刷水，目的是要以画面效果润泽、透明为准。

3.建筑单体临摹/写生。色彩静物练习的目的是要帮助学生巩固已学的色彩基本知识，熟悉水彩的表现方式和技巧，培养学生基本的色彩表现能力，而建筑单体的临摹/写生学习，则是为下一部分的风景临摹/写生学习打好基础。在这一部分的学习中，学生应重点把握对建筑物造型、质感、空间、透视等方面的表现。在讲解透视的过程中，要把一点透视、两点透视、多点透视、散点透视等透视方法及手段讲解清楚，并要辅以相应的练习训练，避免出现明显、简单的透视错误。

4.风景临摹/写生。在风景临摹/写生中，学生应依照老师详细讲解的水彩课程风景写生步骤程序（选景，构图，起稿，上色，经营画面，整理画面）进行相应的绘制，要强调在绘画时，先画远景，再画中景、近景，即先画天空、远山、远树，再画房屋、桥梁、近树等画面的中景、近景。这样有利于学生控制画面的整体关系，使画面具有空间层次感。这样可以少走弯路，避免出现在绘画过程中常遇到的“不知从哪开始”，或者不知所谓地东一笔西一笔的混乱局面。

（二）审美及艺术鉴赏能力培养方面

在绘画过程中，画者的素描和色彩基础决定着画面的基本框架，而自身的审美情趣和艺术修养则决定着画作的品味和艺术性。老师在教授水彩基础知识的同时，还应辅以优秀美术作品赏析、中外美术史、中外建筑史等方面相关知识的讲授，帮助学生提高人文艺术修养和审美情趣。

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目前，我国很多设计类专业都以水彩作为色彩基础训练的内容，而授课的教师大多是学水彩专业的，导致教学一直沿用传统的绘画专业的教学培养模式，而设计专业基础课时少，相对也不是很集中，其学习效果远远达不到专业水彩的要求，花课余时间画出的普通的水彩习作，难以达到与设计挂钩的要求。随着人们审美意识的不断增强，社会对艺术设计人才的专业水平也相应地提出了更高的要求，因此，在当今快速发展的经济社会形势下，深化改革与时俱进，构建一个科学的设计专业色彩教学系统是高等院校教育教学的必然选择。我们试图在这几个方面对水彩教学进行了一下调整。

一、根据设计专业特点制订教学计划，调整教学方法

设计专业的学生多通过艺术类高考进入大学，有一定的专业基础，对色彩有一些认识，形象思维能力强，但很多学生以前学习的都是水粉，而水粉和水彩在技法上相差甚远。就这方面而言，在安排教学上就要针对其专业的需要来设置水彩教学的实际教学计划和制定具体教学方案以及教学方法。在许多高校中，水彩画教学不仅是色彩训练的基础课程，几乎渗透到环境艺术设计以及公共艺术设计领域的艺术设计、工业产品设计。因此，要在现有的基础上，从浅到深、由易到难，循序渐进地进行教学安排。教学的内容应从铅笔淡彩或钢笔淡彩训练开始，到大量的风景写生训练。风景写生训练的内容可根据专业反向来定，比如环境艺术、景观设计要将房屋建筑、道路建筑以及城市标志性建筑等作为设计的主要对象，服装设计要将人物作为主要设计对象等。其教学步骤应该为，首先要求学生对优秀作品进行欣赏；其次要求学生记住要领然后进行作品临摹；最后再安排学生写生以及进行一些必要的创作实践。按照循序渐进的方式让学生了解水彩画和适应水彩艺术的表现形式。

二、认识水彩画，把握水彩的艺术形式，加强水彩技法教学

任何艺术形式均有自身的特性，水彩也是这样，如何认识和理解它，是在水彩画教学过程中需要解决的首要问题。水彩画是一个具有独特艺术魅力的画种。将水作为媒介是实现水彩画创作的重要特征，水彩画的所有绘画颜料都是以水为媒介调配而成的，因此，水的透明而润泽、流畅而明快、玲珑剔透的本质特征在水彩画之中表现出强烈的艺术效果。到目前为止，水彩画已经有数百年的历史，它有着独特的艺术语言，其艺术表现形式独树一帜。水彩画原为西洋画种，自从“小乔初嫁了”至今，已经完美地融入了中国文化之中。

把握好水彩的艺术形式，就必须在高校专业教学中强调水彩特性的专业理念。水彩画是在“水”的基础上融合色彩进行创作的画种，因此，工具和材料的属性对水彩画的艺术特性有着决定性的作用。我们在水彩画教学过程中，首先向学生进行水彩画工具材料性能的教学，并且将别的画种与其一起进行分析和比较，务必将水彩画特性讲明白、教彻底，使学生对水彩画特性的认识根深蒂固。在具体教学实践中，教师应该敢于带头示范，可进行名作欣赏、专业评讲以及作业辅导等多种教学形式，其目的就是要求学生全面和深入地认识水彩画艺术特性，从而有效地提高学生水彩画的专业水平。

三、加强快速表现水彩小品，反复训练学生水彩画技能

在传统的水彩课教学中要经过长期作业的训练，以对水彩的技法和造型有深入的研究，但对于设计专业的学生来说很难获得较为理想的教学效果。因此，应该根据学生的具体实际情况对设计专业色彩基础进行施教，加强学生的实际训练，使学生在反复训练中快速了解技法和水的韵味。画幅可多以16开为宜，让学生很好地把握整体关系，色调控制，通过大量反复的绘画实践进行归纳和总结。为此，教师在进行教学时就要加大信息量，多给学生看各种风格的作品，对各种画法分析、介绍。

四、提高学生的艺术素养和鉴赏能力

眼界的提高能使手上功夫飞速发展，这就要求教师要广泛收集国内外水彩画家名作，供学生欣赏。另外，可通过观看画展、欣赏画册以及网络教学等多媒体直观教学手段进行艺术鉴赏教学，使学生的艺术修养和审美能力、表现能力在短时间获得较快提升。设计是一种造型艺术，它离不开科学技术，它要求的是科学与艺术的和谐统一。所以，设计专业学生在学习色彩基础课的过程中，教师不能只注重对学生的色彩表现能力进行施教，还应该对学生的艺术素质和审美理念进行培养。

水彩画技法应用的领域涉及设计行业的方方面面，它的水润特性带给设计师变化无穷的色彩艺术启示，学好水彩对设计有很大的提高，这是因为水彩画具有与众不同的色彩魅力。它表现速度较快、色彩层次透明而丰富、表现力强，可表现浓烈的思想情感，也能表现出清新淡雅的淡泊情怀。在技法上可干画法层层加叠也可充分细腻一次晕染，其表现设计的手法不拘一格，具有独特的艺术风格。

结语

水彩画教学内容庞大，设计专业课时安排有限。如何在有限的课时内提高学生的水彩画表现能力和审美能力，需要教师针对专业执行正确的教学理念和教学手段，一定要区别传统的绘画教学模式，在教学中抓住设计表现准、快的特点训练，把色彩理论、技法与示范相结合。要不断总结和探索更适合、更有效的高职院校设计专业水彩的教学形式和方法，同时提供给学生更多的自学途径，让学生运用所学知识多思考、多作练习，从而在有限的课时内获得更好的学习效果。

参考文献：

[1]李木.对艺术与设计基础教育的科学思考[J]. 装饰，2003（1）：7-8.

