插画课程总结汇总十篇

序论：好文章的创作是一个不断探索和完善的过程，我们为您推荐十篇插画课程总结范例，希望它们能助您一臂之力，提升您的阅读品质，带来更深刻的阅读感受。

篇（1）

随着人们生活节奏的加快，社会进入了一个快餐文化和读图时代，观众更注重文化形式的愉悦性、感受性和消费性。当审美背离了传统，也就失去了审美的判断力，最终人们的审美鉴赏能力都有所下降，过去所提倡的“静观心境”和“审美回味”的概念变得不知所踪。这可能是现代社会80后、90后身上普遍存在的问题，而这些人是现代插画教学的主要受众群体。

人们生活节奏加快，社会和科技的发展还会造成数字化技术的泛滥。目前市场上的插画由于数字化技术的运用造成视觉效果相近，让人产生审美疲劳，觉得没有什么内在生命力。与市场流行相匹配的，现在的插画课程产生了数字化的倾向，教师的重点倾向于使用数位板绘制，也因此忽略了对学生绘画基础能力的培养，学生在实践环节松懈了造型能力的训练。殊不知计算机软件的应用，应该首先有相当的造型基础和实践能力。另一方面，学生过多地探索数字技术，熟练地掌握了各种软件，创作出很炫目而且似乎很专业的作品，但是细看就会发现这样的作品没有什么内涵，不是从创意本身去构思的，昭示出学生创作能力的薄弱。

最后，由于设计教育领域对案例化教学方法的推崇，这种方法深得老师和学生的青睐。教师结合自己的能力特长设定几个课题，之后在教学中引入自己创作过程的案例，再依葫芦画瓢，让学生用自己总结的创作过程完成规定的课题。但是这样做并没有考虑到那些思维特殊的同学，教师要想达到实践指导个性化的目的，需要不断更新教学内容，引导学生发挥个人的特点，因材施教。

为了解决这些问题，我依照《插画设计》课程的内容学时，安排了一系列的实施方案。

2 插画风格与载体的学习与实施方案

鉴于插画作品大量涌现且鱼龙混杂，大众审美水平日渐下降的问题，我注入了研究性教学的方法。课程伊始，通过学生讲述《一位插画师》，让他们了解自己所关注的艺术家的生平、作品内容和风格，这样的互动可以收到很多意想不到的效果。不但提高了学生的审美水平，也增强了他们的学习主动性和积极性。部分同学找到了自己的奋斗目标，通过模仿插画师的作品，糅合出自己的绘画风格。作为教师也可以开拓自己的视野，培养不同的审美经验，可以适当调整、添加自己的绘画内容和题材，赢得更多的观众。这些觉悟很难通过个人的学习获得。这就是教学相长的体现。

这个阶段的第二项内容：调研插画市场。与中国插画地位相比较，国外社会对插画的需求量很大，插画教育也紧密结合市场需求。鉴于这些原因，我在稍后的课上设定了这样一个环节：调研考察市场上的插画，分析这些插画是如何传递信息的，是否内涵深刻、生动形象？这个环节安排学生走进市场以及大型展览会，具体调研插画在平面设计领域的应用情况。同时还要借助网络和文献资料，搜集当地插画设计作品，重点对当地运作、经营较成功的品牌应用插画宣传的情况进行分析，并概括和总结，为研究商业插画提供方法依据。对于当地插画的调研可以说是把学生从理想拉回到现实，插画创作需要与实际生活接轨，在学习插画技法之前先要分析插画的传播媒介和风格特征，就不会使我们的学习变成高屋建瓴，创作出来的插画可以更好地适应市场以及服务地方。

3 手绘在插画教学中的实施方案和具体运用

针对学生绘画基础能力有所下降的情况，我在插画课的教学中强调手绘插画的环节。在插画学习中，我们知道作品的表现并不是只靠数字技术才能完成的，应该尝试各种材料工具所带来的体验。各种工具都有他们的语言特征和文化意味，在学习的时候要有选择性的挑选一些特色比较强的材料，逐渐积累起这些工具材料的知识以及绘画和审美经验。手绘插画在平面设计中占有一席之地，很多设计都是以插画作为表现重点的，这也符合了工业时代的人们追求清新和自然生活的心理，能够瞬间让空间变得灵动活跃起来。通过手绘插画的学习可以提高个人的综合能力，同时丰富和补充数字插画设计的同质化倾向。

3.1 手绘在插画教学中的实施方案

手绘是一种个性化艺术手段，它的表现手法是多样的。对于有一定手绘功底的同学来说，要做出一张符合设计主题的、具有创造性的插画作品，并不是很难的事，需要通过大量的草图来实现对创意的准确表达，但是很难在短期练成。在手绘教学这个环节我主要强调写实画（素描，淡彩以及水粉厚画法）和工笔画；在题材上涉及古代人物画、时尚插画、动物画等。绘制的时候根据不同主题和要求，采用不同的表现手法。例如，古代人物表现以线描为主；时尚人物表现以速写为主，涂色以淡彩或平涂为主；儿童人物可用各种不同的工具表现。

在手绘技法学习开始的环节，强调写实人物的画法，对日常生活中人物的比例和动态进行讲解。在课上安排学生临摹人物速写。课下学生需要以日常的某个活动为主题，创作短篇插画（如四格漫画）。过程强调人物造型的准确性。不正确的造型和场景让学生反复修改、调整。因为主题是日常活动，学生就可以根据身边随手可得的资料去大量的实践和筛选最佳方案。注意这个最初阶段一定要把关，确保学生的方案筛选有效，并且规定绝对不可以用卡通人物画的画法表现既定主题。

稍后的课程对其他题材（古代仕女、时尚女性）人物的比例和动态进行讲解。安排学生临摹人物工笔画，使其掌握人物造型和比例以及绘制步骤。学生对线条的运用有了一些提高，有些同学会在课下做很多线描的训练。在历史题材的插画创作中，为了帮助学生建立比较清晰的认知，采用案例化教学方法。通过讲解自己的获奖插画《贤妻当进兰雪祠》的构思及设计过程，以亲身体验加深学生的理解，增强他们的信心。同样，在时尚插画的讲解和学习中也导入案例化教学方法。以上教学案例都是针对插画课程专门设计制作的。通过这个环节，学生可以在人物插画上面达到比较高的认识水平和塑造能力。

3.2 手绘在插画教学中的具体运用

在学生较好地掌握了人物的画法之后，还要让他们认识到材料、工具的选用只是表面的形式，插画应该更看重内容和创意。在这个环节，让他们根据某部文学作品自己创作插画。这个项目在课程之初就开始铺垫，让他们先读一遍自己准备进行插画创作的小说。学生要公开演说两次：第一次，创作之前文案的设计，需要分析人物或角色所处的时代以及人物个性，并选定出所要表现的小说场景。这个过程可以帮助作者更好地梳理文学作品的内涵。第二次，最后的实践展示以及评价，班级同学可以各抒己见。通过实践展示以及评价，学生之间以及学生与老师之间都会产生互动，课程的参与者对很多问题都有了新发现，对那些枯燥的理论也会有更深刻的认识。例如，人物造型、动态和道具是否符合人物性格，场景与人物的结合是否自然、协调，是否能更好地烘托人物个性和人生轨迹？这个环节是最能检验学生综合素养和设计能力的，在整个过程中要对他们多关心多引导，让设计项目成为提高学生实践水平的有效途径。

除了以上这些和插画课程直接有关联的实施方案以外，还要考虑特殊的思维方法，通过一些非常规的创意，可以获得非常有趣的效果。在下面这个环节主要采用其他专业教学思路来拓展插画的表现手法。

4 其他补充性的教学环节

在其他补充性的教学环节中，选择一些非常规的绘画表现手段，并通过载体传递信息，可以达到提升产品艺术感和价值，增加设计构思创意的效果。

环节一：依照版画的原理，用玻璃板或防水材料板拓印，表现写意或抽象感图形。学生利用拓印手段，结合构成规则，做出随意的图形，再将得到的图形进行数字化处理，进一步培养创新能力。安排这个环节是要通过这样的练习培养他们有自己筛选、思考的意识，让设计变得形式多样。这个阶段的最后可以尝试将做出来的效果应用在某个载体上（如海报设计或字体设计），或者可以作为插画的背景。构思这个环节有两个灵感来源：其一是在笔者求学时期曾有教授在素描课上安排学生做拓印的练习。其二是依照国外学校的做法。美国学校的插画专业有一门课《高级素描课程》，在这个课上可以到别的专业去学习一些课程。例如，版画、雕塑等，这样可以跨专业学习到丰富的艺术表现技能，充分利用了教学资源。

