传统手工艺论文汇总十篇

序论：好文章的创作是一个不断探索和完善的过程，我们为您推荐十篇传统手工艺论文范例，希望它们能助您一臂之力，提升您的阅读品质，带来更深刻的阅读感受。

篇（1）

8月22日上午，南京大学历史系徐艺乙教授应邀来到2016年上海书展现场，为听众带来了一场题为《弘扬传统，振兴工艺》的主题演讲。该活动由上海故事会文化传媒有限公司、上海市非物质文化遗产保护中心主办，同时也是徐艺乙教授新书《手工艺的文化与历史》的首发仪式。

虽然不是周末，但这场以手工艺为主题的演讲活动还是吸引了不少听众。现场座无虚席，许多徐艺乙教授的多年粉丝，以及慕名而来的感兴趣读者、工艺美术大师都齐聚世纪馆活动A区，在这里购书并驻足倾听徐教授的演讲，为琳琅满目的书展盛宴又增添了一道“工艺文化”大餐。

徐艺乙教授1956年生于江苏省南通市，从事工艺美术研究、传统物质文化研究、民俗艺术研究和文化遗产研究工作已经有数十个年头。近些年，在国家保护非物质文化遗产的背景下，徐教授常有机会到各地和不同的人流。有应专业刊物之约进行写作的，也有应邀就某个专题进行演讲的。这样的机会日复一日增多，记录下来的文字也慢慢颇有体系。有朋友提议，不妨将这些文字集结成书，也算是对近些年思考的梳理和总结。于是品鉴筛选，考据增删，厘清脉络，丰富图文，很快这本以《手工艺的文化与历史》为主题的论文集就和读者见面了。

这本书收入了徐老师20篇论文和相关演讲的文本记录，基本上涵盖了他本人最近几年对传统手工艺的思考成果。如果您对一些具体的传统技艺，比如紫砂、刺绣、雕刻、漆画等感兴趣，这里有丰富的图文供您了解它们的精微堂奥；如果您对传统手工艺在当下的传承发展有困惑，这里也有不少的思考结晶；而若您见微知著，想了解更多的传统工艺历史与文化，这里也有许多化繁为简、高屋建瓴的宏观论述，是一本兼具专业与普及的“手工艺文化与历史”读物。而在演讲过程中，徐教授也再次重申了他对手工艺的几点思考。比如手与心的关系：“就高手而言，技术不是问题，问题在于如何忘记技术，用心让技术如同自身的本能，在面对具体的材料时，能够自然而然地进行处理乃至创造”；再比如如何看待传统手工艺行业里的继承与创新问题：“在传统手工艺行业里，创新往往不是最大问题，最大的问题恰恰是继承。如何继承老祖宗的智慧，继承传统的工艺技术，继承前辈对许多问题的处理方法，乃至继承这个行业的全部知识与智慧，这才是最重要的”。

作为国家非物质文化遗产保护工作专家委员会委员，徐教授一直致力于对传统手工艺文化的理论研究和实践指导宣传工作。自1980年代以来，他已出版有编著、专著、译著30余部，此次《手工艺的文化与历史》一书的出版，不仅是徐教授近些年来的思考总结，也是再一次对当下“传统热”的呼应。也许正如台湾锡艺大师陈万能所说：“传统就是昨天的创新，创新就是明天的传统”，从手工艺一门便可窥之一二。

篇（2）

中图分类号：J05 文献标识码：A 文章编号：1005-5312（2013）17-0144-02

自人类最初的意识诞生，造物或者说设计最初的形态就已经诞生了。在工业革命之前的漫长历史时期，由工匠同时身兼设计师和艺术家及工程师，这一切都通过手工性的劳动来完成，手工艺活动成为沟通技术与艺术、物质与精神、实用与审美的最初媒介。而工业革命之后，标准化、机械化的生产方式使得手工艺的美荡然无存。

一、工艺造物发展的历史描述

（一）前工业时代的工艺

1、前工业时代工艺状况

前工业时代在时间上是指第一次产业革命爆发之前，大部分造物活动由手工完成的阶段。从历史来看，最早的工艺造物是以满足功能为目的的，由于条件局限，人们只能通过对自然材料施以简单的加工，来满足于日常初步的吃、穿、住、行，等初级的需要。随着技术与审美的发展，人们对器物的认识逐步深入，于是诉诸于设计上也相应地有了更高要求。因此，在漫长的前工业时代，人类仅凭双手和自然打交道。但正是这一双最朴素的手构成了最直接、最人性的力量。手是人类文明历史的起点，也是生命个体介入文化世界的起点。

同时，卢梭也曾在《爱弥儿》里说阐述过类似的观点――在人类所有的职业中，工艺是一门最古老最正直的手艺。它在人的成长中功用最大，它在物品的制造中通过手将触觉、视觉和脑力协调，身心合一，使人得到健康的成长。①

2、前工业时代工艺的分类及特征

本文参照张道一先生的分类方式，将手工时代的工艺大体上分为四类：宫廷工艺、文人士大夫工艺、宗教工艺以及民间工艺。

宫廷工艺，是为宫廷贵族们制作的。历朝历代，宫廷中设立多种管理工艺的机构、作坊，工匠数以万计。由于阶级的差异，在无视费用、选择良材、不惜工本的前提下，工匠们制作出奢侈的、华贵的器物，在体现贵族们权威同时，还能再现他们的生活。

文人士大夫工艺以士大夫为主体或以其为服务对象。该工艺不仅仅以实用为目的，更以表现美为准则。此类工艺更加靠近于艺术，器物表现文人独特的审美情趣和心理状态，强调雅致的格调、闲逸的情趣。

宫廷工艺与文人士大夫工艺在形态上虽然都是工艺品，但是在这些工艺品中，“看”的因素要胜过“用”的因素，两者多半都是供人欣赏的工艺，与一般民众的生活无缘。

宗教工艺，主要是指佛教和道家的带有浓厚宗教色彩的工艺。以服务于宗教为目的的工艺品具备一定的审美价值，具有浓郁的精神内涵。

而民间工艺是指以实用为第一目的，为服务于民众生活而制作的器物。此类工艺与人们的生活联系最为紧密，生产数量最多，而且价格更便宜。生产与消费相统一的民间工艺体现了实用与审美一体的基本原则，体现最贴近生活的美，反映劳动者最本真的情感。

3、前工业时代人与物的关系

（二）在漫长的前工业时期，探讨工艺造物活动中人与物的关系，可分为原始造物阶段和手工造物时代。“早期的人类‘制器造物’，实际上是借用和模仿自然物的功能和形态，是受自然启发而主动地发现和发明，以改善人类自身的生存条件为目的的活动。”②古代社会，人类利用大自然唾手可得的物质材料如石块、树枝、泥土等，根据需求来完成打击、采摘、投掷等活动。随着人们逐渐认识自然、改造自然，造物活动进入手工造物时代。由于主体的个性和技术差异呈现出个性化、多样化特征，造物活动注入手工艺人的心智，贯穿着个人的精神。在手工艺造物活动中，工具脱离了原先的闲置状态，和掌握它的劳动者一道进入人的生活内部，和人的生命本体休戚与共。此时，人与物的关系表现为人逐渐征服物，物作为人的手工工具而存在，从而形成一种“握在手里用着”的“在手”③状态，这种平常而朴素的手工劳动蕴涵着重要的人文意义，它意味着人和工具的“物我一体”关系的确立，这种关系肯定了“手”的人性力量，它始终保持“自然―人―社会”的生态与和谐。

二、机器夺权时代的工艺

（一）机械时代的工艺状况

机器夺权时代是指工业革命发生之后以大工业生产方式为主、机器成为生产力发展的动力的时代。在第三次生产力革命后，人类劳动作品中手直接参与越来越少。高度的机械化、规模化带来大量的实用产品，人类的物质需要虽然得到了极大满足，但是当机械工业成功取代人力出现在劳动现场的时候，人文情感逐渐被剥离。

（二）机械时代的工艺特征

机械时代工艺朝着机械工艺和手工艺两个方向并行发展，同时指向艺术和技术两极。一方面，机械化生产代表技术的进步。1851年，英国举办“水晶宫”国际工业博览会，集中展现英、美等国工业革命以来生产的产品，其中多为机械产品，这些产品朴实无华，价格低廉。另一方面，手工艺作为对抗工业化的方式，成为人们选择逃避现实的一种精神寄托。

（三）机械时代人与物的关系

工业革命发生以后，人类造物活动的生产方式发生改变，日趋机械化、自动化的机器生产方式占主导地位。为了使工人拥有更高的生产效率，雇主努力改进机器，忽视操作者的易用性；为了能跟上机器的节奏，工人必须拼命从事技术水准很低的工作。机器成为生产的主宰，人成为受制于“物”的附庸。从电影《摩登时代》里我们就能窥探到机器的速度与效率对人身心的摧残，“自动喂食机”将人基本的吃饭时间也“效率化”了。卓别林扮演的工人形象就如同机器上的零件，进行程序化劳作；标准化、机械化的工作方式磨灭了人的本性。