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一、通过水彩画临摹使学生技法得到快速积累

临摹是学习绘画的有效方法之一，对于水彩画的传统，我们一贯主张学其精华，充分掌握吸收后进行变通与创新。因此，临摹在水彩画学习最初阶段有着不可替代的作用。有很多人曾经质疑水彩画初学阶段临摹的必要性，认为过多注重水彩画循规蹈矩的临摹，会导致学习目的过于盲目而不能起到有效的教学作用。艺术史研究者对于传统继承的问题也一直争论不休，冈布里奇在他的著作《艺术与幻觉》中谈到“程式与经验”时曾说过：“没有一种媒介，没有一种可以摹制和修正的预成图示，任何艺术家都不能模仿现实。”[1]在他的同一著作中，探讨艺术心理这一问题时，他提到艺术理论家克里斯曾指出：“长期以来我们逐渐认识到，艺术不是产生于虚空，没有哪个艺术家与前辈和样式毫无关系”[2]众所周知，绘画需具备创造精神，然而绘画亦不是无根之木，需从继承传统的基础上发展而来，“传统技法既可以成为推陈出新的基础，又可成为推陈出新的障碍，关键是你如何对待它。”[3]

凡是好的作品都会引起观者的共鸣，并且容易为人所理解。继承水彩画传统仅靠观看、研读水彩画论是不能够完全领略其内涵的，必须要经过临摹实践这一过程。要善于学师的水彩画表现技巧，汲取大师的艺术语言，用以形成高层次的审美意识，开拓视野，拓宽思路，尽量使画面表现得纯真而自然，从中得到更多的启发和色彩感受，掌握更多的表现技法。这一训练需要学生对临摹过程有足够的重视，对临摹的学习要十分严格。要通过教师的指导，选取自己喜欢并且适合临摹的范本，比如名家的代表作品，由浅入深，由易到难，逐步深入，可以整体临摹，也可以局部学习，切不可急躁。通过一边临摹一边揣摩绘画步骤、绘画意图，最后做到心领神会。教师在对学生的讲授中要针对画家和其作品作详细介绍，指出范本作品的特点，示范该画的作画步骤和描绘程序，引导学生迅速掌握临摹要领、临摹目的，做到有的放矢。简而言之，水彩画临摹的主要目的是形成初步的表现模式和规范，以及在头脑中预先的图式。这在于借古知今，它为我用，是初学者的捷径。临摹并不是终极目的，只有经过这一积累，初步获得把握自然的方法，学习前人水彩画创作的精髓，才会为更进一步的学习做好铺垫。

二、通过水彩画作品赏析以开拓学生视野

经过初步的水彩画临摹学习，学生掌握了基本的水彩绘画技能技法，对中外优秀水彩画作品赏析以及水彩画基本理论知识的了解是第二阶段学习的重点。“色彩大师是在他生存的那个时代最充分实现色彩本质丰富性的人”[4]，对大师画作最直观的感受可以形成最初的绘画意识与艺术创造动力。抽象表现主义的发起者之一纽曼（BarnettNewman1905-1970）阐述艺术教育的时候这样说：“我的艺术教育既不是来源于对图片和幻灯的细察观审，也不是来源于老师，而是自己所面对的真实的东西。”[5]博物馆、画廊、收藏展、拍卖会是他真正的启蒙老师，真实的体验对于学习绘画的人来说是至为宝贵的。

这一阶段的学习通过教师引导，可以加深学生对水彩画史的进一步认识，了解国内外水彩画沿革，提高学生学习兴趣。水彩画用水作为媒介来调色，通过水和色的相互作用，画面具有透明轻快、滋润流畅的特点，具有特殊韵味，人们经常将优美的水彩画比作抒情诗，观看大师的作品无疑等同于“朗诵”抒情诗。毫无疑问，水彩画大师的作品能最为深刻反映水彩画特质，是水彩画史各个发展时段的代表。只有对水彩画大师作品全方位多角度赏析，多观看水彩画相关画展，才能更深入了解水彩画的特点特色。近年来国内的小幅水彩画展览、两年一度的水彩水粉画展、水彩人物展、百年水彩展等等一系列水彩画展，都为初学者提供了良好的学习机会，所以应鼓励学生多参加这样的画展，通过直接视觉接触、感性认识以及理性分析来提高学生对水彩画的全面认识。

三、通过水彩画教学实验使学生实现写生到创作表现的升华

写生类画作是诠释事物状态的最佳代表。陈师曾将“画是一样甚么东西”定义为“表示人类的意思的一种符号”，是“人类要表示事物状态的一种方法”[6]。在很多大师的水彩画作品中，其创作和写生也有着极其紧密的联系，他们假借风景、静物和人物这些写生常见的题材抒情写意，比如当代国内水彩画大家王肇民、关维兴、黄铁山、奥迪、龚玉等等。在教学中，水彩写生课程的意义在于可以帮助学生掌握正确的观察方法，锻炼其把握事物全面的关系，通过比较学会用水彩颜料塑造形体，通过反复的写生训练构图，训练从色彩的角度观察和塑造形象的能力，达到画面色块协调，准确地再现客观对象。色彩的形体塑造方法是多种多样的，水彩颜料特有的明丽以及作画中的偶然性等等都会令学生充满新奇感。利用相对稳定的光源和环境，采用多种形式和各种色调进行水彩画基础训练，使学生加深对色彩规律的认识，强化对色彩的控制和对绘画材料的驾驭能力。

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关键字: 特性;材料;技法;表现方式;教学

在高等美术教育中,除个别专业院校专业技法系外,其他综合类院校的美术专业,对学生进行的技法训练均达到三种以上,涉及水墨画、油画、水粉、水彩多个专业不同技法。由于每个画种的审美情趣、表达方式、材料特性和作画过程都有巨大区别,甚至有些技法和理论是相悖的。如“国画山水中的散点透视要求以移动的视角观察对象,并将他们和谐地整合在同一个画面中;而作为西方绘画的油画和水彩则要求在画面中遵循严格的透视法则,利用平行透视、成角透视、曲线透视等科学的理论方法组织画面并形成构图。”[1]所以学生在学习这些技法的同时对所学的内容简单的横向比较后很容易感觉前后矛盾。因此。在技法教学中教师除了需要教授学生必要的技法知识和材料特性外,还需要让他们对各个画种的审美情趣进行深度探讨,对它们各自形成的背景有所了解。

作为一种绘画的技法,它们功能上有其共同点,都能从不同角度表达绘画者的意图和思维方式。同时作为一种绘画手段都是通过视觉传达作用于观赏者的反射神经并获得观赏者的共鸣。另外它们都遵循着共同的视觉规律。国画中要求的形神兼备和西方绘画中要求的造型准确都有关于形体塑造的要求。