环节二：在插画课上利用插画的运用领域――T恤这个载体作为教学实践的载体，根据衣服的款式风格确定自己的插画主题。方法是在T恤上先手绘图形，再用各种材料进行绣、绘或缝，完成服装图案设计。这种作业形式给人很强的亲和力，学生选择用各种材料制作（布、线绳、扣子、丝带等）。用实物制作的插画让平淡无奇的画面变得非常有吸引力，增加了插画的趣味性。在未来，多样化、手工制作感的插画将成为以后商业插画发展的新趋势。

篇（2）

如果引导学生了解市场，作为教师一定要首先了解市场，当前的插画种类有多少？什么插画占据市场主体？当前的插画稿酬标准如何？如何进行制作？这些问题都应该得到真实的一些信息。作为视觉传达的教师如果不是从事插画教授出身的，可以通过市场调研得到上诉问题的准确数据，然后再运用到教学工作中来，进行讲解。如果从事过插画创作的教师，或者是兼任一些平台插画师身份的教师就更容易得到这些问题的答案了。笔者在做大学教师的同时，是兼任一些杂志和一些图书出版公司插画师身份的，笔者在2003年开始就在各个杂志上进行插画创作，曾经给将近十个杂志做过插画师。这些杂志有《故事家》、《科幻世界》、《teammagazine》、《新武侠》、《一汽榜样》等。出版的成套图书有《七彩虹系列——左右脑开发乐园》、《弟子规》、《成语接龙》等。目前正在制作的有《龙游四书》、《封神游》等漫画制作。因此，笔者的市场分析可以说是比较客观合理的。当前的插画主要分成低幼插画、儿童插画、游戏插画与商业插画几种类型，漫画并不属于插画的范畴。当前的市场应用最多的是低幼插画与商业插画。那么具体如何定义这些种类呢？低幼插画就是服务于1岁到3岁之间的小朋友相关图书书籍的插画；儿童插画就是服务于4岁到12岁左右的受众群体图书书籍的插画；游戏插画就是服务于游戏制作方面的插画；商业插画就是服务于企事业方面需求的插画。这里面稿酬的多少不等，以低幼插画的稿酬最低，以游戏插画的稿酬最高。低幼插画由于质量要求比较低，因此，出道的门槛也比较低，目前所从事低幼插画的从业人员基本上以中专毕业为主。稿费有计件和基本工资加计件两种形式，稿费的标志是简单的低幼插画以10元起价，最高的质量不超过500元。低幼插画中间的价位是比较稳定的，黑白基本上是维持在30-50之间一p，彩色的从100-300不等，当然稍微再高的也有一些，不过非常少。低幼插画图书一般的定价从10元一本到几十元一本不等，销售情况非常乐观，究其原因是，在没有上幼儿园和学前班之前，插画图书是一种可以增强幼儿学习的主要手段，所以绘画的质量比较精美的低幼图书会很快的进行多次再版印刷。游戏类的插画是当前稿酬最高的一块，国外的《万智牌》制作，成本高达几万元人民币一张，退居其次的是日本的赛璐璐风格的插画，日本的卡牌制作稿费也是最少上千元制作成本。

二、教授插画的分类表现技巧

当前的几个种类的插画表现技巧，其中以低幼插画的表现技巧最为容易，以游戏插画表现技巧最为有难度。这些表现技巧的最根本核心还是绘画中的“造型”，刚开始学习的学子可以参考法国的一些插画素材，因为法国的插画比较讲究造型的归纳，而日本和美国的个性化特征过于明显，从法国的插画入手后，可以逐步的来分解其它国家一些插画师的作品，最后走出自己的面貌。插画目前所应用的数码软件也非常多，我们现在一般都从手绘转到了数码绘制的领域，因为数码绘制有手绘不能达到的优势，一是适合出版，有分辨率的设定，二是命令的设定方面，一个退步就能把画错的部分回复到正常的页面，加强了作者在绘画中的成稿完成几率。当前我们经常用的几个软件有photoshop、sai、comicstudio、opencavans、painter等。手绘板选用方面，国内的品牌有汉王、友基等、国外品牌有wacom等。运用手绘板进行绘制，基本有以下几个步骤：绘制草图。进行勾线绘制。进行上色绘制。后期处理。经过以上的制作基本一张作品就可以完成了。引导学生独立创作符合当前市场主题的插画作品，并进行分别的指导和比较分析，在可能的情况下，分享实现价值的平台给学生，让他们在实战中得到真正的成长。学生必将创作出让人感动的作品，对于受众群体付出一定心血的任何艺术作品都能使受众或多或少的进入沉浸状态。当学生对市场于插画的步骤足够了解后，可以让学生进行专题性的绘制，可以根据一些网络平台提供的竞标方式作为主题，让学生进行创作。现在很多威客平台经常的进行征集作品的任务，这些威客平台是学生崭露头角的好场所，可以让他们进行注册，并以竞标的形式进行接单。如果没有中标，他们可以从中标作品中得到学习，如果中标，他们可以通过自己的努力实现个人价值。笔者在推动教学开展的过程中，引导学生进行了多次的竞标活动，学生们在认真的准备后也真正的尝到了甜头，引发了更浓厚的学习兴趣。这种方式，可以作为辅助教学的手段，在正常讲课的过程中引入进来，这种方式必将引起教学的新变革，促进学院插画设计课良性的进行。让学生在插画实现手段方面多运用数码手段也是重要的前提。计算机数码绘画艺术的特点和优势在绘画领域,计算机是先进的绘画工具,不但展示便捷,图像生动,效果逼真,而且具有方便的修改功能。数码交互艺术是一门随着计算机技术的发展而兴起的艺术形式，因其年轻，在艺术领域中尚不算主流甚至被视为异类。但在计算机成为应用最为广泛工具的社会大背景之下，数码交互艺术正以其蓬勃发展的姿态成为艺术及公共展示的最重要的形式之一。其无疑将会成为最引人注目和最为公众接受的艺术形式。

篇（3）

“插画设计”中的“设计”二字表明，与“插画专业”不同，在平面设计专业领域中的“插画设计”专业课，其本质是将“插画”定义为一门设计课程，而非纯造型艺术专业课程。无论设计还是纯艺术，笔者认为，对于有一定造型能力基础的二年级设计专业本科生而言，创作观念的培植是第一要务。

在笔者的教学实践中，将课程中的创作观念培养分为两个阶段。第一阶段为感性“开眼”阶段，即关于审美的日常观察，这一阶段主要目的为开阔学生眼界，培养审美能力。第二阶段为理性思考阶段，即基于插画史料整理后的思考，本阶段主要目的为树立学生设计史观，为深入创作打下理论基础。

（一）关于审美的日常观察

“开眼”一词源自古汉语，早在杜甫的诗词与佛经中均有表述，当代的主要语义为增长见识，开阔眼界。鉴于插画本身即为跨界、跨学科的视觉艺术设计领域，因此“插画设计”教学中的第一阶段“开眼”尤为重要。插画涉及的其他学科门类极为广泛，动物学、植物学、人物造型、风景写生、日常静物、商务行为、机械设计、科技、传统艺术等几乎无所不包。在互联网时代，获取信息的方式有革命性的突破，信息获取的问题不在于资料太少，而在于资料太多，如何从众多信息中挖掘对本课程有意义的信息是开眼阶段的重点问题。有鉴于此，此阶段笔者将“开眼”的呈现内容按照时间脉络纵向分为三个阶段：古典、现代、当代。插画分类则按照各种学科领域进行横向比较，从而分析各类型插画的特点（图1）。“功夫在诗外”，单纯的技能培训无法拓展学生的发散性思维，“多看”是“开眼”阶段的必修课。