三、工艺造物发展的现代境遇

（一）新时代高技术与高情感的统一

当今的时代，设计已经从实体的、物质的文化转向为越来越不可触摸的非实体文化。人们已经从人与物的交流转向人与机器的交流，从实体空间的交流转向虚拟世界的交流。人们过去多数以传统的“两极对立”的思维方式理解世界，如天与地、主观主义与客观主义、感性与理性、人文与自然等。然而，在非物质社会，随着信息的侵入，这种思维方式发生根本改变，物质与精神的对立似乎正在消失。随着这种对立的消失，工具理性以及这种理性所依赖的逻辑原则也正在受冷落。高技术与高情感这一对立的两极也随之发生变化。

（二）信息时代人与物的关系的困境

随着新时代的到来，以多媒体和互联网为代表的信息技术逐渐进步，使当代社会大众的工作方式与交往方式发生了巨大变化。信息时代人与人、人与物的交流呈现互动关系，通过互联网、手机等高科技设备，人们可以随时进行远距离沟通。但是在网络世界里，时间和空间的距离已经模糊，网络空间随时都可以打招呼、报平安；网上的交谈可以随心所欲却也拒人千里之外，没有手握手眼望眼的感觉，也没有白纸黑字，情感如同电脑屏幕一样的苍白。手机的便利性也冲淡了人与人之间见面的渴望，以直接交往为基础进行的情感交流正在减少。手机、网络等技术应用下的远程交流，只是纯粹的语言或图文对话，使“身体的惯用语”的交流受到阻隔，造成了“身体”的缺失，信息和情感的传递“缩水”。

（三）后工艺时代的生成语境

从工业化到后工业化，手工艺的定位是随着时代的发展而不断调整的，同时人们不断思索工艺与技术、设计、艺术的关系，不断思考手工艺在后现代、后工业社会中的地位、属性与边界。

从20世纪50年代起，越来越多手工艺人尝试翻越纯艺术与手工艺的樊篱，兴起一场“工作室手工艺”运动，西方手工艺人将先锋艺术、实验艺术的观念、方法、风格移植于各传统工艺门类，以期实现传统手工艺的现代转型。他们希望摆脱传统“作坊”的束缚，步入现代“工作室”的运作模式，从而实现由“工匠”向“艺术家”的身份转换。20世纪70-80年代，后工业化社会在西方发达国家初现端倪，设计领域也随之出现了由批量化大生产向个性化、小批量、甚至单件化产品复归的迹象。手工艺与艺术、设计的界限越来越模糊。翻开新千年的篇章之际，关于手工艺的不同学校、研究机构相继更名，促使人们不断思索手工艺在现代社会中的学科属性、社会定位。例如久负盛名的美国手工艺博物馆（American Craft Museum）④突然更名为“艺术与设计博物馆”（Museum of Arts and Design）。

近几年，越来越多的国际学术会议将焦点对准了手工艺发展现状分析与前景预测。例如，2006年，美国“手工艺组织发展协会”以“创造价值、激发变革：手工艺的未来”为主题举办年会。2007年11月，加拿大举办“新工艺：手工艺与现代性”的国际学术研讨会，旨在探讨全球现代化进程中手工艺的社会定位与多样可能性。2007年5月，当第10届纽约SOFA展如期举行之际，“后工艺”的概念由马克・雷曼（Mark Lyman）提出。他在SOFA网站上发表了名为《工艺还是后工艺？》（Craft Or Post-Craft？）的短文，第一次正式提出了“后工艺”的概念，并宣告了“后工艺运动”的到来。在科学技术、文化发展、商业紧密结合的当今社会，工艺与技术、与设计、与艺术间的关系出现新的变化，逐渐形成一个工艺发展的新语境。

四、小结

面对信息社会的到来，大工业生产方式使得人们不断处于被技术挟持的处境，高技术与高情感的矛盾再次暴露，我们需要在物质和精神现实之间找到新的平衡。随着工艺造物的发展，人与物、人与人的关系呈现不同的状态，由“物我一体”的手工造物，演变为机器时代“人役于物”，信息时代人与物的关系出现困境，进入“后工艺”时代，人与物的关系必然出现新的变化，“物我和谐”的手工艺必然获得发展契机。

注释：

①杭间.手艺的思想.济南：山东画报出版社.2001：P19.

②赵洪江.设计艺术的含义.长沙：湖南大学出版社.2005：P2.

③吕品田.动手有功.中国艺术研究院博士论文：P45.

④美国手工艺博物馆1956年由美国手工艺理事会的前身在纽约设立，长期以来一直被视为收藏、研究与推动当代手工艺实践的中最重要机构之一.

参考文献：

[1]杭间.手艺的思想.济南：山东画报出版社.2001.

篇（3）

 

从上世纪八九十年代开始，传统手工艺逐渐得到重视并恢复发展起来，但是某些种类的手工艺还是面临重重困难，无论从工艺手段、材质，还是应用价值等来看，都受到很多限制，如果只是作为一种传统手工艺的保留，它们需要社会力量甚至是相关部门的扶持，如果目前只是依靠自身发展，短期内很难振兴，需要重整发展之路，找到和现代社会需求的结合点，并适应现代审美、现代生活的新模式。传统手工艺注重手艺的传承，大部分是靠手工完成，其成本较高，在现代社会，比较难以适应大众需求，但也有部分高端或是特殊消费群体能接受，但类似需求的力量是有限的，不足以推动某一个传统手工艺行业的发展。对消费群体的科学细分将决定产业的出路，决定行业的存亡。 

艺术设计高等教育也面临着很多挑战，艺术设计的核心就是不断创新。在上世纪八九十年代，西方的艺术设计教育理念随着一批海外学者的归来，而逐渐渗入了国内的艺术设计教学领域，高校艺术设计教育的改革和创新就是在这个时期提出和实施的。时隔十几年，国内这些高校仍然在继续改革和创新着，并在不断摸索适合本土的教学模式。 

在通常观念里，传统手工艺产业很难和高等教育联系起来。传统手工艺是作坊式的师徒手把手地传承技艺的模式，它的核心就是将纯熟的手艺绝活保留下来。而高等教育是侧重创新研究模式，它是在否定基础上再肯定，寻求不断的变化和创新。从某种意义上讲，两者的目标是相背离的。但是，它们也有互补性，传统手工艺目前面临的困境是缺乏创新，不能很好地和现代社会的审美和需求结合；艺术设计高等教育面临的问题是缺乏民族性，创新的根基不牢固，并且随着经济的快速发展，如何结合市场经济、企业的产业结构及对人才的需求来调整教学手段也是艺术设计高等教育在思索的问题。正是基于以上存在的问题，两者可以找到发展的共通点，相互弥补，取长补短。 

下面我们将结合江南大学设计学院的教学实践来分析、探讨传统手工艺产业和艺术设计教育的互动现状： 

以下是在当代手工艺教学、实践过程中的一些情况：2009年10月，我和几个做专题研究的学生到江苏省连云港东海县对水晶手工艺产业进行考察。 

首先，对东海县水晶城进行考察。东海县水晶城是东海水晶工艺品的集散地，也是全国水晶原料的集散地。在水晶城里大多是简单加工的水晶工艺品，有的水晶饰品是按份量销售， 基本没有设计，也谈不上什么附加值。当然水晶城里也不乏精品，但是按照水晶石材的档次和雕刻工艺的精美来区分的，目前我们所能看到的最高附加值的工艺品就是这两者完美结合出来的产物。但是就我们所见到的精品，还是以传统题材为主，它所面对的消费群体的数量正逐渐萎缩。 

其次，对当地的水晶企业、作坊进行考察。通过对当地至善坊水晶文化发展有限公司考察发现，目前他们在传统工艺的继承上做到了极致，比如他们雕刻的佛像非常活灵活现，神韵十足。有的水晶还有着非常漂亮的包含物，比如一些有色金属矿物质，会折射出美丽的光泽，挑选这一类材料雕刻成的佛像，几乎每一件都是独一无二的，不可复制的。在艺术品收藏领域中，这种传统工艺品有一定的优势，它具有很高的收藏价值。企业高层非常重视与高校间的交流，意识到传统手工艺行业都面临的种种问题和困难，比如大多数传统手工业没有发展的远景规划，目前遇到的瓶颈就是只能满足对传统工艺的一部分市场需求，也就是不断复制传统的东西，形式上没有创新，消费的群体也比较局限，并且当代设计理念相当缺乏等等。我们深入接触的这家企业在行业里有一定的先知先觉，他们已经开始在自我的定位上寻找新的突破口。 