造型审美

在造型上,容易产生分歧的是中国传统的水墨画和西方绘画之间关于在造型上的分歧。国画理论认为,以形写神,形神兼备是中华民族传统国画艺术的基本造型法则。南齐的谢赫在总结吸取顾恺之《画论》的基础上,在他的《古画品录》中系统地提出了“六法”的中国画造型理论。即:气韵生动、经营位置、骨法用笔、应物象形、随类赋彩、传移模写。这“六法”从过去到现在,随着中国画创作艺术实践的积累和总结,日臻完善,成为中国画造型艺术的现实主义创作法则。[2]从国画的造型法则可以看出,它把传移模写作为最后一点来强调,气韵生动则作为首要考虑的因素。显然在中国水墨画的审美标准中精确的造型并不是最重要的元素,而气韵和位置经营才是水墨画中首先需要考虑的问题。与之相反的是西方绘画中对于造型的严谨。以油画为例,它的造型法则必须遵循一定的规律和造型法则。文艺复兴时期的达芬奇不仅亲自解剖尸体以弄清人体的肌肉骨骼构造还发现了人体四肢与身体的黄金比例。在西方绘画的审美标准中,形体是首先需要解决的问题。画面的所有信息都必须附着在形体上传达给观众。17世纪欧洲古典主义和学院派就是最好的代表。“他们强调理性、形式和类型的表现,忽视艺术家的灵性、感性、和情趣的表达。追求明确、单纯的结构和完美和谐的造型。追求理想化的艺术表现。”[3]这种对造型的审美标准与国画的审美标准看似是截然相反的。

但是在教学中,其实两种审美形式并不矛盾。首先不管水墨画还是油画,它们的造型基础是相同的,都需要客观地再现所要描绘的物体和景象。作为水墨画而言,其中古法用笔讲的就是对造形的要求。而水墨画中的水墨交融的感觉其实也是为了体现画中“形”的元素,只是水墨画中对于形体的要求没有油画和水粉中那么精确而已。作为现阶段学生的基础而言,他们无论是学习还是考试均受西方绘画理论的教育。那么同时他们也在不同程度上掌握了西方绘画理论中关于造型的知识。所以在教学中,教师可以将西方绘画中对于造型的要求引入中国水墨画中去,这样在造型上,学生就不会因为两者要求上的差异而陷入迷茫中,同时也可以在绘画的过程中,体味两种在不同文化背景下形成的艺术形式的内在差异。

材料

每一种绘画形式的材料和技法都有其各自的特点。根据各自材料的特性,在绘画方式和作画步骤上也呈现出各自不同的特点。例如在水彩画中,因为水彩颜料的透明的特性,使得在作画的过程当中一般从浅色入手,在通过覆盖将底色与覆盖层颜色做二次调和,最终达到理想中的效果。而在水墨画中因为使用特殊制作过的宣纸,水墨会在上面留下浓淡不同的印染痕迹,所以利用墨与水的浓度,来控制笔触的形状和墨色的浓淡。但是同样作为西方传统绘画的油画,由于颜料难以被其他溶剂稀释,因此出现了制作不同特性的画底,并在上面制作作品的技法。另外也正是源于油画材料的这个特性,使得油画可以表现出比水彩和水墨画更为厚重的形式的作品。各个画中之间的材料也千差万别,水彩是用的是表面凹凸不平的水彩纸,水墨画使用的是渗透能力比较强的宣纸,而油画则采用比较厚重亚麻布同时上面还要做相应的画底。这样看来,几个画种之间无论是工具、技法、媒介都有相当大的差异。这样在教学中,如何让学生能够很快的进入下一阶段的课程的学习而不受上阶段所学内容的影响就成为我们必须解决的问题。

那么在教学中,我们需要让学生了解的是几种绘画形式的差异,主要的原因是因为他们的材料的不同特性导致的。同时每种表现形式所适合表现的题材和画面效果都有着各自的优点和不足。因此首先学生要了解每种材料的特性,在充分了解了材料的基础上,将所学习到的技法进行充分的运用。

表现技法

在教学中,学生面对一门新的绘画形式的课程往往会从上一门课程中间寻找经验。但是由于表现方式的差异,导致学生在作画过程中会出现暂时的技法上的错位。以水彩和油画教学为例,水彩要求学生以快速的概括的笔触和尽量单纯的色彩完成作业,在调色技巧上更注重于纸上调色,将单纯的色彩放置在画面中让它们相互之间产生调和作用,在表现技法上往往都是作用于水彩的媒介上。由于水彩所用的媒介是水,因此有许多作用于水的技法出现。如利用水的被盐吸收的特性而出现的撒盐法、利用特殊的不溶于水的胶制成的留白胶、利用水与水相互融合采用的湿画法等。而在油画中,由于油画颜料自身的不易干和容易覆盖的特点,往往可以将一幅作品通过较长时间的修改以达到预期的目标。色彩上较水彩而言更为灵活,能够将多种颜色混合得到所需的色彩,因此在表现技法上也更容易控制。惯用的技法都是用笔触来体现对象的体积和形象,可以将物体的细节、材质统统表现出来。因此如果学生在结束了油画的教学课程以后再进行水彩的教学,往往会使用与油画类似的表现技法去体现水彩的画面,对水分和调色技巧控制不好会使画面颜色变脏。在这个时候教师应该就水彩与油画的内在联系向学生做相应的说明。“水彩所要求的三要素简洁、快速、聚精会神。这三要素分别对应了水彩在画面元素、审美标准、和表现过程。在画面元素上单纯的元素具有巨大的感染力。在审美标准上作品的价值并不在于所花费的时间。在表现过程上清晰地思想和情感是重要的要素。”[4]而所有的技法的衍生其实都是围绕这三元素展开的。这与油画所追求的元素并不矛盾。在明确了两者内在的联系之后,可以在初期让学生以油画的技法尝试表现水彩的画面,让学生在实践过程中逐步体会两者在材料和审美上的差异,慢慢对水彩的表现技法达到掌握。

综上所述,多种绘画形式的教学能够使学生更多地了解其他绘画形式的信息,同时在教学中也要让学生认识到,不同的绘画形式实际上只是表达自己情感的手段,在以后的创作过程中,学会使用最恰当的形式表达自己的感受才是教学的目的。

参考文献:

[1]杨广生,钟传平,王琪编著.透视.解剖.辽宁美术出版社,2006年.