“开眼”阶段的信息获取主要源于三种渠道：一是专业艺术书籍和设计资料――专业性书店、图书馆、互联网专业设计论坛；二是对周边相关学科的感性认知――此阶段的呈现内容不仅局限于插画本身，传统艺术、当代艺术、电影、摄影、动画、游戏、音乐等领域均有所涉及（图2）；三是社会观察――创意园区、专业展览、商业圈现场考察、文化场所现场考察。这三个阶段综合起来笔者将其总结为关于审美的日常观察。第一种渠道有益于加强学生的视野纵深，了解专业高度；第二种渠道有助于拓展学生的视野宽度，了解插画在整个设计创意产业链中所处的位置和能解决的问题；第三种渠道则属于综合能力的提升，强化学生成为优秀设计师必备的基本素质――好奇心和记录能力，培养学生现场观察的意识和能力。

（二）史料基本框架解读

由于教学体制改革滞后于市场需求，设计专业课时数不足等各类原因，国内的设计专业教学在教学操作层面往往只注重专业能力的培养，容易忽视对学生设计史观的培养，即使有设计史或艺术史课程，也往往游离于设计专业课之外，无法与设计实践学科并行，变成背诵设计史料的枯燥课程，从而造成很大一部分设计专业学生专业能力突出，文化素养不高，匠气十足，难以持久。对于设计师而言，具备一定的设计史观无疑对日后的创作非常有益。设计史庞大繁复，即使插画史作为设计史的一个组成部分，也不可能在规定课时内面面俱到、全部讲授。所以在授课过程中以主要呈现插画史和视觉艺术史上的关键节点为主，以典型事例和典型人物作为核心发散点，以点带面，概述性地解说使学生对插画史有较为全面和立体的理解，并且引发学生对设计史和艺术史的思考。笔者将这种授课方式称为史料基本框架解读，最主要的目的就是建立起学生的设计史观，培养学生的思考意识。使学生理解设计现象背后的社会需求和社会动因。这种史料解读从头至尾贯穿于整个课程始终，在4―5周单元制授课的前提下，每一周与插画设计实践相结合，联系本周的课程作业，对照比较式地抽出专门的课时进行分析讲解。

史料基本框架主要包含两个部分：概念定义部分和插画历史解读。概念定义属于规定动作，必须掌握的理论部分，目的是培养学生的抽象概括能力和宏观意识。笔者发现，往往很多高年级的设计专业学生也缺乏对设计概念的最基本理解，这样的学生日后只能成为“设计软件操作工”，无法成为有创造力的设计师。概念是逻辑思维最基本的单元和形式，也是设计实践的起点。插画历史解读前文有所表述（图3），主要目的是引发学生对关键历史阶段中设计现象背后的社会历史背景、科技条件、作者的创作动机、创作观念、创作技巧等一系列问题主动性的思考，并从中借鉴成功经验。

二、感性与理性并重一可控的想象力

对插画设计师而言，掌握传统的手绘造型能力是基础能力，掌握数字技术条件下的各类插画绘制软件是延伸能力。对于这两种能力的掌握是对一个现代插画设计师的职业要求。当基础的造型能力和技术能力形成后，插画设计师将要面对的就是更复杂的两大问题：

一是题材和内容之间的关系问题――视觉信息传达；二是绘画和表现之间的关系问题――研究具有创造性的表现手法。

设计学科属于艺术与科学的交集，因此设计师兼具艺术家的感性表达能力和科学家的理性分析能力。设计初学者往往将主观创作冲动与客户实际需求两者混淆，在创作过程中，主观经验判断大于客观条件要求，从而造成偏离实际市场需求。在插画设计领域，同样存在这种状况，要解决上述两个问题则涉及到设计师的核心能力――想象力。想象力是创作的源泉，但想象力并不完全等同于异想天开乃至胡思乱想，在插画设计领域，真正能够解决问题的想象力应该是建立在对于条件的认识基础上的――可控的想象力。可控性由理性分析（合理的工作流程）完成，想象力由感性认知（激发讨论的小组式管理）完成。

（一）有步骤的工作流程

在插画教学过程中，笔者发现学生中普遍存在的一个现象是：因为插画设计具备天然的艺术相关性，所以很多学生也将插画与纯艺术创作混淆起来，而忽略了插画最初的基本功能是为文字服务。从而将插画视为单纯的艺术表达，而不注重实际存在的客观条件。“凡事预则立，不预则废”，要想插画成果最终符合客户和市场需求，必须提前做足功课――制定合理的工作流程，合理的工作流程可以有效修正在创作中逻辑推导的正确性，从而提高工作效率。工作流程分为概念形成、前期准备、设计制作三个阶段，具体如下。

1.概念形成

（1）客户――了解客户需求，明确设计任务

（2）主题――确定绘制主题，思考表现风格

（3）观众――确定消费对象，分析受众心理

2.前期准备

（1）目标分析――分析描绘对象属性，确定表现手段

（2）时间表――准确制订时间节点，预留变量时间

（3）素材准备――搜集相关资料，确定表现工具

（4）草图绘制――绘制相对准确严谨的草图或示意图

（5）客户沟通――与客户确认风格模式，做出相应调整

3.设计制作

（1）正稿制作――按照既定计划绘制正稿

（2）成品完稿――深入加工，描绘细节

（3）作品提交――提交作品，客户交付设计费用

（二）激发讨论的小组式管理

插画设计的特性决定了一般的插画工作是由个人独立完成的。由于专业基础和文化基础的关系，大多数学生还不具备独立发展能力。学生也普遍存在不擅长表达和交流的问题。针对这种客观存在的现象，笔者采取小组式管理的教学模式，按照班级实际人数，将全体学生分成每组人数为5―7人的若干小组，一般一个班级为4组。每组推举组长一名，主要负责组织讨论和专业交流等工作，小组之间针对各组的插画设计选题和插画创作理念进行互相提问。小组除课堂学习交流功能外，还需在课外每周组织一次拓展性集体活动。分析和点评学生插画设计过程以及设计作品也是以组为单位。

小组式管理主要有两重目的，一是通过小组交流激发学生讨论的热情，激发学生的想象力；二是锻炼学生的判断能力和表达能力。除上述两个主要目的外，还可以强化小组的凝聚力、组员的合作力以及组长的组织能力，有益于整个班级学术氛围的培养。在小组讨论中主要采取“头脑风暴法”，此方法是“现代创造学”奠基人美国人奥斯本（AleX Faicknev Osbom）提出的培养创造能力的集体训练法，已在世界范围内广泛应用，相关著作颇丰，不再赘言；在组与组之间的横向互动提问上采取国际通用的5w1H分析法。具体如下：

WHEN？（时间）――在什么时间内完成工作？

WHERE7（地点）――在什么地点以什么样的载体进行信息传达？

WH07（人物）――为谁传达信息？信息传达给谁看？

WHAT？（内容）――要传达的信息是什么？信息涉及的内容和主题是什么？

WHY？（原因）――为什么这样传达？

通过这5个问题，使提问者有理可依，被提问者则必须反思自身设计提案和创意的不足，有益于学生自己发现问题并寻找到解决办法。

三、插画技能训练――有针对性的选择

“插画”由两个字组成，其中“插”是定语，意味着功能性，“画”是主语，意味着绘画的各种表现方式，就这个概念而言，插画中的许多表现方法与造型艺术有着千丝万缕的联系和交集。其根本还是脱离不了一个“画”字，也就是造型能力。插画涉及到的造型技能门类颇多，手绘造型能力是基础，绘图软件的应用能力是也是必备，造型艺术涉及的技法则更为广泛，因此在插画技能训练上必须做有针对性的选择。

（一）插画题材的解读

插画与纯艺术不同，插画有明确的表现题材和表达内容，插画大多数情况下不是自发的创作，而是基于某种社会原因被委托创作。优秀的插画可以富有创造性地把特殊的信息成功传达给指定的观众，插画题材一般认为有以下5个：信息、评论、讲故事、劝说、特性。以上5个方向也有可能以组合形式出现。这5种题材分别体现出不同的视觉表现特性。信息――准确客观；评论――主观加工；讲故事――艺术处理；劝说――平实真挚；特性――针对特点。理解这些插画题材上的分类以及表现特性才能有针对性地创造合乎逻辑和情理的优秀括画作品。