通过与至善坊水晶文化发展有限公司的交流我们有了以下第一手的资料信息： 

一、规划企业发展战略 

企业在成立至今的6年时间里，以前三年的时间充分融入行业， 在此基础之上实现企业规模扩大。 

二、确定企业文化和理念 

确定“我们的灵魂就是水晶，水晶就是我们的灵魂”的企业文化，提出“艺术化设计、产业化生产”的发展理念，坚持“不换思想就换人”的观点。 

三、引进艺术设计专业人才促进企业发展 

从08年引进第一批艺术设计专业设计师以来，企业在产品的质量、产品的销售、管理模式等方面发展迅速，成绩斐然。 

通过至善坊水晶文化发展有限公司的个案分析，现代艺术设计教育和传统手工艺产业各自存在的利弊有以下几方面： 

一、现代艺术设计教育的优势：现代艺术设计教育具有系统性、开放性、交互性，对品牌意识及打造品牌的理念比较成熟 。 

传统手工艺的优势：传统工艺美术行业拥有精湛的技艺，其产品在收藏市场上具备坚实的基础。 

二、现代艺术设计教育的弊端：由于传统文化和技艺等方面的“断代现象”，设计教育体系下的学生在传统与现代的融合方面存在欠缺，设计作品个性凸显风格前卫，由此导致设计产品与消费群体脱节。 

传统手工艺的弊端：传统手工艺行业面临缺乏创新、品牌意识薄弱、市场分析缺乏科学性以及知识产权的保护措施的无力等诸多问题。 

总的来讲，传统手工艺产业是一个特殊的行业，它的特殊性决定了其半自动化程度，特别是形态复杂的工艺品的加工大部分还是需要靠手工来完成，即使是使用机器，人工对机器操作的熟练程度也很难被电脑程序指挥下的机器完全替代。手工艺在现代社会的价值很高，但是如果只停留在照搬和重复古人的东西，其价值也是低廉的。艺术设计高等教育在传统手工艺产业中发挥了对传统文化精髓的挖掘，与当代设计理念的融合以及对品牌的打造等方面的作用。 现代艺术设计高等教育和传统手工艺产业的结合需要找到适宜双方发展的契合点，看清以上分析的各自存在的问题和具备的优势，这样才利于制定出长远合作和发展的规划，产生良好的互动效应。因此我们还要逐步探索如何和企业产生联动，如何引导消费市场，以及如何增加现当代手工艺术品的附加值，这将是我们艺术设计学科将要继续研究和探索的课题。 

 

参考文献： 

篇（4）

当代工艺美术产业的发展已经成为文化支柱产业，从当前发展情况看，由于人们对传统文化越来越重视，艺术品的收藏已经成为一种投资形式，从而推动了工艺美术事业的发展。此外，随着对传统工艺美术的文化保护力度不断加强，工艺美术产业发展再次受到重视。在我国非物质文化遗产保护名录中，传统手工艺品涉及品种十分广泛。据相关资料统计，我国有8000多项传统手工艺门类入选国家级、省级、市级、县级非物质文化遗产保护名录中。工艺美术已经深入人们生活的方方面面，成为人们精神生活的重要组成部分。中国传统手工艺涉及各个门类，如陶器、瓷器、漆工（泥金、漆、雕漆、堆朱）、琥珀、珊瑚、玳瑁、贝壳、角、皮革、面花、剪纸、珐琅、琉璃、玉石、服装、刺绣、染织等。这些工艺美术在人类历史发展过程中不断凝练，成为中华文化的精髓。这些在生活中孕育而生的工艺美术，不但体现了一种精湛的手工技艺，也透视出人类艺术审美的发展情况，展示出一种活态文化体。这些工艺美术品蕴含着人们的造型思想、审美意识、技术能力、心理价值观念等，反映出中华民族文化世代传承发展的脉络，是人类重要的文化资源。目前，一些高校十分重视对非物质文化遗产的保护和挖掘，在2011年《普通高等学校本科专业目录》（修订2稿）中，“工艺美术”被提升为“设计学”一级学科下的二级学科，这足以证明高校将成为推动工艺美术发展的重要力量，工艺美术专业将成为国民教育的基础科目。作为中华民族文化的载体，工艺美术体现了中华文化的博大精深，并且随着科学技术和创意产业的不断发展，传统工艺美术将成为文化产业的重要资源。

二、高校在引领工艺美术发展中的优势

不断进步的社会发展和生活方式使人们的生活品质发生改变，人们对精神生活的要求不断提升，人们生活的方方面面都与工艺美术品息息相关，尤其对工艺美术品在生活中的装饰需求越来越多。在这样的大背景下要求高校在培养人才方面要与时俱进，培养新型的工艺美术专门人才。高校不能局限于对传统的继承，而要与时代同步，开发和研究传统手工艺与现代人们的审美理念需求，生产和设计出更多优秀的工艺美术产品，从而满足人们的需要。此外，高校教学资源多学科交叉可以解决很多工艺难题，能有效弥补传统手工作坊的设备不足等问题。高校的教学设备资源在保护工艺美术技艺方面占据优势。工艺美术专业以再生产为主要教育形式，对教学设备的要求很高。高校的实验室设备，比如特种机工艺室、传统手工艺扎染和蜡染工艺室、陶艺工作室、金属工艺创作工作室、雕刻工作室等，为工艺美术专业提供了较强的设备资源。

三、高校应在继承的基础上引领工艺美术事业的发展

近年来，一些高校教师积累了保护和传承非物质文化遗产和民间手工艺方面的经验，发表相关学术著作和论文，指导学生参加工艺品设计竞赛。还有一些教师通过出国学习，开阔了专业视野，具备了较高水平的工艺美术专业的教学和科研能力。一些地方高校与当地工艺美术大师和非物质文化遗产传承人建立合作关系，利用地域性资源优势，邀请大师进高校教学，达到资源互补的目的。并且，高校的专业设计思想能够深入传统技艺，在不断磨合中提升了工艺美术品的审美品位。辽宁传统工艺美术历史辉煌，岫玉、抚顺琥珀、本溪剪纸、辽砚、面花、皮影，以及满族服饰文化、锡伯族文化等工艺美术门类内涵丰富，地方特色鲜明，这些传统工艺美术在为辽宁工艺美术文化发展提供源泉的同时，也展示了辽宁工艺美术历史的深层内涵。辽宁省的一些高校应立足辽宁区域资源优势，推动辽宁文化发展与繁荣，为传承民族非物质文化遗产做出贡献，使这些传统工艺美术在当代重新焕发生机，为高校工艺美术专业的发展提供丰富的资源。

篇（5）

基于西方大众文化影响、渗透下逐步发展起来的中国大众文化，其又立足于中华民族传统文化的基础上，而且还可以做到与当代中国其他文化形态并存。根据对其特点进行分析，主要体现为以下几个方面：一是中国大众文化包容西方大众文化，而且将西方大众文化当成其重要的文化资源；二是传统的中国民间通俗文化将丰富的历史文化资源提供给中国大众文化；三是中国大众文化利用与改造精英文化，在精英文化与大众文化两者之间做到相互影响、相互渗透，有相当一部分经典的精英文化作品凭借相应的加工改造之后则发展成为大众文化的有机构成部分；四是主流文化运用于渗透中国大众文化。大众文化作品将国家的法律法规、社会道德规范等隐含其间，从而导致大众在文化娱乐的过程当中还可以对相应思想道德教育获得。大众审美文化的出现使得文化更好的走向大众，从精英、贵族中走向普通老百姓中，使文化的享有权转向多专业提供论文写作、写作论文的服务，欢迎光临dylw.net数人，这也是符合我国主流文化的民主性和科学性要求。

大众文化已成为中国人的日常生活当中不可或缺文化现象构成，其拥有的作用于地位显得越来越重要。艺术家所处的社会文化语境产生艺术，决定了艺术家的创作动机应该是从民众中产生，欣赏与使用的过程则是“回到群众中去”的一个完整审美过程。

二、从技术走向艺术

技术与艺术的首场创造性革命来自于包豪斯设计学院的尝试，近一个世纪过去了，包豪斯所创立的设计理念为后世奠定了理论基础与实践的科学方法。进入21世纪后，设计与艺术结合的愈来愈紧密，在民众的生活中扮演这重要角色，它不仅完成了对批量机械化产品转型，同时引导并启发着大众对于生活美得思考和理念。当工业化脚步迈入陶瓷艺术领域，使得现代陶瓷艺术逐渐失去了往日手工制造，相对地，人性化、艺术化的设计更加受到人们的青睐，这是一场来自于设计艺术的自我革新，与科学技术发展与制造工艺关系甚微。

从当前的陶瓷艺术发展的现状不难看出，陶瓷批量化的生产已经渐渐使人们审美疲劳，相反，大众更加喜欢形式考究、注重欣赏陶瓷艺术人工性、手工艺的本质。陶瓷艺术的这种转性变化看似突然，实则必然。早在20世纪70年代，西方学者就提出，由于当前高科技、高机械化和电子时代的来临，人们在享受这种便利的同时，往往使用需求与生活情感需求相失衡。奈斯比特在《大趋势——改变我们生活的十个方向》中写道：“无论何处都需要补偿性的高情感。我们的社会里高技术越多，我们就越希望创造高情感环境，用技术的软性一面来平衡硬性的一面。”在这里奈斯比特所指的“高情感”即是符合艺术美的生态设计和符合手工艺术之美的艺术之美。而当前备受推崇的“创意手工陶瓷”则是此类具备高情感设计的代表，创意手工陶瓷脱离了当前机械化生产的模式，进入了小批量个性化设计领域，更加注重汲取手工艺造物的情感特点，使其具备设计与工艺的双重艺术美。