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中图分类号：G420文献标识码：A文章编号：1005-5312（2011）02-0212-01

在大多数人看来，水彩画是“小画种”未能与油画、国画平起平坐。之所以会出现这种现象是由于多年来，中国水彩画作品是以小品形式出现的，很少有思想深刻、艺术感染力强的作品出现。要改变这种现象，从真正意义上振兴水彩画，取决于当前我国的现行文艺政策、教育政策、人事政策。加强高校水彩画教育的办学质量是水彩画繁荣的保证，提高水彩画教育质量与促进水彩画创作繁荣是相辅相成的。

一、水彩画在我国高校的发展

水彩画是以透明画法来完成画面的形体塑造，是一种具有世界性的画种，引进到中国已有近三百年历史。20世纪初，水彩画作为“色彩”课的一项内容进入中国的普通教育。随着我国改革开放和经济形势的发展，中国水彩画开始了一个新的发展时期，不论是参与的人数，还是在全国的影响力及创作形式，都在不断的增强和丰富，由于创作群体的努力，中国水彩画的表现形式和内容都更加广泛。水彩画在高等美术教育中的作用是作为色彩基础进行技能和绘画基础训练作为一门独立的艺术形式进行艺术创作。

二、我国高校的水彩画教学特点

我国各地高校水彩教学在绘画风格上具有明显的地域特征，各具千秋。造成这种情况的主要原因是因为水彩画比较重视技法学习，师承影响比较明显，不同时代、不同教师教授出来的学生绘画风格大不一样。如广东的画风粗犷，江浙一带善于用水，湖北的偏重形式感，东北的比较朴实细致，山东的则画风细腻、扎实、精美……

虽然我国各地高校水彩教学在绘画风格有所不同，但对水彩画基础知识、基本技能的掌握与传授还是一致的，只是在创作训练以及难度较高的课程上才区别明显。

三、我国高校水彩画教学问题的综述

（一）水彩画只宜作概括性、随意性表现的小幅作品，不宜深入反复修改

大部分的水彩画教材开篇都是这样介绍水彩画的特性的，学生们最初接触水彩画时，书本及老师们就向他们灌输这种观点。殊不知，水彩画工具同样可以进行严谨、深入、丰富的形体塑造，又不失其水彩画的特色与魅力。从初学者入门的角度来看，或者从平时水彩写生练笔的角度来看，以小幅面的写生为主这样一种对水彩画的认识与练习或许有一些道理，它能让人们快捷地掌握一些水彩画技巧。

（二）水彩画工具简便，利于普及，适于作为美术专业的色彩基础课

水彩画由于工具材料的局限性，较之其它画种更注重笔触、技肌理的探索与追求。常常在绘画过程中，依据创作意图和画面意境的需要，选用适宜的笔触和一种或几种特殊技法来表现。水彩画之所以是一门艺术，是因为它使用一些技法来达到情感的表达，才上升为艺术，这是一个飞跃。而我们的水彩画教学基本上只停留在纯技术的层面上，还未进入到艺术的层面。而要有这个飞跃，就与学生的知识结构、生活阅历有关。

（三）水彩画与中国水墨画在工具上很接近，学习中国水墨便能使水彩画民族化

几乎所有的水彩画教材上都提到了水彩画与中国水墨画的关系，有的还追溯历史,从用水调配颜料作画的角度来讲，认为中国自古就有水彩画，甚至认为中国水彩画远比欧洲早。然而，我们今天从事的水彩画，它有一整套艺术技法和造型观念并被当作一门独立的画种，众所周知是从欧洲传到中国来的，进入中国的美术课堂也只是近百年的事。

强调笔墨是中国传统水墨画的重要特征，在古代文人画家看来，绘画的美不仅在于描绘客观世界，更在于描画本身的线条、墨色，也就是笔墨。我们要从内在精神上去理解中国传统笔墨。虽然从材质本身的特点来看，水彩画与中国水墨画是相通的，但由于中西绘画都拥有各自独特的“文化基因”，流淌着各自的传统文化血液，水彩画与中国传统水墨画毕竟是不同的画种，水彩画的内在精神是西方绘画的写实性，注重的是对色彩、光影明暗的捕捉再现。

四、总结

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一、研究背景

1.我校水彩画教学的现状

农村中学的孩子对于美术的接触基本上限于学校教育，在校外参加美术辅导的学生一个班也只有一两个。所以想要在农村学校形成美术学习的良好氛围，教师必须下功夫。如何利用好每周一课时的美术课和每周两课时的社团活动，在学生繁重的文化课学习之余抓住碎片化的时间对学生进行竞赛辅导，这正是我们一直以来研究的课题。

2.概念界定

三位一体教学是指课堂教学、社团活动、竞赛辅导三者相结合的教学方式。教师通过课堂教学这个主阵营引导全体学生学习水彩画知识、训练基本的水彩技能和趣味性的水彩技法。在水彩社团活动中对于部分喜爱水彩画，想继续钻研的学生展开深入教学，社团活动中的学生人数基本在二十人以内，教师可进行小班化的针对性辅导。在此基础上我合理利用各种竞赛来激发学生学习水彩画的热情，经过课堂教学和社团活动的全面铺开，会涌现出一些对水彩画感兴趣的、想要通过竞赛证明自己的学生。三者相辅相成，缺一不可。我在近三十年的教学生涯中也验证了三位一体的教学策略特别适合农村初中。

二、实施策略

1.课内水彩教学

新课改把水彩画作为单独的单元纳入美术教材中，共三课，分别是《铅笔淡彩》《水彩画小品创作》《美丽的西湖》。从铅笔淡彩到水彩画再到水彩画创作，内容成递进式的梯度。

（1）导入形式多样化

课前导入对于水彩画教学尤为重要，好的导入可以让课堂教学效果倍增。农村初中生接触水彩画的机会不多，为了丰富他们的审美体验，我准备了每节课的课前欣赏内容――不同表现技法的水彩画作品。我为他们设计情境体验的环节。这样“对胃口”的导入情境，不仅学生喜欢，而且还能为上好水彩课做铺垫。

①欣赏体验式

在课内水彩画教学的六个课时，我挑选了四种不同表现技法的水彩画，分别为：铅笔淡彩画法、干画法、湿画法、混合特殊技法，这些表现技法都是画家们在实践中不断探索出来的创作精华。欣赏了这些作品，学生开始对水彩画感到十分好奇，能够在课堂上近距离接触和学习，使水彩画不再是遥不可及的艺术领域。在课间我会走到学生中去跟他们讨论这些水彩画，探讨表现技法，比如欣赏约瑟夫的《街景》和杜高杰的《黄山朝晴》两幅水彩画在创作手段上有什么不一样，学生会说：一个是画街景的，一个是画山水的。我引导他们得出：约瑟夫表现的技法以湿画法为主，杜高杰表现的技法结合了中国画的元素。通过这样潜移默化的引导，学生对水彩画的审美和认知都会有所提升。

②游戏体验式

对任何艺术来说，恰当的掌握和运用技法可以延伸艺术形式和学习者的视野。对于中学生来说，在美术技能的学习和训练过程中让其深刻体验创造的乐趣才是教育之初衷。如何让技能转化成智慧，在水彩画教学中我通过游戏实验的方法让学生亲身体验与发现技能和技巧。比如水彩画教学水与色的关系，学习初始可以让学生在水彩纸上运用水和颜料调和自由挥运，上下、左右、来来回回的“乱涂乱画”，甚至还可以听着音乐，跟着节奏“乱画”。画到笔干色渴，然后蘸水、蘸色接着玩，还可以在已有的颜色上重复运行……游戏结束后，通过实物投影仪放大展示学生的游戏成

果，引导学生比较、认识他们作品中所创造的不同效果，再采访学生效果产生的原因。通过游戏和采访帮助学生学习水彩画的一些基本技法、笔法，激起学生有意识地进行一些水彩画基本训练的热情。