（二）技能训练符合专业特性

根据现代插画的专业特点，在教学过程中主要以单元式课程作业的形式来提升学生的插画造型能力。其中分为5个部分：（1）临摹训练（2）超级写实风格手绘板训练（3）矢量插画训练（4）自由表现训练（5）速写训练。

临摹阶段的作业为两张，一张黑白，一张彩色，要求临摹形式新颖以写实风格为主的作品。选定画稿临摹之前要求先调研作者的相关信息，如国别、性别、年龄、教育背景、创作动机、创作过程分析等。南齐谢赫《古画品录》中的国画“六法”中列传移模写一项，可见自古以来，临摹就是研究并借鉴前人成功作品的不二法则，其重要性不言而喻。在作业中要求从作者的绘制程序、作画材料和工具乃至创意构思作“复盘”式的推断再结合相关信息，使临摹的主要目标从单纯的造型能力强化延伸到对原作创意构思的深入理解。

超级写实主义（Hyperrealism）阶段有两个主要目标，一是训练学生对于手绘板的应用能力。“工欲善其事，必先利其器”，无论是从普及程度还是从制作便利性来讲，手绘板已经成为插画家的首选工具。教学中的实际情况是很多学生对于手绘板的熟练程度还不够，对于手绘板的应用掌握只有循序渐进，多用多练。二是运用手绘板描绘一张高度深入的作品，由于运用手绘板的数码插画可以不限次数地修改及其便捷的后期编辑能力，对于写实能力不足的学生来说，是一个深入作画的契机和有效方式。一般每一张作品的绝对描绘时间都在15小时以上。作品的题材从人物、动物、静物3种中选择2个类型。此阶段也鼓励学生用自己原创的摄影作品作为此阶段训练的绘画蓝本。

矢量（Vector）插画的制作基于矢量软件，在视觉传达设计专业领域，对矢量软件技术能力的应用与掌握是基本功，也是在技术层面本专业与其他设计专业的重要区分点。最主流的矢量软件是AI（1llustrator）和CD（Coreldraw），本阶段的教学目标分为2个部分，一是使学生熟悉并掌握矢量软件；二是使学生理解“功能决定形式”、“目的决定手段”的设计规律，矢量软件制作的插画有其特定的审美特征和应用领域，并不适合所有的插画设计领域，在主题选择与工具特性选择中寻找到合理的逻辑关系是本阶段训练的重点之一。本阶段的作业以商业题材或产品造型题材为主，这两类题材可以充分挖掘矢量软件的应用特性。

自由表现训练阶段则是完全由学生自由选题，属于综合能力的考评。从选题的创新度、难易度、文化深度到插画作品完成的整体性、技术性、想象力等方面对整个课程作全方位的回顾与总结。本阶段从选题到插画制作方式均由学生自己决定。本阶段考察学生的知识宽度、设计理解深度以及设计执行能力等。此阶段建议学生选择文化性强的插画主题。

速写训练分为人物、静物、景观、临摹、自由5部分进行持续性训练，主要目的是训练学生对于绘画工具材料的掌握以及观察能力和快速表现能力。

篇（4）

［中图分类号］G427 ［文献标识码］A ［文章编号］1009-5349（2011）08－0076－02>［摘要］插画是近几年很多同学喜欢的画种，具有一定的艺术价值和商业价值。作为一种新兴的画种，它大多时候需要电脑配合完成，需要一定的电脑绘画技巧和传统绘画基础，并需具有一定的时尚感，深得一批年轻人的喜爱。但在插画课教学中，总会遇到这样那样的问题，这些问题如果在教学过程中解决不当，就会对教学成果有一定的影响。比如我们在插画课教学中，应该充分考虑到电脑绘制技法与传统绘画基础并重的问题、场景与角色并重的问题、插画的艺术价值与商业价值并重的问题、理论讲解教学与现场演示教学并重的问题等。

>［关键词］电脑绘画 艺术价值 商业价值 角色 场景

>［中图分类号］G427 ［文献标识码］A ［文章编号］1009-5349（2011）08－0076－02

在很长一段历史时期里，插画被普遍认为是一种运用图形语言对文字所表达的思想内容做出解释的艺术形式，是为文字做的附图，是对文字进行的说明，即插画是文本的插图。[1]随着社会的发展，电脑及一些数字绘画工具的出现，插画的种类和用途变得更加广泛。在一些常见的应用领域，插画为了适应需求都有了进一步的发展，衍变出了书籍插画、杂志内页插画、绘本插画、游戏动漫插画、包装插画、网页插画、海报插画等多种插画形式。[2]插画不仅具有传统绘画的艺术价值，同样具有一定的商业价值，这使很多普通高校开设了插画课程。这里要说到的是CG写实插画，CG插画简单讲就是利用计算机中安装的绘图软件、用鼠标、手绘板、数位屏等设备创作出来的插画。今天我们一起来分享一下CG写实插画课教学中的一点经验。

一、插画绘制中电脑绘制技法与传统绘画基础并重

很多同学在第一次得知现在的很多插画都是用电脑来制作的，便以为用photoshop或者某个软件，运用一些技术手段，通过制作或者处理就可以创作出一张插画，其实不是这样的。插画的绘制在大多时候还是和传统绘画一样，需要一笔一笔地来绘制。这就需要跟同学们强调，插画的绘制需要电脑绘制技法与传统绘画基础并重，不要有投机的心理，要不然我们在开始绘制之初会大失所望，严重的会丧失学习兴趣。

现在的插画大多需要电脑来完成，会用到一定的高新科技，比如需要在电脑上连接数位板，需要用使到数字绘画软件比如photoshop等，这些都属于电脑绘画技法方面的问题。插画绘制会比传统绘画更为方便，比如我们可以不使用纸张直接用数位板在电脑里起稿绘制，节省了准备纸张颜料画架等等画具，绘制和修改起来也比传统绘画更加方便，我们可以使用软件的标尺来对齐和绘制造型，可以使用软件菜单随时调整画布大小及图像大小，可以使用放大镜刻画细节使整个画面细腻精致，可以利用相应的面板调整画面上颜色的明暗、色相、纯度等等，可以随时对画面的某个局部调整形状如长宽之类，还有很多电脑绘制技法，需要任课老师在上课的时候现场演示给同学们。只要同学们在老师演示过后能认认真真临摹一张插画，就基本能顺利地使用手绘板及绘画软件。接下来，需要教师对学生的传统绘画基础进行提高，因为等同学们掌握了一定的电脑绘画技法，就需要从绘画功底这一块进行提高了。绘制作品要考虑到的构图，市场上专门讲解构图的参考资料不是很多，可以给学生介绍一些摄影方面的构图资料，其构图法则基本是一样的。构图的训练，可以让学生在创作一张插画的时候多做一些小稿子，最后从中选择比较合适的构图，让学生从对比中得到构图的审美和锻炼。造型方面的提高不是很容易，需要一个很长的时间积累，如人物的结构、建筑的透视等等，都需要学生对一些比较基础的资料进行大量临摹。在造型的提高过程中，需要任课教师对学生多做一些鼓励，因为造型的提高是一个比较漫长和枯燥的过程，有些学生容易放弃，任课教师可以列举国内外比较著名的插画人通过锻炼快速进步的例子激励大家的信心。颜色的学习也需要学生像学习构图和造型一样，扎扎实实地把握颜色的理论知识而后大量临摹，所以也需要任课教师能找这方面的理论资料给学生讲解其中的原理，并对一些照片和作品进行分析和让学生临摹。质感的表现需要对学生进行分类讲解，比如金属质感的表现，玻璃质感的表现、石头质感的表现等。通过这些知识的学习和掌握，尽量使学生绘制出一张比较完整的作品。

二、场景与人物并重

插画因为常常需要表现故事的一个情景，大多数时候需要同时出现人物及场景，这就需要我们在讲解插画课的时候，场景与人物都要讲解，避免有些学生只能画场景，而有些学生只能画人物。人物与场景都有绘制与设计的问题。关于设计我们可以为学生归纳和总结一些设计方法，有一些角色设计书籍上已经对设计方法有了一定的总结，我们可以收集资料进行讲解。而场景的设计，需要我们讲解关于场景的各种知识，如绘制天空需要学生了解到天空各种云出现的高度才能知道哪种云离地面近，哪种云离地面远，哪种云在哪种天气下出现。关于人物与场景绘制的问题比较难解决。像上面提到的一样，这要一个比较漫长的临摹过程，人物任课教师讲解人体骨骼、人体肌肉、人体动态等等。而场景，需要任课教师加强学生透视方面的知识，这样才能保证学生在绘制建筑的时候不出现形体上的问题。透视是一个学生比较难解决的问题，因为透视方面的书看起来比较难懂，而视频教程又比较少，这需要任课教师要注意讲解帮助学生提高。