三、从地域走向国际

任何文化只要有历史，就会有传统。这种文化传统包含着深厚的民族心理、道德风俗以及社会意识形态，随着全球经济一体化进程的推进，民族文化间的交流日益加深，中国陶瓷艺术也逐渐展现出国际化的创作特征。

我们谈到陶瓷艺术创作设计中，已趋向于国际化设计的品相。首先在造型上选取西方日用瓷设计之长，其次，在装饰设计上，将西方设计理念和部分元素符号与中国传统纹样相结合，有着较高的审美趣味。企业需要推广品牌，出口外贸需要符合对象国大众审美习惯，这是这一变化的直接原因，同时民族间的文化交专业提供论文写作、写作论文的服务，欢迎光临dylw.net流促使现代设计朝向多元化、人性化、艺术化的方向发展也是现代设计的大趋势和必然。

陶瓷艺术从地域走向国际的另一个因素便是传播媒介的扩大，拉近了中外艺术的距离。改革开放后，中外导演学者筹划并只做了许多有关中国陶瓷艺术的纪录片，其中卓有影响的有董浩珉《瓷路》和央视跨国打造的纪录片《china 瓷》等。《瓷路》摄制组辗转欧亚两地，在世界范围内探索中国古代陶瓷的影子，在中外陶瓷艺术爱好者中产生了巨大的反响。此外，《china 瓷》这部纪录片联合了英国大英博物馆、英国瑰丽维多利亚与艾博特博物馆与中国国家博物馆一道，设计组从中国外销瓷为主线，足迹踏遍欧亚8个国家和重要港口，此次纪录片在摄制和交流活动中无不体现出陶瓷艺术国际化合作的特征。此外，在现代陶瓷交流活动中，一些针对外贸的企业针对自身产品特色与出口国人文特点等拍摄了大量的宣传片投放于外文网站，对于促进企业进步与世界陶瓷文化交流具有双重意义。以陶瓷为创作动机的电视剧电影的制作也是陶瓷艺术国际化的重要媒介之一，例如热播的电视剧《大瓷商》和《剩女的代价》都是以陶瓷艺术为剧情主体，不仅在大陆范围内深受喜爱，在台湾地区、韩国、新加坡等南亚地区亦有较高的收视率，这种软性文化输出，将中国陶瓷的风貌潜移默化的带给观众，使得中国陶瓷国际化的影响力更加深入人心。

四、从传统图像提升到当代创作

（一）重构扩大了中国传统图像语言

传统图像包括纹样、图腾符号、民间美术以及具有民族审美特质的具象画面或艺术语言。中国历朝的图像内容都有所不同，或有创新发展，或有倾向性探索，作为一门开放性学科，有着自身的发展格局，但总体而言，传统图像语言总是与中国民族的审美意识形态息息相关的。现代陶瓷艺术创作在画面装饰中，注重突破传统，在把握图像基本构成原理上将传统的图像符号进行拆分重构，从而形成了现代陶瓷艺术创作装饰的新风貌。例如学院派代表陶艺家秦锡麟的作品，在图案运用上不拘一格，善于提取中国传统图案中的经典样式进行分割，且以手工胎质泥性特点构成独特的点面装饰，具有强烈的民族装饰意味和艺术美感。

（二）二是将传统图像综合为民族艺术符号运用到创作中

从文化学层面而言，中国传统图像并不仅仅作为一种具象的可识符号为传承的，它更多是作为一种民族心理与审美自觉共同作为中国文化体系的一部分，构建成为完整的民族文化体系。在中国传统图像的形成与发展过程中，亦有着其严密的科学步骤和意象考究。现代陶瓷艺术创作并不仅仅依靠有形的图像语言为创作元素专业提供论文写作、写作论文的服务，欢迎光临dylw.net，艺术家逐渐从图像中去寻找中国文化脉络的本源，将图像符号演化为一种民族精神的自觉，从更深层次探源陶瓷艺术与中国文化的关系。例如景德镇乐天创意集市中某仕女茶具装饰中，作者选取了中国仕女这一传统形象，但从具体的形态设计上，突出了现代、趣味的艺术特征。

参考文献：

篇（6）

我留美回国后在上海嘉定区残疾人文化创业基地--“阳光工坊”工作，主要负责搞设计。从而了解、迷恋上国家非物质文化遗产“萦绕指尖”的黄草编织和“以刀”的嘉定竹刻，并有幸零距离接触古老而神秘的民间艺术。

“阳光工坊”是助残公益服务项目，旨在通过把残疾人士就业与非物质文化遗产相结合的方式，鼓励、支持残疾人士学习、掌握工艺技能，以传承嘉定手工艺并带动一大批残疾人士就业，通过就业来证明自身价值，树立自信，提升社会认知度，认可残疾人士的人生价值与尊严。

那年，我与“阳光工坊”四位残疾手工艺人被通知去参加上海工艺美术职业学院举办的“全国非遗传承人群研修培训”。在培训第一天的欢迎仪式上，文化部非遗司马盛德司长说：“残疾人是社会的弱势群体，正因为特殊的条件，赋予了他们传承非物质文化遗产的可能。”他的话引起我的共鸣与感动。不少残疾人士为了维持生活或者兴趣爱好，他们更能踏实，能吃苦，有不可忽视的耐性，有未被挖掘的天分。他们努力去掌握一项技能，并虚心扬长避短，不依靠别人，不给家庭增加负担，为社会贡献自己的一份力量。残疾手工艺者竹刻小徐真心倾诉：“世界对我来说是无声的，喧嚣或者寂静，对我并无差别。竹刻是无声的艺术，它只与你内心对话，但不知为何，每次我潜心雕刻时，好像都能听到竹片在刀尖下发出的沙沙的声音，我知道这是它在蜕变。就像我一样。竹刻对我的生活产生非常大的影响，我的心态变得更好更稳，时间也变得更慢，让我可以沉淀下来好好回味。至今我还没遇到过刻不下去或中途放弃的作品，因为我相信只要时间足够长，慢慢刻，总能把作品刻完。”竹刻小王感叹道：“学会一门传统手工艺，是我和这个世界对话的方式。人总要与世界沟通和对话，我的方式就是竹刻。”草编小沈说：“能和黄草编织结缘，对我真是一种奇妙的缘分。黄草从地里收割，一点都不起眼，到了我手里居然能编织成这么漂亮的拖鞋、包包、果盒，这难道不是一种缘分吗？”草编小周也谈到：“从地里收割下来的黄草，每一根都长得一样。为什么当它们挂上货架时，有的是南瓜包包，有的是漂亮的草帽，还有的是礼品盒？因为我们赋予了它们不同的形状和生命，只要人的智慧和意志力存在，古老的手工艺制作就不会消失。”

如今非物质文化遗产渐渐成为残疾人就业的渠道。在此，我要借用“非遗培训班”陈小如老师的话：材有千差万别，但无高低贵贱，天生其材必有用。认识材，尊重材，顺材自然，因材施艺；也借用“非遗培训班”负责人姚诞老师的话：残疾人士身残志不残，天生我才必有用，能与“非遗”领域的艺术家一样撑起一片艳阳天！

在欧洲和美洲，有许多知名的残疾手工艺者，尤其是聋人艺术家，他们作品让人感到惊艳与奔放。视觉是聋人独特的、观察世界的方式。由于聋人失去了听力，他们只能以视觉为重心来观察、分析、感受世界，由此练就出不同的生活本能：用双眼去听，用双手去说。在视觉上往往比有听力的人更加敏锐，更加善于察言观色、模仿形象、抓住特点。于是孕育了聋人历史上的新艺术运动――视觉图像艺术（Deaf View Image Art，简称De’VIA）。聋人视觉艺术家洞察特别，想象奇异，表现惊艳，体现出特有的思想内涵、人生观及生活态度的与众不同。

比如美国聋人艺术家Tony Landon McGregor创作风格明显，喜用葫芦作为材料，通过烙画、针刻、彩绘等艺术形式，使葫芦成为一件件具有自己风格的工艺品。他的创作作品与他出身的环境及生活周围的景色有着密切的关系。Tony出生在德克萨斯达拉斯郊区，从小深受美国西南地区本土文化（包括印第安文化）的熏陶，对本土艺术有浓郁的兴趣。他的博士论文题目是关于纳瓦霍纳（Navaho，亦作Navajo，是美国印第安居民中人数最多的一支）地毯编织工艺聋人的回顾生活史和典型案例研究。说到古老而神秘的印第安民族，我们不得不说北美印第安人对艺术做出的杰出贡献：如独具风采的陶器和编织精美的织物。另外，大量研究发现印地安部落间经常用手语来交流，是因为各部落用的语言不一样，只能用手语来沟通明白彼此的意思。从他的烙画葫芦艺术作品可以看到他对两个文化（聋文化和西南部印地安文化）的痴迷并发挥得淋漓尽致，开拓了聋人视觉图像艺术的新领域。在《三个西南地区的手语》上，他把二十六个字母的手势符号和三个大型美国手语化的动物（蝴蝶、鱼、鸟）融合在一起，体现美国经典西南地区的特色并不失自己独特的聋人文化。他的另一幅作品《龟》，诠释古老而神秘的印第安部落分别采用狼、老鹰、乌龟等动物作为他们的图腾崇拜，阐述印第安人敬畏动物，崇尚天地，膜拜自然。Tony也采用本地手语来构成“龟”的形象，蕴含了印第安部落对祖先和神灵的虔诚敬仰，同时表达了他们用手语作为重要的、有效的沟通方式。