（2）探究手段多元化

教师要善于根据学生不同的个性特征灵活地进行课堂教学，一成不变地按照教材、教参上的内容上课会让学生没有新鲜感。

我校学生造型能力普遍偏弱，这也是他们不敢画的原因之一，所以针对这样的情况我将探究手段进行了灵活化的处理。

①探究方式由浅到深

学生在八年级上册学过《静物之美》，作业是用素描的形式表现静物。我利用这个作业让他们先尝试简单的上色，拉进与水彩画的距离。这样的教学难度是全体学生都能接受的，课堂中学生参与度特别高。这样的设计是引导学生由素描造型向色彩造型过渡的重要环节。铅笔淡彩是让学生在具有一定的素描践上进行的，在形体塑造上不需要像素描的调子那样讲求完整，但需要一定的明暗关系。至于色彩，可以让学生用物象的固有色来表现，再慢慢引导学生从色彩的一般规律方面做初步的认识和学习，如固有色、光源色、环境色等，提高学生对色彩的表现能力。通过这样由浅到深的、循序渐进的教学方法，让学生慢慢进入到水彩画学习的氛围。

②探究形式个性多样

在学习《水彩画小品创作》时我通过教师作品的实物让学生感知水彩画的表现技法。着重指导学生掌握水和颜料用量的控制，尽量画出作品的透明感。我结合教材中的内容教授学生水彩画创作的小诀窍：a.水与颜色比重的控制：颜料加水后变淡，可以通过控制水分来调出自己喜欢的色彩浓度。画面要有透明感，应给颜料加水而不是加白颜料。根据需要涂画的面积调整笔头的水分含量。在干的颜色上叠加着色，用这种方法描绘的颜色不会有污浊感。b.巧用身边的物品：练习用纸巾、食盐、棉签与水彩颜料结合产生不同的肌理效果。探究手段多样化能营造轻松愉悦的美术课堂氛围，激发学生对美术学习的持久兴趣。

（3）学习成果展示

由于社团上课时间有限，为了学生能更好地练习，我要求每周课后让学生在家创作，两星期交一张作业。为了让学生坚持，我就采用生生之间比赛竞争，好作业在班与班之间巡回展览，激励学生相互学习和培养竞争意识，期末作业进行校园内展览……水彩画社团现已成为我校的精品社团。

3.竞赛辅导

美术竞赛是水彩画教学的重要平台，农村学生展示自己的机会不多，所以学生都非常珍惜每一次的比赛。我抓住每一项比赛机会，鼓励学生把学习成果展示出来与他人分享。在平时的学习中，我引导学生用心观察生活，课堂练习和习作要与生活紧密结合。我校先后组织学生参加省、市、区各个等级的赛事活动，在辅导学生参赛的过程中我总结了以下经验。

（1）观察生活，收集素材

初中生的绘画创作基于儿童期与成年期之间，它有别于儿童期的更关注创作的愉悦性，又很难达到成人期的高度写实，所以对于几乎无校外辅导经历的学生来说，学生的技能像空白的纸

张。在这样的背景下，我在辅导学生进行竞赛创作时强调把更多的精力放在对生活的细心观察和素材的收集上。同时，教师也要做大量的素材收集，怎样的素材适合怎样的学生。素材的收集有两个方面，第一，直接取材于生活，在平时的教学中引导学生养成收集素材的习惯。如今智能手机的普及，使得收集素材变得方便、快捷，还可以对书本、画册、广告宣传等形式的美术素材进行收集。第二：收集美术作品，这个更多的要靠教师来完成，多年的教学经验让我养成了平时多积累，赛前勤思考的习惯。

在参赛过程中，这些素材就派上大用场了。美术类竞赛分为两种，命题创作和自由创作。针对命题创作我引导学生围绕一定的主题去找素材，如“伙伴”“阳光下”“校园生活”等主题，就可以用同一类素材。我经常对学生进行这样的训练：“给你收集的素材命名，最多可以用多少名称？”“如果用了某个题目，这幅绘画就跑题了，做何补救？”在一次杭州市艺术节的现场比赛中，围绕《夜晚》这个主题进行创作，学生巧妙地将一轮月亮添加至她的素材库中，将原本不符合主题的画面变得切题，最终获得了市二等奖的好成绩。

（2）设计画面，展开想象

有了充分的素材，接着就可以对素材进行组织了。这一阶段非常关键，中学生对于画面的布置和安排还不够严谨，往往随心所欲地将相关素材一股脑儿放进画面中，没有经过精心整理和策划过的画面显得杂乱无章且没有主次，吸引不了观众的眼球。所以训练学生设计画面尤为重要，在构思时让学生想一想，哪些地方应画主要的内容，画面调整阶段可增加一些元素也可删除一些不必要的内容，反复推敲、比较。初中生的画面设计存在两个问题：第一，一些学生把整个画面画得很满，没有透气的地方；第二，作画不够大胆，所画的物体既小又少，画面空荡荡，这两种情况都应该克服。

在辅导的时候我经常让学生欣赏名家水彩画，如威廉・透纳，引导学生观察其作品的构图，并用几何图形来概括总结：有S形构图、梯形构图、三角形构图。如指导学生创作《归》，学生在画面的远景画了芦苇，中景偏右画了在桥上背着竹篓的小女孩，近景描绘了桥下的水草和石头。整个画面的左边特别空，有点重心不稳的感觉，我引导学生可以在左边添加些动物，如狗、羊、鸟等。最后根据画面学生添加了两只羊，有了高低错落、近远的叠加，画面一下子就饱满起来，也增加了几分灵动的气息。

（3）巧用材料，抓住瞬间

水彩画写生与创作中常使用一些小技法，以增强水彩的表现力。基本上有如下几种：印的效果、泼洒的效果、加盐的效果、涂蜡的效果、撒颜料的效果、刮的效果。常用到的物品有：纸巾、食盐、海绵、棉签，这些工具与水彩颜料结合会产生不同的肌理效果。初中生的水彩画学习过程中也适合加一些具有趣味性的内容，首先趣味性的技法符合学生的心理特征，可以在创作的过程中“玩一玩”激发学生的学习兴趣；其次趣味性的技法可以增加画面效果，有时还会产生意想不到的惊喜。

在平时的水彩画训练中我会给学生“玩”的时间，提供一些工具给他们，也允许他们自带工具。学生就用树叶、塑料尺压印出特殊的肌理，我鼓励他们把这些实验的结果保存起来，有机会就用到自己的创作中。在一次辅导学生创作《家乡》时，学生表现雨雾朦胧的天空总是达不到要求，留白的技巧还不能熟练地运用，有时能成功，有时就发挥失常。我提醒学生可以用几种工具和技法相结合，试试看用撒盐和纸巾两种材料。先用盐洒出雨点的效果，再用纸巾修改和整理，这样效果就稳定多了。在竞赛过程中稳定很重要，一些效果好的尝试如果没有熟练掌握，我建议换方法。因为水彩画中水的渗化作用和流动的性质，以及随机变化的笔