三、插画的艺术价值与商业价值并重

我们绘制插画的目的，大多数时候是为了让它拥有艺术价值的同时拥有商业价值，因此我们在教会学生电脑绘制技法、提高学生传统绘画基础的同时，注意让作品符合市场的要求。在后期，我们可以为学生准备一些商业项目或者虚拟的商业项目，这里所说的虚拟的商业项目是指之前已经完成的项目，比如一个商业项目要求为《假如给我三天光明》这本书绘制插画，这个项目已经完成了。但教师可以把具体的约稿要求发给同学们让同学尝试绘制，让同学们有一次接近市场的机会以体验商业插画的创作。

四、理论讲解教学与现场演示教学并重

在插画课教学之前，学生大多没有用电脑绘制过作品，他们对数字绘画比较陌生，数位板的应用在开始的时候也不是很顺手，加上软件方面的问题，大多学生入门比较难。教师在教学过程中，应该多给学生演示，数位板的测试到笔刷的调整，整个作品的绘制过程等都应该给学生亲自演示，学生会比较直观和清楚地获得知识。不同于书籍与视频教程的是在演示过程中，教师和学生可以互动，学生有些地方不懂，可以现场提问，并且真人教学比较亲切，学生更容易接纳。在后期学生的创作过程中，教师也应该对学生的作品进行亲自修改，学生能从教师修改的过程中对比发现自己绘画中的不足，同时也知道了解决方案。插画课演示教学的重要性，要求学校配备相应的硬件设施，至少应该有一个计算机教室让学生在一起创作，比较有学习气氛，还可以得到老师的及时指导，及时解决绘制过程中出现的问题，不至于卡到某个小问题上浪费时间和丧失信心。

五、结论

CG插画作为这个时代的新产物，它独有的魅力吸引着很多同学为之投入大量热情，在普通高校的插画课教学中，我们应该既重视电脑绘制技法又重视传统绘画基础，既重视人物讲解又重视场景绘制，既重视其艺术价值又重视其商业价值，既重视理论讲解又重视现场演示，非常重的教学任务，任课教师责任重大，需要合理安排教学课时。关于高校插画课教学的一点点经验，希望对我们插画课教学有所帮助，在课程结束后能有一个比较好的效果。

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1 国内外的研究现状

1.1 国内的研究情况

在国内，对于数字插画的理论研究成果主要集中在软硬件技术、商业应用、教学研究，或者关联领域研究，如王选遥《论电影画面的灵魂――概念艺术》、赵小林《数码绘画与设计艺术专业基础教学》等；从美学角度探索数字绘画艺术理论的论文，在“中国知网”以变换关键词组合的方式进行搜索，可见数篇，包括赵忠波《浅析超现实主义绘画对现代数字绘画的影响》、许超《后现代视野下CG插画设计的美学特征探微》。这些研究成果在一定程度上代表了当前国内数字插画艺术理论研究现状，总体而言研究的成果有待进一步丰富和系统化。

1.2 欧美等国的研究情况

在美国，以出版物为服务对象现代插画的发展已经超过百年，形成了非常深厚的文化土壤。繁荣的出版业造就了一大批技法成熟、风格多元的插画大师。近20年来，作为数字技术革命的策源地，美国的数字娱乐产业异常繁荣，很多从事传统插画创作的画家成功转型为概念设计师，使用数码绘图工具，为电影、游戏和动漫业服务，数字插画由此应运而生。不过数字插画师的成就也一直不为主流艺术承认，其原因同样源自艺术界对商业美术的某种长期的“歧视”。在西方的数字艺术行业内，有关数字绘画的研究基本集中在视觉特效软硬件开发使用、表现技法、商业应用等实用性、技术性领域，鲜见数字插画艺术理论的研究成果。这一点，从历年的“ACM SIGGRAPH”会议所的主题与会议日程安排可见一斑。

2 数字插画艺术理论研究的意义

2.1 为国内新媒体艺术理论研究拓展新的视角

目前，有关新媒体艺术美学理论研究的成果多集中在新媒体自身特性带来的审美异化，如虚拟性、交互性、技术性等，以及由此产生的新媒体与创作者的关系、创作者与观众之间的关系、新媒体对创作观念的变革等一系列问题。例如，刘自力《新媒体带来的美学思考》、刘佳《新媒体艺术的交互性带来的美学思考》等等。这些研究，从宏观的角度，阐述了新媒体艺术审美在文化学、心理学、社会学乃至哲学层面的意义。这样的视角，固然能够从整体上把握新媒体艺术的基本特征，但是限于一些研究者的专业背景，仍缺少对新媒体艺术中某些具体领域的研究。此外，需要指出的是，在新媒体艺术这个大的范畴中，实验艺术、装置艺术这类的当代“纯”艺术活动与游戏动漫设计、电影美术等商业艺术仍然是有本质性的区别的，所以，针对数字插画美学理论展开研究，对于充实国内数字媒体艺术研究的美学理论体系具有十分重要的意义。

2.2 数字插画创作需要艺术理论指导

由于数字插画是商业美术，一直以来被视为流行文化，其价值得不到主流艺术界的认同。以网络相册为平台，优秀的插画作品甚至可以赢得千万次的点击率，却很难进入到画廊、艺术馆中与传统画种获得并列展出的机会。数字绘画在主流美术界的“空缺”，使其缺乏专业而系统的评价体系、科学而规范的教育方法以及艺术投资人。这些都制约着中国数字绘画艺术品质的进一步提升。因此，展开数字插画的艺术理论研究，挖掘其文化价值、厘清风格流派、完善评论体系，将数字插画研究学术化、正规化，一定程度上可提高数字插画在主流美术界的知名度和影响力，这些都能更好地激励数字插画从业者的创作热情，对于提高数字绘画的整体创作水平、挖掘艺术价值是非常必要的。

3 数字插画艺术理论研究的必要性

3.1 利于构建更加科学的数字插画人才培养体系

目前，国内大专院校的数字插画教育大多处于初创阶段，师资力量和教材建设均比较薄弱。当前人才的培养主要由企业和社会机构承担，但在培养方式上往往注重技巧训练、追求画面的外在效果，较为忽视绘画创作的文化艺术性，不利于数字插画人才的良性发展。事实上，在欧美等国，数字插画师（概念设计师）基本出自艺术设计类院校的相关专业，需要系统学习解剖、架上绘画、艺术史、数字图形图像学等课程，企业培训只是培养实践经验的手段，学院教育才是主流。构建科学的数字插画人才培养体系，需要相关的艺术理论研究成果为依托，完善教材建设、丰富理论教学内容。

3.2 利于促进动漫游戏产业的原创力提升

自从2006年国务院《关于推动我国动漫产业发展的若干意见》以来，我国的创意产业得到了长足的发展，动漫、游戏产业的原创能力不断得以加强。很多项目开始借鉴国外同行业经验，更加注重前期的概念设计的投入力度，推出了一批有分量的游戏作品。例如，腾讯游戏开发的网络游戏《斗战神》。该作的前期概念设定由国内一线的游戏美术师合力完成，人物造型夸张玄奇却不失中国神话人物的特征，场景华丽宏大，且充满东方色彩，充分展现出数字插画的视觉创造力和奇幻文化的魅力。然而，对于中国创意产业整体而言，高质量的作品和优秀的概念设计师仍然数量稀少，数字插画师的绘画水平良莠不齐。拙劣的模仿和照抄，贫弱的造型与滥俗画风依旧充斥着中国的动漫游戏市场。建立数字插画艺术理论体系，特别是文化研究和批评研究，有助于指导插画师的创作，推动当前数字绘画创作者对艺术品质的自发追求，转变成自觉的要求。