世界各国都有许多擅长工艺制作的残疾人士，后来就有了四年一次的国际残疾人职业技能竞争大会，这项活动起始于1976年。为了进一步唤起社会对残疾人的关注，联合国大会宣布1981年为“the International Year of Disabled Persons”（国际残疾人年），并确定了“全面参与和平等”的主题。同一年，联合国和国际康复会决定举办Abilympics（技能奥林匹克），来源于英文中Ability（能力）和Olympics（奥林匹克）两个单词，在中国被解释称为“国际残疾人技能竞争”。项目不但有计算机科学与技术的职业技能比赛，还包括手工艺技能的竞争，比如Basket Making（藤编）、Jewelry Making（珠宝制作）、Wood Carving（木雕）、Embroidery（刺绣）、Hand-Knitting（手编）、Batik（蜡染）、Pottery（陶艺）等等。国际残疾人技能竞争大会先后在日本、哥伦比亚、香港、澳大利亚、捷克、印度、韩国举办过，今年将在法国进行第九届Abilympics。这次竞争大会无疑是残疾人士自强不息、才艺展示的精彩舞台，也是一个开阔眼界、增加各自工艺技能了解，增进各国残疾人友谊的国际大平台。我们一定要利用好这一平台，展示中国残疾工艺人的风采。

再回到“非遗”的话题。我认为，如果“非遗”仅仅停留在保护的层面上，而不是紧跟时代步伐或走在时尚生活的前沿，将会面临被高科技手段替代的危险。“非遗”的重要灵魂依然在于手工艺的精湛与手艺人的创新。我还认为，“非遗”仅仅崇尚传统与精神，而不去提升它的经济效益与占领市场，也难走得更高、更远。所以“非遗”必须走与市场相结合、与互联网相结合的道路，步伐才能更加坚实。

几年来，“阳光工坊”尝试通过多渠道、多形式、多对策的创新，努力改变目前科技发达对传统手工艺不利的现状。

一、让“非遗”工艺深入群众，进入社区。“阳光工坊”携手上海科学技术职业学院（人文与社科系）、上海工艺美术学院（视觉艺术学院）举办“2014年创新草编和竹刻设计大赛”，一来弘扬嘉定传统工艺特色“黄草编织”和“竹刻”艺术，二来促进残疾人与健全人的相互理解、合作共进。展示两院大学生的艺术设计创新能力，为学生提供社会实践舞台，提高学生对“非遗”手工艺学习的热情。

二、紧跟互联网时代。“阳光工坊”在嘉定区政府、区残联、京东集团的鼎力支持下，正式入驻“京东商城”并且开通了绿色通道。通过网络平台，可以快速、清晰地展示“阳光工坊”手工艺品与手工艺人，让更多的人看到残疾人士的优秀技能与创新潜能，并能逐步促进残疾人就业，推动残疾人同步实现全面小康。

三、工艺美术设计师任重道远。众所周知，现今时代产品的包装和品质提升无疑是打开市场的关键。在“看包装选产品”、“设计提升颜值”的时代，一方面产品的推广和时代的发展有着越来越紧密的联系，另一方面人们对产品的“眼高与挑剔”、“时尚与传统”的需求与日俱增。所以，提升民间手工艺产品的档次成为设计师的新课题。

我在“阳光工坊”做商标和包装设计的思想是：给人们留下深刻的第一印象，就是“让爱的阳光普照大地，生命不存在‘残疾’”，并在无声中叙述着每一件作品背后的励志故事，演绎残疾手工艺人不自怨自艾、刻苦乐观、不断创新的精神。如我接受顾客的特殊要求，为国际朋友设计黄草编拎包加一个英文姓名的图文，因具有中国特色又不失国际化的时尚与大气，让外国友人感叹万分……

“非遗”的传承和发扬光大是一项长期的、艰巨的文化工程，我虽然是一名残疾人，但我有责任也有信心与大家一起，为这一造福后人的重大工程共同努力，让“阳光工坊”的设计作品更加精致华美、光彩夺目。

参考文献：

〔1〕Deborah M.Sonnenstrahl.Deaf Artists in America： Colonial to Contemporary.DawnSignPress.2002

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项目来源：2013年度浙江广厦建设职业技术学院课题研究成果，项目编号：RWZD6

浙江广厦建设职业技术学院（以下简称我院）地处浙中腹地，具有“教育之乡、建筑之乡、工艺美术之乡”之称的东阳市，经过十多年的经营与发展，为地方经济、文化、产业的发展的起到的举足轻重的作用。而同位于东阳的东阳木雕，是国家级非物质文化遗产项目，众所周知非物质文化遗产具有易流变性的特点。因此，如何利用区域高校对地方非遗项目进行保护，有哪些优势与不足，本文将以我院对东阳木雕非物质文虎遗产的保护为例进行必要的梳理与研究。

1、非物质文化遗产的概述与现状

联合国教科文组织在《保护非物质文化遗产公约》中对其的定义是：“被各社区、群体、有时为个人，视为其文化遗产组成部分的各种社会实践、观念表现、表现形式、知识、技能及相关的工具、实物、手工艺品和文化场所。这种非物质文化遗产世代相传，在各社区和群体适应周围环境以及自然和历史的互动中，为这些社区和群体提供持续的认同感，从而增强对文化多样性和人类创造力的尊重。”包括了“一、口头传统和表现形式，包括作为非物质文化遗产媒介的语言；二、表演艺术；三、社会实践、礼仪、节庆活动；四、有关自然界和宇宙的知识和实践；五、传统手工艺。” [1]

然而，随着非物质文化遗产概念的提出并以《公约》的形式加以固化，以及随着各国政府对本国非物质文化遗产概念的进一步细化与落实，学者对非物质文化遗产相关内容的进一步梳理与研究等。目前，我们认为人们对非物质文化遗产的认识有了质的提升，对其传承与保护有了相关法律法规的依据，并在资金、政策上进行了保障。正因为“非物质文化遗产，是民族传统文化的精华，是民族特有智慧的结晶，是人民创造力的体现，是中华民族精神和文化的象征，也是保留世界文化多样性不可再生的宝贵资源，对人类文明的传承发展具有不可替代的作用。” [2]但是，非物质文化遗产目前基本都出现了“后继乏人”，甚至出现了“人亡艺绝”的现象。所以，我们认为，利用并发挥不同机构与组织的特色与优势，积极地参与到非遗的保护行列中来，为人类文化的传承起到应该的作用。

2、区域高校对地方非物质文化遗产保护的内容与作用

文化在人类的进步与发展上起到了核心的地位和作用，而高校作为文化的传承、传播与发扬的主要场所，特别是区域高校在对地方文化的传承与传播方面所起到的作用是其他组织机构所不能达到的。因为，区域高校首先具有地方优势，对地方的文化与传统、习俗与民族风情应具有清晰的了解；其次高校是知识分子聚集的地方，具有人才的优势；再次高校具有丰富的教学、生活、娱乐等传播场所；第四高校教师具有科学研究，为地方经济文化服务的知识与能力等。

因此，我们认为区域高校在为地方非遗的保护上所起到的作用主要体现在以下四个方面：（1）对地方非物质文化遗产的发展历程、文化背景、历史文献等方面进行调研，收集与整理相关资料进行研究；（2）对地方非物质文化遗产的科学保护提出相应的策略与途径；（3）对地方非物质文化遗产的生产工具、现存实物、文献等进行保存与展示；（4）对地方非物质文化遗产作为相应的专业或者课程设置，并向年轻学生进行传播，起到推广与传承的作用；

3、我院对东阳非物质文化遗产保护的启示

东阳木雕作为入选首批国家级非物质文化遗产项目，与其他的非遗项目一样，在当下均面临着如何传承与发展的问题，后继乏人是非遗所面临的首要问题。而目前东阳市把传统手工艺，特别是传统家具的设计与制作作为区域经济的支柱产业之一。一方面如何把一项具有悠久历史的传统手工艺保护与传承好，另一方面又如何为地方经济与文化作出区域高校应有的作用。鉴于以上背景，我院于2008年申报了全国唯一一个《木雕设计与制作》专业，实行了科学的现代高等教育式传统手工艺人才的模式，取得了较高的成果。