触，让创作过程多了一些不可确定因素，而用简单易做的方法能增强学生比赛时的自信心。

三、实践成效

在水彩画教学实践中，我采用三位一体的教学策略，不仅适应我校学生的特点，而且也逐渐形成了我校的艺术特色。

1.更新观念，激发兴趣

通过三位一体教学策略的实施，学生学习美术的观念开始转变，不再觉得美术课是随便玩玩的课程，开始有了自己的想法和美术追求。一幅幅学生水彩画作品就是对世界认知的一种表达，是一次次与内心的对话、一次次心灵与艺术的碰撞。在学习水彩画的过程中学生不再对作业敷衍了事，而是主动地尝试、体验，纵然过程中有失败，但我再也没看到无所谓、毫不在意的脸庞。每次到了下课时间学生还意犹未尽，久久不愿离开美术教室，因为他们期待一副成功的作品由自己的笔尖洋溢开来，他们享受优秀作品被选拔参加比赛时的成就感。美术学习在一定程度上也是对意志力的考验，在学习过程中学生能感受到探索、开拓、坚持、团结的力量。在师生的共同努力下，我校学生的水彩画多次获得省、市、区级的各项比赛的大奖，也使得我校成为区农村学校中的艺术强校。

2.立足课内，延伸课外

美术课堂必须丰富多彩，这种丰富多彩不仅需要教师把课上得生动形象，还需要我们能够让课堂充实，有真材实料。因为美术课的多样化，又因为美术课的与时俱进，促使美术课堂不能停留在课内，而是要求我们扩充知识，扩充思维，向课外蔓延。延伸不仅仅是一种要求、一种教学方法，而是为了形成一种课堂艺术。延伸要具备实用性，是对课内知识的巩固；延伸要具备广泛性，是对学生知识的扩充；延伸要具备深刻性，让学生产生感情或引发思考。程颐说过：“为学之道，必本于思，思则得之，不思则不得也。”课内外的结合，能引导学生从课内走向课外，形成好的学习习惯和学习方法，更大程度地激发学生对美术学习的持久兴趣。课标中也要求，要以学生为主体，充分发挥学生的主观能动性。三位一体教学策略能够激发学生学习美术的兴趣、丰富学生的课余生活和给予学生更多展示才艺的机会。

3.提升业务，提高质量

三位一体的教学策略增加了教师的教学范围，同时也促进了教师业务水平的提高，从整体上提高了教学质量。开展水彩画教学的这些年，在我的带动下，学校的三位专职教师均投入到对初中水彩画教学的研究中，更新了教育观念，促进了教学方法的转变，提高了课堂教学效率，不断向专业内涵发展。在条件非常艰苦的情况下，三位教师还是组成了水彩画工作室，在繁重的教学压力下坚持水彩画练习、互相学习切磋，形成良好的教学研讨氛围。功夫不负有心人，三位老师多次获得区级以上荣誉，作品多次被邀请参加省、市级画展，先后被评为区级先进，教学论文多次获得区中小学美术教学论文评比一、二、三等奖。

四、实践反思

1.充分的课前准备能够保证良好的课堂进展效果

（1）教师提前和学生沟通下一节课的课程内容，让学生做好准备，课堂效果比较明显；（2）让学生自觉提前准备好课堂所需工具材料是上好美术课的关键。

2.面批作品时以教师引导为主

（1）针对学生能力分层次面批作业，生成个性化作业；（2）教师不能急于求成，要耐心引导。

3.竞赛辅导时应注意的几个问题

（1）创作讨论时间充分，能取得超值的效果；（2）避免学生讨论时趁机自由玩耍，显得散乱而达不到效果。

以上是我在水彩画教学中的一些实践和思考。作为农村一线教师，我们要善于为学生创设美术学习条件，创设丰富的活动，引导学生参与到教育教学活动中，让学生有与内心对话的机会，挖掘自己的潜力，展现自己。把遥远的艺术向往变成触之可及的有形作品，真正享受美术学习的快乐。

参考文献：

篇（8）

Abstract: this paper analyzes the environmental art design hand-painted the meaning of performance, this paper summarizes the performance techniques and modern traditional hand-painted representation, the paper introduces the characteristic of learning methods Suggestions.

Keywords: environmental art design; Hand-painted performance; Learning method

中图分类号：S611 文献标识码：A 文章编号

手绘表现是环境艺术设计专业的一门专业基础课。在今天日益发达的计算机辅助设计面前，许多同学经常有这样的疑问：“是电脑重要还是手绘重要？”这个问题不难回答，让我们想一想：伟大的设计作品常常诞生于纸上留下的铅笔痕迹，这个痕迹不仅仅是对构思的记录，而且也进一步影响到设计的形式逻辑和设计推理的进行和发展。

手绘表现可以划分为两个部分：传统手绘和现代手绘。“传统手绘”讲究的是：准确、细致、全面、完整！ “现代手绘”讲求的是：精炼、简洁、快速、生动！ “现代手绘”必须以“传统手绘”做基础，那是我们起跑和腾飞的基石，万丈高楼平地起。

一、手绘表现的意义

设计为人服务，而手绘因设计而体现其价值。从某种意义上说，设计使手绘富有深度与内涵，让它不仅仅只停留在表面的技法上，而是作为一种表现设计思想的手段，它是一名优秀设计师必备能力之一。它具有创造力、表现力，能把一闪而过的的灵感，马上跃然纸上。

手绘表现是衡量设计师综合素质的重要指标。对设计师来说，手绘是设计师表达情感、表达设计理念、表述方案结果的最直接的“视觉语言”。这种“视觉语言”贯穿于整个方案设计阶段，在设计开始时，设计师采用快捷的草图和图解语言表达设计概念，随着设计的深入，设计师进行方案的对比优选、空间形象构思都需要把设计过程记录于纸面。也正是这种“视觉语言”成为了设计师之间相互交流和合作的基础。设计师徒手表达时的简明扼要及生动、灵活的手法是电脑所无法替代的，手绘表现与飞快发展的电脑技术相得益彰，一起为时代的设计增添光彩。

二、传统手绘表现技法的分类及艺术特点

1、钢笔表现技法：钢笔线条流畅、生动，富有节奏感和韵律感。线条具有感彩，如直线――刚硬，曲线――柔美，快速线――生动，慢速线――稳重。钢笔线条通过粗细，长短，曲直，疏密等排列组合，可体现不同的质感。线条的轻，重，缓，急，笔触的提，按，顿，挫能产生不同的艺术效果，运用点，线，面的结合表现出丰富的空间变化。（图一、二）

2、水粉表现技法：水粉色彩饱和、浑厚，表现力强，明暗层次丰富，且能层层覆盖，便于修改，能深入地塑造空间形象，逼真地表现对象，获得理想的画面效果。一般先画深色，后画浅色，大面积宜薄画，局部细节可厚涂，暗面尽量少加或不加白色，亮面和灰色面可适当增加白色的分量，以增加色彩的覆盖能力，丰富画面的色彩层次；水粉颜色调配的次数不要太多，否则色彩会变灰、变脏，颜色失去倾向。水粉颜色干湿差异大，要注意体会，总结经验。（图三）