4 数字插画艺术理论研究的内容

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美术作为一个更大的学科，其实分类更多，但总结来说，就是一种造型艺术和视觉艺术。它的概念不是“画画”两个字可以概括的，它更多的是创新、创意、灵感、审美等理念层次的概念，有了这些，才能让设计的作品有内涵，让受众有共鸣。当然，这些都需要作者有熟练的技法将作品的内涵表现出来，不然别人也无法读取作品要表达的情感和思想。这里说的技法，就是作者创意迸发、表达自己情感的媒介，也就是美术中所说的造型能力。然而，这种能力在动漫专业中到底占有怎样举足轻重的作用呢？下面笔者把动漫专业分为几个大的方向来说明。

第一个方向：漫画和插画方向。这个方向的发展是以美术为基础的，最终达到的目的也是以不同的工具或媒介、绘制漫画、插画、设计图等二维平面作品。不管作者是用纸笔手绘，还是用数位板，或是干脆用鼠标或其他工具绘制，最终目的都是在一个二维平面上绘制一张静止的图片，这就对作品的精细度和创新度有极高的要求。作者或是有极高的绘画能力，可以绘制出很好看、很炫的图片，像一些游戏插画，场景宏大，动感、张力十足，让人一看就血脉贲张；或者就有丰富的想象力，绘制出引人入胜的内容在里面，就像一些画风并不出彩，但内容跌宕起伏、千回百转的漫画作品；再者就是构思巧妙、想法新颖的设计类图纸。这几样都需要作者具备极高的美术修养和一颗具有发散思维能力、不拘一格的大脑。这些需要学生在美术课程中习得，别无他途。所以说，漫画和插画方向是对美术依赖最多的一个发展方向，如无天赋、爱好，就不要强迫学生走这条路。如果要走这条路，我建议前期多开设造型能力的课程，如素描、速写，提高学生的基础造型能力和控制光感和立体感的能力。只有提高自身的基础造型能力，才能让学生有能力表达自己的想法和创意。中期主要以色彩为主，这里的色彩包括色彩的属性、如何用色、如何调色、如何用色差表现光感等，这个过程是为了增加作品表达的层次和张力，使作品更直观地表现出中心思想，也更加吸引人。最后是创意和构思的能力培养，只有有了前期的造型能力和色彩作为基础，学生才能绘制出口碑出众、新意百出、水平绝佳的作品。

第二个方向：二维动画方向。这个方向的最终目的是制作成品的二维动画作品，像动画电影、短片、广告等，除了画面外，添加了时间这个概念，使它的表现力更丰富，也就是所谓的四维艺术。所以，二维动画除了画面外，还包括故事剧情和设计理念，这是考验学生作为导演的功力。当然，这个工种是分等级的，最顶端的是剧本和角色设定，这个要求较高，下面还有好多原画师、动画师、上色师等职位，不同的职位对人员的要求不同，但都离不开美术这个大的框架。如原画师和角色设计需要具有丰富的阅历知识、想象力和扎实的美术功底，这样制作出来的动画角色才能让观众喜闻乐见；而一般的二维动画，剧本、角色设定、原画都是一个人或一个团队来完成的，这就要求作者不但要有扎实可靠的美术功底，还需要有广阔的人生阅历和思维能力，才能制作出天马行空、缤纷多彩、引人入胜的好作品。而动画师和上色师应具备相应的美术素养，以完成和发挥原创作者的想象力空间，前者需要对原画角色进行动画处理，这就需要有能临摹绘制出原画的能力和给予这些角色动作的能力，这些都需要大量的速写训练来达到目的；后者对色彩知识需要有足够的认识和应用能力，才能胜任这份工作。这个方向的课程和插画漫画方向差不多，但可以稍微降低标准，对造型能力要求不需要太苛刻，对色彩、空间的掌控也不需要太高，毕竟在动画中每一张图要是和插画的水平一样，这样的动画成本实在太高。而且还必须为学习必要的应用软件留下充足的时间，所以可以适当地修改和减少美术类课程的数量，但美术课依然应该作为最主要和基础的课程在前期开设。

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“信息素养（Information Literacy）”的本质是全球信息化需要人们具备的一种基本能力，是一种综合能力。它涉及各方面的知识，是一个特殊的、涵盖面很宽的能力，它包含人文的、技术的、经济的、法律的诸多因素，和许多学科有着紧密的联系。其重点是内容、传播、分析，包括信息检索以及评价。在林建庚老师的课堂上，从设计到制作字母插画，学生需要收集大量的素材和信息，并对这些素材进行加工。在此过程中，学生的信息素养得到了很大的锻炼，对素材的筛选和鉴别、对信息的总结和归纳都是学生隐性的信息素养的显性表现。

信息素养是一种搜集、评估和利用信息的知识结构，而信息技术则是一种完成的工具。为了完成设计字母插画，学生需要使用Photoshop等信息技术工具去完成任务，在动手绘画、操作软件中，信息技术能力得到了一定的培养和提高。

启发学生的创新思维，提升创造力

美国心理学家斯滕伯格“创造力三维模型理论”将创造力分为与创造力有关的智力维、方式维、人格特质。创新思维是智力维的体现，林老师的这节课从智力维的角度培养了学生“经验关联型智力”和“外部关联型智力”。首先，引导学生将26个字母与春夏秋冬四季联系起来，充分地发掘了学生对四季的经验认识，将这种认识带入字母动画的创作中，开发了学生与经验相关的智力，即“经验关联智力”。其次，不管是在引导启发学生还是在给学生分配任务，在整个课堂中利用精美的图片和优美的音乐营造了很好的艺术环境，学生在这个情境中与外部关联，发散思维，开发智力。

培养学生对美的感受与鉴赏能力

从四季的色彩与景色到字母的形状与故事，从教师的语言文字到图片音乐等教学资源，学生一直沉浸在感受美、发现美的过程中，从创设的情境到深入探究再到创意分工，学生一直沉浸在林老师所营造的艺术氛围中，在其中去发现美、感受美、鉴赏美。而同时，绘画能够让学生敞开心灵，使他们在绘画中舒展内在的想象和情感，通过绘画把自已对周围事物的认识表达出来，从而培养自身审美情趣和修养。

体现出基于任务的协作学习

协作学习（Collaborative Learning）是培养学生的团队合作精神必不可少的学习方式。它是一种通过小组或团队的形式组织学生进行学习的策略。小组协作活动中的个体（学生）可以将其在学习过程中探索、发现的信息和学习材料与小组中的其他成员共享，甚至可以同其他组或全班同学共享。在林老师的课堂中，学生首先是在小组之间协作完成制作字母插画的任务，其次是在最后的欣赏交流中充分锻炼团队协作能力。

突出师生间的创作分享，学习表达

语言文字的表达能力不仅是学生必须掌握的一项基本技能，同时也是他们和这个世界对话、表达自己的观点和情感的好方式。林老师通过与学生多次对话，让他们逐步学会用美术语言和艺术观念表达自己的思想和情感。这种让学生去分享、去表达的方式，提高了他们的语言表达能力。

电脑绘图与课程整合让学习更活泼

纵观整个课堂，我们发现了学生的积极性和老师的热情，也看到了老师与学生的多次对话，更是看到了轻松活泼的学习方式。是学生对技术的好奇心，也是绘图课程的艺术魅力，更是这两者的结合，让整个课堂活泼起来。由此，我们看到了电脑绘图与课程整合的魅力，更是看到了信息技术与课程整合的魅力。

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纽约视觉艺术学院（以下简称sva）位于纽约市曼哈顿，在六十年中先后培养了一大批杰出的的设计师。sva其核心的价值观是：自由的表达、多方面性、完整性、可访问性。因此纽约视觉艺术学院也成为了全球最具有影响力的艺术学院之一。

四川美术学院（以下简称川美）坐落于山城重庆，是我国独立建制的31所普通高等艺术院校之一，全国美院之一。自1940年建校以来，以完善、独特的美术教育体系，活跃的学术氛围，卓越的艺术成就，享誉国内外，成为“长江上游一颗璀璨的艺术明珠”。