3.1、实现了现代模式的人才培养

传统手工艺的人才培养主要是依靠师傅的传帮带和口传心授的模式进行，而我院的《木雕设计与制作》专业的人才培养，在借鉴传统工艺的传授特点的基础上，注重了人文知识、传统技能、拓展素质的培养，如注重了《大学语文》、《艺术概论》、《工笔白描》等课程。同时，在专业的学习上实行文化课与专业技能的分离，即上午学习文化课，下午入专业实训室进行专业实践，以此提升专业技能。而在具体的专业学习上，公共文化课由基础部教师的担任，专业基础课由高水平的专业教师担任，专业实践课由专业教师和具有丰富实践经验的高级技师共同担任。在人才的培养上以此实现立体式、环形式的培养。

3.2、实现了高素质的人才培养

在工艺美术历史上，传统艺人的地位并不高，留存到目前的传统手工艺典籍寥寥无几，正是由于受到传统手工艺人自身文化等方面的制约所形成的。而目前我院实行的高水平的人才培养，首先，起点较高。要是招收当年统考统招的应届高中毕业的艺术类（美术）考生。其次，该类学生在经过了前一阶段的学习，在文化知识、美术基础、综合素质已有了基本的积累，而在对文化知识的接受能力、理解能力、艺术欣赏能力、想象能力、创造能力上也有了质的提升。为后续的专业学习打好了扎实的基础。

3.3、实现了专业基础与专业技能无缝衔接的人才培养

在人才培养上，我院以任务为驱动、项目为载体、校区合作的培养模式。实践中学生需带教师下发的任务要求进行前期准备。如教师下发要求学生练习作品《荷》，学生需进行前期的资料收集与临摹，再在《工笔白描》课程上，教师对《荷》进行讲解和演示绘制过程，以此让学生掌握基本的绘画知识、技能与技巧，后带学生进行专业写生，让学生在现实中了解绘画对象的本质特点，在此基础上再进行艺术加工，并以此为模本，再进入实训室在专业教师和技师的指导下进行雕刻，并对最后呈现的作品实行展示，邀请专家进行点评，从而提升学生的再创能力和专业素养，实现了专业基础与专业技能的无缝衔接。

3.4、实现了科学研究促人才培养质量的提升

由于我院的《木雕设计与制作》专业是全国唯一一个专业，因此，我院在全面的前期市场调查的基础上，制定了的人才培养目标与课程设置。并利用如陆光正大师等高端人才优势，收集编写了《东阳木雕概论》、《东阳木雕传统图案集》、《工笔白描》等专业教材。并在基础上，积极申报各级各类课题和撰写论文，已完成《东阳木雕非物质文化遗产的“活态性”保护》等课题多项和《东阳木雕的人才培养模式的探索》等论文多篇。我院教师积极地对东阳木雕以及人才培养方面进行多视角、多维度地梳理与探索，为我院《木雕设计与制作》专业的人才培养实现了科研促进人才培养质量的提升。如国家级工艺美术大师冯文土对我院毕业生的评价。“学校3年培养出来的木雕专业的学生，可以顶得上我7年培养出来的徒弟，不仅在于这批学生有文化水平高，觉悟高。学院的培养也是非常成功的。” [3]

4、我院对东阳非物质文化遗产保护存在的不足

非物质文化遗产的保护是一项系统工程，其核心在于人才的培养。但我们认为我院在对东阳木雕的保护上还存在一定的不足，主要表现在以下两个方面。

首先，在人才培养上存在一定的单一性。东阳市目前在木雕产业化的过程，主要在红木家具方面，而我院目前的人才培养主要还是集中在了传统形式中，对家具设计与制作方面的教学方面还不够。其次，在课程设置上对非物质文化遗产方面知识的教授还不够深化。目前设置了《国工艺美术史》等方面的课程，而对非物质文化遗产的概述、特点、保护的核心内容、方法与途径等方面，对目前的学生而言还一概不知。因此，我们认为在目前的课程设置上因增加《非物质文化遗产概论》等课程，为将来该项目的有效保护储备人才。

参考文献：

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1 概述

古老的东巴象形文字和丰富多彩的宗教活动、多神崇拜、纳西人民对理想生活的向往组成了多姿多彩的纳西东巴传统美术。东巴传统美术将纳西民族的神秘性、地域性、民族性特点表现的淋漓尽致。纳西东巴传统美术的内容有：东巴图腾符号、东巴舞谱、东巴图画象形文字、东巴绘画等内容，其包含的主要内容有：（1）东巴象形字及经书，丽江东巴文字为世界文化遗产，在东巴象形字及经书中带有图画色彩的象形文字有1400多个，是世界上唯一活着的象形文字，具有象形性、符号性等特征。（2）东巴画，包括木牌画、纸牌画、布卷画和经文画几大类。东巴画包含古代了纳西族的世俗生活、民族信仰、理想世界的描述等，画中鸟兽虫鱼、树木花草、人物形象，如“青蛙、大鹏鸟”等数不胜数。（3）东巴仪式中产生的传统美术，东巴仪式集唱、舞、纸扎、绘画于一身，纳西族有众多图腾崇拜，由此衍生了许多集体祭祀活动，如祭天、星、风、山、水、火等。在宗教祭祀仪式中制作使用的绘画、木偶、面偶、泥塑和各种竹木编扎品等祭祠用品。（4）明代壁画，丽江有3处10多幅明代壁画，集儒、佛、道于一体，列为国家重点文物保护单位。（5）纳西民族传统手工艺中产生了众多美术作品，如纳西木雕、丝织、皮革工艺等，众多工艺中产生了许多独具特色的美术作品。

2 纳西东巴传统美术与现代旅游工艺品设计之间的关系

2.1 形势所趋，条件具备

丽江旅游资源丰富，独具特色，旅游业的发展对丽江的经济发展有着重要影响，随着丽江旅游市场的兴盛，丽江相关的旅游工艺品也相继发展。旅游工艺品进行开发设计、生产经营能带动相关产业的发展，对其进行设计经营对于旅游行业经济效益的提高有着重要作用，旅游工艺品可挖掘的市场潜力大，消费弹性较大。再者，旅游业的发展对丽江的东巴文化和传统手工艺是一种保护和传承。通过丽江纳西旅游工艺品规划，将对丽江旅游经济的发展、旅游市场的开拓、东巴文化保护、纳西传统手工艺传承起到极大地推动作用。探讨纳西东巴传统美术与现代旅游工艺品设计之间的连接有着重要作用和意义。

2.2 合理利用，限度开发

丽江纳西族东巴传统美术的艺术特色与现代工艺品的设计相结合的方式可通过：（1）华，保精髓。纳西东巴传统美术主要记录了东巴祭师在祭祀活动中装扮成各种各样神佛人物、东巴神话传说、妖魔鬼怪的形象等。寥寥数笔就将人、物、形等形态跃然纸上，生动自然，从侧面反映了纳西东巴对图画的理解和对画面的处理能力。在现代的工艺品设计中，吸取其精华，将东巴绘画中的形的绘制形完整的表现在现代的民族工艺品设计中，或者对其形中完美的部分进行保留，对其不太完美的形或进行修改或重新设计。又如纳西族建筑上的悬鱼板图案以富有吉祥和镇宅寓意的鱼、双鱼、莲花、八卦，或精雕细刻、或抽象的概括出图案形态，上有镂空、浮雕、线刻等形式将数个图案相连。在对其进行研究和设计时，可对其进行深入观察分析，找到合理的部分，如利用它的制作工艺，利用它的完整图形等，华，保精髓。（2）用现代的设计方法进行再设计。东巴传统美术有着不可替代的历史文化意义，需要用现代的设计思维来重新审视这一古老文化。纳西东巴传统美术，由图案、纹样、造型、色彩、材质、制作工艺等造型要素所构成。形上：对其用现代的设计技巧技法、以现代的设计审美观念，从纳西东巴传统美术中提取形的要素，结合现代的构成手法手段，如：打散重构、变形、置换、切割、变异等方法。对丽江传统美术中提取的形的再设计再创造，这种再设计是在对形理解的基础上，取其“形”而传其意。应用的步骤为：以传统图形为起点，通过联想寻找素材，引发想象产生新形，把相关形象加以提炼、分解、解构、重新组合，从而产生新的图形。色彩：吸取东巴传统美术原图形中的色彩，将其色彩应用在工艺品设计中，同时也对色彩进行现代化再设计。材质和加工工艺上可进行原传统美术中的材质，也可替换材质。总之应用现代化的手法对其进行再设计，即二次设计。形态、色彩、组合、材质、肌理表现，按照旅游工艺品的主题将这些造型元素以符合美学规律的形来呈现，这样的东巴传统美术元素能从自身的形态中传达的精神属性。（3）传统元素与现代技艺的结合：将东巴传统美术结合传统手工艺技法，开发设计出具有丽江地域特色、民族特色的旅游商品。将东巴文化引用于现代工艺设计中，它将赋予新的含义和新的生命，寻找到适合能展现东巴传统美术的工艺手段，如金属工艺、漆画工艺、毛皮革加工、木工艺及编织工艺等，将不同的东巴传统美术结合不同工艺的特点、表现技艺的不同表现手法、表现形式。设计出具审美价值和实用功能相统一的旅游工艺品。对于如何将东巴绘画中的各元素融入到自己的设计创作中，使之更为适应当前市场的消费需求，并让来丽江的旅游者在旅游过程中对丽江的特色工艺品有所了解，并产生消费欲望，并付之行动，推动丽江纳西族独特文化和民族工艺的持续发展。（4）尊重其信仰进行再设计：在对将东巴传统美术进行设计时，不能‘操刀切肉’简单式操作的，而是深层的认识、清楚的剖析。纳西传统美术中彰显民族对自然敬畏和欣赏，在民族心目中，崇尚生命本体、歌颂人的群体力量。如：丽江东巴祭祀时，在神坛挂有大鹏食蛇的神轴幛，这是纳西族信仰崇拜的神轴图形。如纳西族的“七星披肩”，源于日、月、星、辰的崇拜或是青蛙图腾崇拜。纳西族在色彩运用方面，具有强烈的阴阳、善恶观，如黑白二色，白色代表正义与善良，黑色相反。在对图形和色彩进行再设计时，应该注意尊重本民族的风俗、习惯。尊重本民族的信仰为前提，尊重其民族禁忌。站在从对将东巴传统美术传承与保护的角度，设计师应有这样的责任和义务。