3、水彩表现技法：水彩具有透明性好，色彩淡雅细腻，色调明快的特点。水彩技法着色一般有浅到深，亮部和高光需预先留出，绘制时要注意笔端含水量的控制。笔触是丰富画面的关键，运用提，按，拖，扫，摆，点等多种手法，可使画面笔触效果趣味横生。要充分发挥水彩透明、淡雅的特点，使画面润泽而有生气。水彩画在作图过程中必须注意控制好物体的边界线，不能让颜色出界，以免影响形体结构。（图四）

4、透明水色表现技法：透明水色适合大面积着色，显色性强与水彩，色彩也更加明亮但不易修改。留白的地方先计划好，始终保持画面的清洁。色彩重叠的次数不要过多，否则色彩将失去透明感和润泽感而变得模糊不清。渲染是透明水色表现的基本技法，包括平涂法、叠加法、退晕法。

5、马克笔表现技法：马克笔通常在钢笔线条基础上，进一步着色，适合用于设计快速表现。马克笔色彩透明，通过笔触间的叠加可产生丰富的色彩变化，着色顺序先浅后深，力求简便，用笔帅气，力度较大，笔触明显，线条刚直，讲究留白，注重用笔的次序性，切忌用笔琐碎、零乱。

6、彩色铅笔表现技法：彩色铅笔色彩丰富，表现手段简洁，效果细腻、柔和，其特有的笔触，用笔轻快，线条感强，可徒手绘制，也有靠尺排线。彩铅分为水溶性与蜡质两种，水溶性彩铅具有溶于水的特点，与水混合具有浸润感，也可用手指擦抹出柔和的效果。基础技法有平涂排线法、叠彩法、水溶退晕法。彩色铅笔不宜大面积单色使用,否则画面会显得呆板，平淡。（图五）

7、喷绘表现技法：喷绘是利用空气压缩机把调制好的颜料喷到画面上的作画方法，具有明暗过渡柔和，色彩颗粒细腻，光线处理变化微妙，材质表现生动逼真等特点。通常需要配合遮挡膜作图，其使用方法是把遮挡膜贴在需要遮挡的部位，用刻刀按图形轻轻滑过，用力不可太重，刻透膜即可。正负膜都要保存好，要喷绘的地方揭开遮挡膜对其喷色，每喷完一处就要将遮挡膜重新盖好，再依次喷绘其他部分。（图六）

9、综合表现技法：在实际绘制过程中，往往运用多种工具配合使用，如彩色铅笔与钢笔线条结合、透明水色与水粉结合等。同时使用多种表现形式，各种技法扬长避短以达到最佳效果。

三、现代手绘表现技法的特点

现代手绘表现技法更加注重快速表达。训练构思、创意和思维的敏锐性，不过分追求透视的精确、细部的严谨和场景的真实。徒手画，是快速表现的简捷方法，亦是构思和概念表达的有效方法。运用线的不同形态、不同排列来组织成一生动的、有节奏的、充满灵气的快速表现图。能锻炼设计师敏锐观察事物塑造形体和准确表达事物的能力。它能够快速纪录设计师头脑中灵感的火花，而设计的灵感部分又是依赖于平常所积累的丰富知识。快速表现有助于设计师深入分析和思考，推敲设计，作出更完美的方案，开拓了设计师的想象力与创造力。

手绘与电脑相结合是现代手绘表现技法的另一特点，可将电脑输出的线框图纸用手绘填充颜色, 同样也可以将手绘的线稿输入电脑( 常用photoshop) 中, 有时可借助电脑手绘数位板工具来进行色彩、纹理绘制和后期处理。

四、学习方法建议

手绘表现技法课程作为环境艺术设计专业的基础课程，旨在使学生掌握各种手绘表现图的技法原理知识，培养学生较强手绘表现图能力，并能够利用手绘来表达自己的设计意图。学习过程中应注意：

1、从掌握基本透视规律开始，理解三大透视的原理和基本绘制方法。

2、改变传统的临摹训练方式，在临摹训练的环节中改变临摹作品原有的视角，建立新的观测点来临摹，在原有画面中看不见的角度可以加入一些自己的创意，改变家具原有的布置和格局，甚至是风格，从而调动主观能动性，建立起设计表现的空间概念。

3、写生与默写相结合，写生是检验个人所学美术知识的基本实践方法,多去实践可以为自己的表现技法打下坚实的基础。注意整体关系上的把握，如明暗、主次等关系，不要被细节所左右。特别是快速表现的时候，作图时也不要太过拘谨。默写可以增强个人记忆和对物体形体结构的理解，是一种很有必要的训练手段。平时多画多练多记，这对现场用手绘跟客户沟通很有帮助。

学习过程中，有意识提高自身的艺术修养，正所谓“功夫在诗外”，学习了解其他艺术的表现形式，不断追求形式美感的表现技法，厚积薄发，内外兼修。正所谓罗马不是一天建成的，我们的手绘学习亦是如此，这需要我们在学习过程中不断积累与创新。

参考文献

篇（9）

水彩画之所以受到我国广大人民的喜爱，是因为其与我国有悠久发展历史的水墨画极为相似。大多数人愿意将水彩画比作富有魅力的轻音乐，其所展现的旋律优美、独特的水色，能够生动的表达出画家对于大自然的那种激情。水彩画独特的美感体现与水色交融挥洒淋漓的艺术语言，具有淳朴、清新的韵味，给人以洒脱感。

水彩画描绘景物的形式是基于水与色的变化，其艺术形象的表达是通过线条的变化以及各部分色块明暗关系构成，水彩画借助于水和色的配比来表达其明暗层次。水的比例较高，则某种颜色就会淡，但同样其亮度就会高些；相反，水的比例较少，则说明亮度较低，水彩画所表现的就是水色交融、流动所产生复杂变化的艺术美感。既然谈到了水与颜色之间存在的复杂的色彩变化，这里也需要简单谈一下作画时画板的放置方法。进行水彩画制作时，画板或是平放、或是倾斜放置需要根据画面的需求。比如对于水彩画种一些细小局部的处理，就需要将画板平放再桌面上，再对天空以及远山等静止画面时，可将画板与桌面成角度放置，或者也可以倒放。为使某种颜色再画幅的局部进行流动，则可根据颜色扩散需求进行倾斜画板。

一、由远到近、分部进行

对于描绘风景的水彩画来说，其手法多是由远到近，由浅到深、由虚到实的渲染、描绘。这样便很容易色彩的明暗关系。色阶的衔接也会变得更加自然柔和，十分适合初学者。但是，这种方法也要注意掌握前后的时间差，不能过大，否则色调和明暗难以统一，容易导致画面失调，特别是对于早晚的景色，需要提前确定明与暗的对比度以及位置。分部进行法，虽然可以分部完成，但再作画时，同样需要具备整体概念，不能够将局部拿出来狠抠，尽量的要注重把控“时光色彩”的差距，增强色彩记忆，让水彩画更为完美。