2.课程设置的差异

科学的人才培养模式应具有完善的知识体系和宽厚的学科基础，课程设置应体现明确的专业方向和独特的专业优势。

对sva研究生和本科生的插画专业课程设置进行对比分析，发现在本科生阶段的插画课程的专业设置上，更加注重学生的基本功和创意思维的培养。sva的本科插画系课程安排包括儿童书插画设计、涂鸦符号设计、蚀刻版画、雕塑、视觉处理基础、手工书制作课等一系列的课程。本科阶段教学理念教给学生如何用图形来进行沟通交流。sva研究生教育为两年制，第一年着重培养学生的绘画技巧和方法。在第二年，学生将尝试各种各样的实验，来完成自己最后毕业论文及设计绘本的创作。在研究生第一年阶段所开的课程有：批评、绘画、书籍设计、创意写作、电脑绘画。其中开设写作课的目的是为了注重学生的编写故事的写作基础，如语法、段落逻辑以及论文结构的培养。sva研究生教育是由研究生教师团队共同来执行，在团队教师的选拔方向上不仅局限于是学本专业出身的，也有数字媒体艺术家、作家、艺术史论家。

川美每学年通常由两个20周的学期组成，每学期由不同的课程分段构成。基础设计课程关注理论知识及创造力的培养。川美着重培养兼具传统美学文化素养与新一代观念的设计艺术专业人才，并提供理论与实践并重的课程、学习与就业同步的教学环境。在川美本科生艺术培养会开设一系列的基础专业课如：图形创意、字体设计、海报设计、版式设计等。分阶段性的提升学生的设计能力。大部分的学生是在老师布置完的作业中，独立完成设计任务。老师进行相对辅导让学生在作业中学习到设计的原理。

川美研究生教育为三年制，研究生阶段的教育采用的是导师责任制，即一个导师负责一个学生，学生与导师讨论制定培养计划。第一年通识类课程修满相对应的学分，第二年在导师的带领下开展相关专业的实际项目，第三年则是进行毕业设计创作。在研究生教育的过程中，导师扮演着重要的角色。根据每个学生的兴趣和爱好，制定出对应的特色化培养计划。西方教育的本质是为学生创造一个宽松的学习环境，将年轻人聚到一起使其相互交流，敢于质疑并解决问题。而东方的学生更加关注于从老师那里获得知识。川美应多开设培养学生创造性的课程，鼓励学生的创造性和独立设计能力。

3.艺术院校官网建设之比较

通过笔者对于中外艺术院校网站的信息检索和浏览，差异化感触比较明显。首先，院校的网站首页，在sva首页中可以明显的感受到学生艺术作品的氛围，首页主题banner是展示学生创作的作品，在川美的首页内容，更多的是简报，让教师和学生知道最近学校有哪些相关的交流和展览。其次，国外艺术院校网站的界面设计非常的清晰有条理，通过颜色的搭配便于阅读的人们更加快速检索出所需要的信息。

最后， sva的网站，不仅通过图片的形式进行展示。而是用视频的形式进行展示，能动态全方位的对学校进行了解。Sva对网站信息内容的更新和维护。让想了解艺术最前沿的信息的人及时了解第一手资讯。而在川美的官网上，信息的及时更新和传达方式是我们需要向国外学习的，在信息爆炸的时代，如何让学生更好的了解到第一手资料，是极其重要的，有利于让学生的学习中及时的做出调整。

4.院校艺术资源之比较

在对sva的了解中，其周围资源的丰富性，给笔者留下了深刻的印象。学院所在的纽约市有大量艺术画廊、戏剧公司、博物馆。丰富的周边资源为在校生们创造了大量工作实践的机会，产学研相结合更好的为社会群体服务。

现在川美也会不定期举办国内外前沿的艺术讨论和讲座，或去其他国外艺术院校进行短期的交流。让学生更好的与外界有交流，在思想和观念上更加的积极进取，与时俱进，创作出具有中国传统美学又结合现当代表达方式的艺术作品。其次，川美新落成的罗中立美术馆，不定期的举办各种丰富有品质的展览，也在学生的学习资源上提供了极大的帮助。最后在川美，现阶段的艺术教育注重培养学生的个性化艺术的发展的基础上，更好的引导学生去思考，如何通过自己的设计让普罗大众享受到更好的生活。

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有调查显示，52.8%的高中生对于自己的兴趣不确定或是不了解。高二文理分科时，虽然大家也重视自己的兴趣但是很多学生对自己兴趣的了解都是来自主观感受，或者是老师、同学、家长的评价，缺乏理性的思考。导致分科后学习兴趣不强烈，学科难度增加后没有动力去挑战。学习的过程成为一种煎熬，进而厌学，甚至产生退学的想法。这样的情况在非重点高中更为明显。

作为班主任，我们要做的是帮助学生明确学习目标、坚定学习信念。高二是高中的转折阶段，由于离高考还有一段时间，学生的思想很容易放松。学习缺少紧迫感，遇到的问题如不及时解决，会导致问题越积越多。因此，我们可以从职业生涯规划的角度入手，让学生有追求有目标，从而顺利完成高中学业。

职业生涯是一个人的职业经历，同时也是一个人理想的实现过程。不同学者划分的职业生涯阶段、划分的阶段数及年龄不太相同，但是基本的规律都是一致的，揭示了从兴趣到参与，从参与到熟练，再从熟练到衰退的过程。按照格林豪斯的理论，0～18岁属于“职业准备阶段”，这一阶段的主要任务就是发展职业想象力、对职业进行评估和选择，接受必须的职业教育，为将来的就业作准备。高中生正处于这个年龄范围，所以班主任有必要帮助学生进行相应的职业生涯规划，帮助他们了解自我、认识自我，进行职业选择，定下目标。

二、案例分析

（一）背景介绍

小璐是我班上一个活泼开朗的女生，喜欢与同学相处。偶尔有些独断专行，不讨同学喜欢。对班级事务非常热心，喜欢画画，是班里的宣传委员。平时成绩波动较大，有时能进班级前十，有时倒数。月考后的某天，小璐的母亲打电话来说小璐想退学，不想继续读高中了。她还提到，当年初中升高中时，女儿是想去学艺术的，是被他们逼着读了普通高中。小璐就以这个为理由，表示高中学业实在无法继续。

小璐的家庭情况比较复杂，父母因为性格不合已经分居好几年。她随父亲还有爷爷奶奶留在本地，母亲带着弟弟住在外地。父亲基本上不管她的学习，家长会都是爷爷来参加。母亲每周末回家，由于母女相处时间少，母亲对她的管理也甚为无力。

（二）原因分析

了解到相关情况以后，我找小璐进行了谈话。通过谈话，我发现小璐有以下几方面的问题。

第一，父母常年分居，就算周末两人相聚也是不是争执就是冷战。家庭氛围极不和谐，让她非常想逃离这个家。

第二，因为和母亲相处时间少，渴望得到母亲的重视和关心，但是却不知道怎么去和母亲亲近。这样的家庭环境也造就了她在校时也不大会与人相处。

第三，虽然父亲不大管她的学习，但对她的学习成绩要求很高，希望她将来能考上一本的大学。她认为按照现在的成绩，就算拼尽全力最多也只能考上二本，父亲和爷爷奶奶到时会觉得她丢了他们的脸，这是她不愿意面对的局面。

第四，她原本想上美术高中，却被家长逼着上了普通高中。本身内心就有很大的抵触情绪，再加上现阶段学业水平测试的压力，让她产生了逃避的心理，想着还不如现在就退学找工作，早日独立。

（三）解决方法

通过以上分析，我们一方面及时与小璐的家长取得联系，将小璐的真实心态告知他们，希望家长能更多地关心一下孩子并调整自己的心态，不要给孩子过多的压力；另一方面，按照如下职业生涯规划的步骤，帮助小璐找到未来的目标，让她为了自己的目标鼓起克服困难的勇气，下定努力学习的决心。

1.自我评估

我们分析了小璐的霍兰德职业兴趣类型。她的艺术型（A）和社会型（S）分数较高。说明她适合从事美术教师、画家、时装艺术、广告经理等方面的工作。测试结果与她能够胜任班级宣传委员的现实是相符的。小璐表示她想去做插画师，但是她的美术基础不好，没有系统进行过素描、色彩等方面的美术训练。虽然能够给班级出黑板报，但是离成为插画师还很远。所以她想现在休学去学习美术方面的知识。