2.3 相互促进，和谐共生

以纳西族的审美意蕴为途径、以旅游工艺品的功能性设计为途径。将东巴传统美术引用于现代旅游工艺品设计中，它将被赋予新的含义和新的生命，将其与丽江兴盛的旅游市场进行结合，这是对东巴文化的延伸与发展。东巴传统美术现代旅游工艺品设计提供设计源泉，提供设计思路，同时文化能提升旅游工艺品设计的内涵，为工艺品设计带来文化附加值，将东巴传统美术引用于现代旅游工艺品设计中也是旅游工艺品设计行业走民族化、时尚化、个性化道路一次探索。

3 结语

旅游工艺品设计来源于生活，来源于文化。东巴传统绘画有着丰富的内容，我们对它的研究不应仅仅停留在祭祀仪式的整理、经文的翻译等方面，应更注重对其现代实际价值的挖掘。以期开发设计更多更好的适应游客需求的旅游商品，使其对活跃丽江的旅游商品市场、促进旅游经济发展、塑造丽江的良好形象都起到积极的作用。

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文化作为衡量国家软实力的重要标准，日益受到重视，而中国作为一个多民族的国家，民族文化的传承与创新也备受关注。因此，探讨地方高校的发展对于地方民族文化传承创新能力的提升，对于地方高校的发展与急需传承和创新的民族文化而言都有重要的意义。民族文化的传承与创新是一项涉及面广、任重道远的工程，需要国家、社会、高校等各方面的协作，地方高校在其中起着不可忽略的重要作用。民族地区地方高校建立在经济与社会发展相对滞后的少数民族集聚地，除了为地方建设培养人才、服务地方之外，还肩负着传承民族文化的任务。地方高校的发展能够有效提升本地区民族文化的传承和创新能力。

一、地方高校的发展能够加强本地区内各民族的交流

英国哲学家伯特兰•罗素曾说：“在往昔，不同的文化接触是人类进步的路标。希腊学习埃及，罗马借鉴希腊，阿拉伯参照罗马帝国，中世纪欧洲又模仿阿拉伯，而文艺复兴时期的欧洲则效仿拜占庭帝国。”可见，纯粹属于某一民族的文化很少存在过。与各民族之间自然、感性的文化交流不同，地方高校为本地区内各民族提供的文化交流方式更为明确和具体。在我国少数民族地区，文化观念的落后及其保守性造成了作为社会变迁主体的人的“价值困境”——对于新思想、新行为和新事物缺乏主动接受的意识，从而使民族文化结构缺乏现性因素的碰撞，造成民族社会变迁动力的不足。而地方高校的发展，恰恰为民族文化的创新提供了强大的动力。首先，地方高校的师生大部分来自于本地区的各民族，随着地方高校的发展，来自其他省份、地区的教师和学生不断增加，这种大规模的聚居为外地民族文化与本地民族文化之间的交流提供了更为便利的条件。其次，地方高校通过思想观念的传递将外来的先进文化输入到师生的思想观念中，有助于改变民族地区保守、落后的文化观念，使本地区的民族文化与外来先进文化得到有机的融合。再次，地方高校还可以通过传授知识技能提升本地区民族文化创新能力的基础，如通过地方高校知识技能的教育，可以改变民间传统手工艺父子师徒世代相继、口传身授的传承模式，使传承更加规范、系统与科学。最后，地方高校的科研进步和实验设备的不断更新，可以推动传统手工艺与现代工艺相结合，优化民族传统技艺，为民族文化创新奠定扎实的基础。通过教育，地方高校除了能够改进民族文化的传承方式之外，还能够提升民族成员的文化水平，提高整体民族素质。

二、地方高校的发展为本地区的民族文化创新提供了组织保障

地方民族文化的创新虽然具有一定的自发性，但是更需要相应的社会体制的支持，因为制度可以通过激励和约束的机制将个体成员的行为与奖惩机制结合，最大限度地调动个体的积极性。而地方高校的发展能够为民族文化的传承和创新提供可靠的组织保障。第一，地方高校可以在院校范围内建立民族文化相关的研究所、学生社团等组织，并制定相关的管理办法，对这些团体进行管理。第二，地方高校可以根据本地区的实际情况，在教育、文化、民族事务等部门的领导下制定民族文化人才培养方案，聘请非物质文化遗产传承人到院校担任兼职教师，并且完善聘用程序。第三，地方高校可以为民族文化传承创新活动提供场所和一定的经费保障。如贺州学院“广西东部族群文化研究基地”成立于2005年，广西壮族自治区财政厅于2008年拨付建设启动资金20万元；贺州学院给予配套资金10万元，并为本基地配备了相关办公条件和专职人员；2010年基地获得国家财政部支持地方院校发展专项资金200万元。可见，地方高校可以将相关经费直接投入到民族文化的传承与创新上。