二、由近及远、层次推移法

对于一些瞬时的景色，如遇见早晚橙红色的阳光挥洒再险峻的绝壁上，面对这种神秘而绝妙的色彩与构图当然要及时抓住，为了能够定格这种稍瞬即逝的景象，首先就需要确定好光感色彩在景物上的位置、对比强度以及冷暖关系，在对形体进行调整，再从中景到远景、天空，采用反推移的作画手段。可以看出这是一种速写的画法，其要求绘画者需要掌握一定的绘画基础才能完成。但这种或其他随心所欲的方法，对一些瞬间镜头的把握，是很有必要的，如果按照正常的绘画步骤，那种瞬间的自然奇观早已消失不现。

三、全面铺开、统筹兼顾

这种画法，要先注重整幅画的“共性”，在对具体的形象进行描绘，这种画法需要较强的工地，作画者需要具有较强的整体观念和预见能力；在外人看来，这种画画法零落。但逻辑性最强、也最科学。所谓先求“共性”，也就是需要对所需要描绘景物的基本调子进行掌握，即先用浅色对受光面的最亮部分进行铺出，留出高光，然后在根据画面调子的倾向，由亮到暗，即由高光、亮部、次亮部、次暗部、暗部、最暗发展，色彩的变化也是遵循这样一个规律，最终取得统一，从而表现出协调且有节奏的色彩、明暗关系。这样大体的画面就完成了，这是一种比较有层次的画法。

四、水彩画的发展历史

广义上的水彩画可追溯到公元前战国时期，也就是说这种绘画形式很早就在中国出现。但当时并不称其为水彩画。狭义上来说，水彩画在中国的传承与发展可追溯到13世纪初，意大利旅行家马可波罗，将水彩画带入中国。但是直到18世纪初，意大利画家郎世宁，到达中国北京，它使用水彩工具作画，在其中也借鉴了一些优秀的中国水墨技法，促使中西绘画技法得到了统一融合。

我国对于水彩画的学习和发展，是从1900年维新变法之后，随着“废科举、兴学校”，我国相继仿照西方创造了一些艺术类学校如1912年创办的上海国画美术院（上海美专的前身），1918年北京大学成立的艺术学院（后改为北平艺专）、1920年成立的武昌美术学校、1922年成立的苏州美术专科学校等，当时所建立的这些艺术类学校，在绘画课程中都设置了水彩画的教学。迄今为止，我国对于水彩画的研究已有近百年。

篇（10）

中图分类号：G71 文献标识码：A 文章编号：1674-098X（2013）5（a）-0159-01

经过多年从事中等美术教学，体会到，上好色彩课难度比较大。其原因，学生入学前，普遍没有系统或完全没有进行过色彩训练，加之入学后又没有切合实际的色彩教材，教师只有凭借自己以往的经验和传统的水彩、水粉授课模式，进行教学，使本来基础欠佳的学生更加束手无策，胡乱涂抹，使课程缺乏系统性或学生领会的慢，进步幅度不明显等一些现象。总结经验，得出的结论是：中等美术专业的色彩课，应该分为三步训练过程。

第一步，铅笔淡彩训练，是解决素描过度到色彩绘画的关键环节。

中等美术专业学生的专业基础，相对而言，素描要好于色彩。一般情况下，他们先接触的是素描。在素描课具备一定程度之后，方可接触色彩绘画练习。在接触色彩之前，如何能把素描融入色彩造型之中，是至关重要的问题。因为在色彩造型方面，不仅要有准确的色彩语言，即色彩关系、笔触运用和绘画技巧，同时，还应该具备完美的造型空间。有时，学生难于把两者融为一体，往往只注意造型而忽略了色彩关系，或者只注意到色彩变化而忘记了素描关系，使画面缺少立体感和色彩变化，使学生专业停滞不前，摸不到头绪。铅笔淡彩画，恰恰解决了这个问题。首先，用铅笔来画简易的素描关系，使其在画面中起着骨架突出空间的作用。其次，淡彩则帮助学生了解着色时如何处理好用水、用色等符合与适应物体形的关系。在铅笔运用上，主要用大轮廓、大结构的处理方法，笔法排列近似于素描写生，笔触要均匀，空隙间漏有纸地，使物体有完整的空间感，为下一步上色做好铺垫，减少学生开始接触色彩容易忽略素描关系的共性问题。在着色时，由于限制要把铅笔线条透出来，所以淡彩水分就要饱和，颜色要透明。力求要有变化并产生微妙之感，使画面即看到素描又有色彩变化。这样才能促进学生对颜色千变万化的自然感受和对色彩实践的了解与掌握。如果淡彩的水分过多，会导致水渍横流而减少颜色的相对纯度。水分过少，则色彩衔接生硬，把素描笔触盖掉而透不出铅笔笔触，画面就会干涩。所以，在作画时，一是铅笔的素描关系要准确不能拖泥带水；二是水分与颜色的调配关系要恰到好处。初学者在作画过程中，对每一笔铅笔淡彩线条和每一笔颜色与水的调配，要心中有数。只有多练习、多实践、多积累，才能把握好，进步快。

第二步，单色画的训练，是解决用笔造型和过度到色彩造型的核心。

如果铅笔淡彩是借助素描画色彩，那么，单色画就是借助色彩画素描。单色画虽然看上去是单一的颜色，但是从用笔与时间掌握上，它以含水的笔触代替了铅笔在画面中起突出空间的作用。单色画在写生中要求单颜色的干湿运用，要讲究笔触覆盖方法，以及近似颜色调配结合和反馈主体空间的造型用色等，都是解决好单色画的关键。从用笔这一问题来看，有待于用单色水彩或水粉颜料解决，一是湿画法；一是干画法。虽然用纯水彩绘画也可以训练笔触，但学生容易犯只重视色彩，而忽略了用笔，也会忽略素描与色彩之间的关系。因为素描是色彩的前提基础。让学生认清单色画与素描画区别和联系的同时，首先应该懂得两者之间的共同之处是单色画。次之材料不同，更重要的是两者有本质的区别。因为水彩画需要毛笔、水、以及时间等方面的约束与应用，而素描或淡彩中的素描，没有条件约束或被约束的较少。在单色绘画练习时，多采用灰性较强的颜色，如：熟赫、赭石等，也可用两种颜色调出若干个中间色作画。那些刺激视觉神经较强的颜色如：朱红、柠檬黄等，不适合使用。单色画法主要以单色的浓淡、深浅、近实远虚等来表现物体色彩的立体空间。用笔以勾描、点擦及纵横涂刷的效果。关键一点，必须要与水分运用密切结合。笔头含水量的多寡，会产生不同的颜色变化及笔触效果，这一点非常重要。如水分较少，移笔轻急，会显现白点闪烁的飞白效果。而水分多，则出现清澈透明之感。前者可用于画石头、树木，质感较硬、不光泽的物体。后者笔法可用于天空及光滑物体等。“形随笔立”、“下笔有凸凹之形”。即运笔之大小、快慢、轻重要适应对象的体面结构和空间变化，以及质感等条件，抓住关键，力避琐杂，更要避免特意玩弄笔触。