2.职业评估

通过谈话，我发现小璐对插画师这个行业并不是特别了解。她只知道是给某些杂志或者报刊、教科书画插画，工作时间弹性大，只要在家里就可以工作。至于插画师的薪水如何，美术功底需要达到何种程度，哪些美术院校有相关的专业等都一无所知。所以，她的家长其实也并不是不同意她去学艺术做插画师，而是由于她对这个职业没有足够的认识，也没有成熟的规划，无法让家长去信服、去支持她的决定。

通过互联网中关于“插画师”的搜索和筛选，我们对这个职业有了下列认识：

目前国内有很多传媒公司、文化传播公司等会招聘插画师。招聘的要求大多都是大专或本科；有绘画基础或能熟练运用Photoshop、Illustrator等设计类软件；能提供一些自己曾经的作品，有插画经验的优先。

当前国内的众多知名美术学院都没有“插画”专业，而其他设计方面的专业和插画关系不是很大。反而是很多社会上的培训机构有“插画师速成班”这样的课程。

即使她现在退学去念“插画师速成班”，在短时间内也无法找到一份能够养得起自己的工作，她还是无法自立。并且只有当自己在插画行业具有一定知名度后，才能像她之前认为的一样在家中工作。

3.设定职业目标及实施策略与措施

职业目标包括短、中、长期目标，三者缺一不可。小璐在做过自我评估和职业评估之后，仍然将成为“插画师”作为自己的职业理想，即长期目标。

中期来看，即使小璐现在就开始做准备也不可能在高中毕业时应聘到一个插画师的职位。所以她打算在大学期间，利用课余时间做有关插画的兼职以积累经验。

而在现阶段，小璐发现，如果大学打算考美术院校就必须通过省里的艺术类统考。考试的内容包括速写、素描、色彩。而她只有一年的时间来准备这些。对于一个完全没有受过系统训练的人来说，想在这么短的时间内通过这个考试，只有牺牲掉文化课的学习时间，付出比别人更多的努力，同时也要承担不能通过考试的风险。在对这个职业进行全方位了解后，她认识到要成为插画师最重要的是经验而不是科班出身，所以没有必要为了补习美术而放弃学业。因此，小璐决定努力学好文化知识，争取考上大学，为自己积累经验争取时间。再利用高三毕业后的暑假，报名插画师速成班，掌握插画师的基本技能。

4.反馈调整

世界是变幻莫测的，很多事情会打乱我们原本制定的计划，使规划发生偏差，小璐的规划也不例外。所以，要使职业生涯规划行之有效，就需在以后的时间里不断地对职业生涯规划进行评估与修订。修订的内容包括：职业的重新选择；职业生涯路线的选择；人生目标的修正；实施措施与计划的变更等。

三、总结和展望

通过以上生涯辅导，小璐明确了努力的方向，学习中遇到困难时不再立刻想要逃避而是想办法去克服。小璐的妈妈打电话来说，感觉小璐整个人都有精神了，不再想着退学。虽然父母亲对小璐想当插画师的想法仍有所保留，但是小璐如果真的一直坚定走下去的话，他们也是愿意支持她的。

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【中图分类号】G633.3

引言：随着社会的发展，人与人之间的竞争也越发激烈。而在现实生活中，人能否较好的进行自我表达，将直接影响个人良好形象的塑造。所以，还需要加强学生表达能力的培养，从而使学生能够适应社会的发展需要。而在初中阶段，语文教学需要担负起培养学生表达能力的重要责任。因此，有必要对如何在初中语文教学中提升学生表达能力的问题展开探讨，从而更好的促进初中语文教育的发展。

一、在初中语文教学中提升学生表达能力的重要性

在当今社会背景下，表达成为了人和人交流的主要方式，而表达能力更是成为了人表现自我的主要手段。无论是学习、生活还是工作，都需要具有一定的表达能力才能够将自己的想法表达出来，从而顺利展现自身的外在素质。而在初中阶段，学生能否拥有较好的表达能力，将直接影响到其今后的学习、生活和工作。因为，初中是人的后天表达能力形成的关键阶段，学生需要在该阶段得到表达能力的提升，从而取得身心的健康发展[1]。所以，作为一名初中语文教师，需要将表达当成是一门课程，并且通过不断改进教学方法使学生主动进行想法的表达，从而达成提升学生表达能力的目的。

二、在初中语文教学中提升学生表达能力的方法探讨

（一）注重学生表达兴趣的培养

想要使学生主动进行表达，教师还需要使学生的表达意愿得到激发。为了达成这一目的，教师需要通过合理设计教学内容为学生提供足够的表达机会和勇气，从而使学生的表达兴趣得到培养。具体来讲，就是教师需要根据学生的兴趣进行教学内容的设计，并且实现教学内容的及时更新，从而使学生受到发言刺激。同时，教师应该为学生留下足够的时间进行表达，并且在教学中为学生创造发言的机会。比如，教师可以采取讨论教学方法展开语文教学，从而通过设置一些专题性讨论会给学生表达提供机会。而讨论的内容应该是与教学内容相关的内容，并且还要是学生感兴趣的内容[2]。在教学的过程中，教师要鼓励学生进行自我表达，同时对学生的表达给予肯定，以便帮助学生克服表达的心理障碍，继而使学生产生表达的兴趣。需要注意的是，教师不能拘泥于一成不变的答案，而是要鼓励学生发表一些个人的看法和观点，从而使学生的表达欲望得到更好的激l。

（二）传授学生语言表达技巧

在初中语文教学中，许多教师都忽视了表达技巧的传授。实际上，能否掌握表达技巧，将直接对学生的表达产生影响。因为，充分掌握表达技巧，可以给予学生更多的信心进行表达，所以能够使学生准确、自如的进行自我表达。因此，教师在教学的过程中，需要注重表达技巧的传授。比如，教师可以建议学生多进行优美文章和名言警句的背诵，从而在获得大量知识的同时，潜移默化的进行表达技巧的学习。在日常教学中，教师也可以安排学生进行课本内容的编排和展示，从而在提升学生语言组织能力的同时，使学生的语言表达能力和书面表达能力得到提高。需要注意的是，能否形成正确的表达思维，将直接影响学生表达能力的提升。所以，教师可以通过写作或开展辩论活动对学生的逻辑思维进行培养，并且在平时引导学生明确表达的层次，从而条理清晰的进行表达。

（三）结合多种方法培养学生表达能力

在语文教学中，初中语文教师也可以结合多种教学方法对学生的表达能力展开培养。首先，教师可以利用朗读使学生将书面语言转化成口语表达。而在利用起伏的声音进行文章内容表述的过程中，学生的表达能力将得到明显提高。所以，教师在平时需要加强学生的朗读训练，从而督促学生进行表达练习。其次，在学习文本的过程中，教师可以要求学生对其中重要语句和段落进行反复阅读和识记，从而使学生利用自己的语言进行文本内容的组织，继而使学生的表达能力得到提升。而采取该种方法，还能够使学生的创新能力和表达欲望得到提高。此外，教师也可以通过开展演讲活动加强学生表达能力的培养。比如，教师可以要求学生在课前进行五分钟的演讲[3]。而在这一过程中，教师可以对学生的表情、语调和动作进行评价和指导，从而使学生的表达能力得到提升。

（四）督促学生形成良好语言表达习惯

在语文教学中，教师需要督促学生形成良好的语言表达习惯。在平时的教学中，教师可以在学生完成教材内容的阅读后，站起来回答自己的问题。而教师提出的问题不应该是单一的形式，而是应该采取逐层递进的方式进行提问。比如，教师在讲解含有插画的课文时，考虑到学生对这些插画比较感兴趣的情况，教师可以先要求学生对插画进行描述，然后要求学生进行插画的联想，并且叙述为何要在文章中增加这一插画。在学生完成叙述后，教师可以要求学生对作者的叙述进行复述，然后让学生对比自己的叙述，从而总结出如何更好的叙述图片。采取这样的方式，可以使学生形成逐层递进的思维方式，从而使学生在表达之前理清自己的思路，继而形成良好的表达习惯。

结论：总而言之，想要提升学生的表达能力，初中语文教师还要在日常加强学生表达兴趣、表达思维的培养，并且使学生掌握一定的表达技巧和形成良好的表达习惯，从而使学生的表达能力得到全面提升。

参考文献：