三、地方高校的发展丰富了本地区民族文化传承创新的方式

第一，通过课程设置对本地区少数民族文化进行传承与创新。地方高校开设具有地方民族特色的课程，既能够展现地方高校的办学特色、实现错位竞争，又能够对少数民族文化进行传承与创新。如百色学院开设的少数民族工艺欣赏、民族纹样设计、民族包装设计、旅游工艺品开发等课程，既可以让学生了解和认识地方传统民族文化艺术，又可以促使学生对民族图案、手工艺品进行再设计，并运用到现代包装、服装、海报、室内装饰设计中，从而使传统的图案、工艺等得到创新和发展，同时有效提升了百色地区少数民族文化的创新能力。而贺州学院的“南岭走廊非物质文化遗产保护大学生志愿者服务社”则以志愿服务的形式使大学生直接参与到民族文化遗产的传承与保护中。针对传统的民间技艺，如蜡染、编织、陶艺、竹藤编织等项目，可以通过田野调查或将民间手工艺人请入课堂等形式，使学生与民族传统文化技艺进行近距离的接触，并且能够亲自动手进行手工艺品的制作。这样学生既掌握了一些民族手工技艺，又能够将学习到的民间手工艺的艺术风格和工艺运用到现代产品设计中，也是对传统艺术的一种创新。而在旅游纪念品开发类课程中，师生通过不断地挖掘地方民族文化，将地方的一些手工艺品、服装服饰、生产工具、乐器等进行再设计，将其传化为旅游纪念品，通过游客传播到各地，更是对民族文化的一种传承创新和传播。百色学院教师申报的课题“广西民间传统工艺产业化开发模式研究”获得了广西社科基金立项，是对民间手工艺创新开发的进一步研究。此外，通过指导教师的引导，很多学生在毕业论文、毕业设计中将民族文化艺术研究、民族文化创新应用等内容作为选题，取得了一些成果，并将一些设计转化成了商品。可见，地方高校通过思想引导、课程设置等手段使地方民族文化艺术深入学生的意识中，有效激发了广大师生对民族文化艺术的兴趣，有助于民族文化艺术传承后人、焕发生机。第二，通过学术研究、建立研究机构、举办学术论坛和研讨会等形式对少数民族文化进行传承与创新。百色学院建立的广西高校优势特色学科“语言学及应用语言学”是西南边疆壮族非物质文化遗产研究创新人才培养基地和广西文科中心的签约基地；贺州学院的“广西东部族群文化研究基地”，河池学院的广西高校人文社会科学重点研究基地“桂西北少数民族非物质文化资源研究基地”“教育部人文社会科学重点研究基地中国少数民族研究中心红水河文化研究所”等都是地方高校建立的地方民族文化研究机构。此外，地方高校可以与本地区的民族文化传承中心合作办学，聘请民族文化传承中心的业务骨干入校担任指导教师；同时，文化传承创新中心也聘请了地方院校的师生参与非物质文化遗产的传承与保护工作、相关作品的创作等。地方高校的教师也对本地区民族文化的传承与创新进行了深入研究，发表了大量论著，如百色学院教师撰写的《广西西部壮族非物质文化遗产与民间美术调查研究》、贺州学院教师撰写的《贺州民间特色传统节庆文化的保护性开发研究》、河池学院教师撰写的《壮族民间音乐的传承与发展研究》等，提升了本地区民族文化艺术的创新能力。举办学术论坛、研讨会可以将民族文化传承创新方面的专家、学者邀请到地方高校，共同探讨民族文化的传承与创新。学习先进经验，深入进行学术交流，对于民族文化的发掘、保护、传承与研究都能够起到积极的推动作用。如由贺州学院和原生态民族文化高峰论坛秘书处联合主办、广西东部族群文化研究基地承办的第二届“中国原生态民族文化高峰论坛”，以及在河池学院举办的“第四届仫佬族文学研讨会”等对地方民族文化的研究传承与创新都起到了一定的推动作用。第三，通过整理、出版、翻译民族文化艺术有关文献对民族文化进行传承。由于地方高校处于少数民族聚居地区，很多高校教师就是少数民族，对地方的民族文化艺术有一定的认识基础，而这部分具有一定专业素养的教师以地方高校现有的研究成果为基础，每年发表大量关于民族文化传承创新的论著，此外，还对民族文化艺术相关历史文献进行搜集、整理、翻译出版，这些是地方高校为民族文化艺术的传承创新所做出的贡献。如获得国家社会科学基金西部立项的项目“壮族典籍英译研究——以布洛陀史诗为例”，将壮族的传奇史诗《布洛陀史诗》进行翻译，并以原古籍抄本五言诗体进行编排，将原文古壮字标注拼音壮文、壮语国际音标、现代汉语译文和英文，对壮族文化的传承起到了重要的作用。还有对我国非物质文化遗产壮族歌谣嘹歌进行收集翻译而出版的《平果壮族嘹歌》，也是地方高校对地方民族文化进行传承，并向世界传播的一项优秀成果。河池学院教师出版的《仫佬族古歌》《汉族题材少数民族叙事诗译注》（壮族仫佬族毛南族卷）也对当地民族文化文献进行了梳理和传承。第四，通过教研活动提高本地区民族文化创新能力。地方高校特色教学的发展促使教师不断深入研究民族文化课程的教学改革，从而取得了一定的成果。如百色学院获得广西高等教育教学改革工程项目的“基于民族文化应用创新型人才培养的民族地区高校民俗学教学改革”、贺州学院“广西东部族群文化研究基地”的立项“地方本科院校英语人才本土文化教育研究——以广西东部多族群区域为例”，以及河池学院的“桂西北少数民族音乐特色课程资源开发研究”等。第五，通过校园建设、文化活动与学生社团等形式对民族文化艺术进行传承创新。随着地方高校的不断发展，可以通过校园建筑的风格样式、园林雕塑等设计规划体现当地的民族文化艺术元素，使学生能够在潜移默化中得到民族文化的熏陶。同时，地方高校还可以组织学生参加校园文化演出，通过民族歌曲、舞蹈、乐器表演，以及展示民族服装让学生体验民族文化；还可以通过开展社团活动、采风活动等让学生在生活中切身体会民族文化之美；在一些传统的民族节日，如“三月三”“泼水节”等举行节庆活动；在校运会、体育课中加入少数民族运动项目。可见，地方高校可以通过校园建设及文化活动对民族文化艺术进行立体的、全方位的传承创新。第六，通过博物馆、档案馆、史料馆的建设为民族文化的研究和创新积累素材。有条件的高校能够建设地方民族博物馆、档案馆、史料馆等，对本地区的民族手工艺品以及相关的文物、史料进行保存和展示，在对史料进行保存的基础上，可以为广大师生提供民族文化研究和传承创新的素材，如百色学院的非物质文化遗产博物馆、贺州学院的广西东部族群文化研究基地等机构就起到了类似的作用。贺州学院的“广西东部族群文化研究基地”采集到各种仪式、碑刻等非物质文化遗产照片15000余张，对相关的民间歌手和民间仪式进行了录音录像，已制录光盘200多张，并建立了“广西东部族群文化研究资料室”。研究人员利用这些丰富的资料，主持和参与了国家级立项课题5项，主持广西“十五”“十一五”社科规划课题9项，公开发表学术论文200多篇，取得了大量的研究成果。

结语

传承创新民族文化是民族地方高校办学特色的需要。民族文化的传承创新离不开民族成员创新能力的培养，因此，民族文化的传承创新与教育密不可分。就民族文化传承创新而言，地方高校从树立价值观到传授知识技能，再到引导师生对民族文化进行研究、传承、创新，可谓功不可没。地方高校的人才健全，可以从地方语言（特别是濒危方言）、族群关系、文化人类学、生态美学、民族学、社会学等角度全方位地对民族文化进行传承与创新。可以说，地方高校一直都在为地方民族文化的传承创新提供重要的支持，因此，民族地区地方高校的发展有助于提高本地区民族文化艺术传承创新的能力。（注：本文为2014广西高校科学技术研究项目，项目编号：LX2014408）

参考文献：

[1]杨发庭.罗素论中西文化[M]．北京：北京出版社，2010.

篇（10）

创造的概念在我国春秋时期已经出现。《论语》等记载了人们倾向于认为创造是指某种新的东西和现象，也包括观念的人为推动，“创”指新东西的开创、创设和最初始的推动，“造”是指这些新东西的继续完善和丰富，也包括观念性的创造对象变成实物，这样，创造就不局限于物质文明的创造，其存在形态也就包含了物质性与精神性两种方式①。而且，其内涵侧重于一种初始性的、有较新意义的行为，即创造是变化的、增益的、反常态的。

艺术是一种最接近创造的活动。“艺术使人的行为的常态、观念的常态、消费的常态、生产的常态得到突破、更迭和发展，很多艺术创作自觉或不自觉地都是在为突破人的常态起着牵引的、鼓动的作用，至少它本身就是接近希望的，为理想而做的尝试，实质上特别接近‘创造’。与其说艺术的生命在于创造、创新，不如说创造本质上都是‘艺术’。”②创造性不仅是广大受众的要求，也是艺术本身的要求。艺术创作既然叫“创作”，就应该“创”。创，才能发展。变，才能跟着时代前进。既然艺术主张创造，当然就要反对模仿。正如鲁迅所说的：创作“以独创为贵”，“依傍和模仿，决不能产生真艺术。”③

工艺概念本身蕴含着创造的因素，它兼有审美属性和功能属性的生产手段和生产结果之内涵。工艺与创造结合在一起，即属于艺术性的工艺④。而工艺美术作为一种造物活动，其本质在于创造。它产生的前提和出发点是为了某种目的的实现，很多时候是人们环境或生理等方面的需求驱动的，而需要是一切创造的起因。它的完成是由创造的行为来执行的，它的结果自然也是创造的结果⑤。可见，工艺美术正是一种极富创造性的实践活动，突破性的思考，初始性的发明，独创性的尝试或鲜明的风格，构成工艺美术发生的常态和规律⑥。

而作为一种造物活动，设计也是人类改变原有事物,使其变化、增益、更新和发展的创造性活动，是构想和解决问题的过程，它涉及人类一切有目的的价值创造活动，它在本质上是对创造物的规划，对创造结果和创造理想的一种预测、预想。“设计的首要存在价值在于它是人类生产建设活动的手段和先期过程。必须对人类将要进行的生产和建设等活动进行具体的设想和筹划，而人类所要进行的和正在进行的生产建设活动往往是新的具有未来意义的，是进步发展型的，因此这种预期的设想和筹划必然是创造性的，它存在于整个创造过程之中。创造既是设计的本质特征，又是它的天然职责。设计作为一种开放性的创造活动，具有动力学因素，它不断推动具体的生产和建设朝向新的目标发展和前进。因此，设计本质上也是一种生产力。”⑦

纯艺术创造与一般的设计和手工艺制造很不相同，纯艺术创造“自始至终都是一种惊险事业：创造者往往直到产品出现时，才知道自己创造了什么东西。……这种不确定性和见机行事性，乃是艺术家工作的本质”。它“不是预先对自己生产的产品有一个明确的概念，然后再创造，而是‘创造活动’与‘概念形成’同时进行，二者总是相互依赖、密不可分，分不出彼此”。而设计和手工艺的制造，却是一种有计划的步骤，制造出来的产品其形态和特性是预先设计的。总之，手工艺人制造的是他预先知道的东西和可能存在的东西。而艺术家则相反，“他追求的是一种他预先不知道的和想象不到的东西。艺术家的工作永远是精神的探险，一个艺术家如不对抗既定的规则，就无所成就”⑧。相对而言，手工艺人的工作是比较标准化和规则化的。然而在后现代社会，艺术的子系统与创造的关系开始整合，各种传统的创造方式逐渐由异趋同，工艺美术和设计具有了同纯艺术类似的，随着不确定的情感，创造出一种不确定和时时变化的作品的倾向。工艺美术和设计越来越追求“一种无目的性的、不可预料的和无法准确测定的抒情价值”和种种“能引起诗意反应的物品”。其创造的产品迅速地与纯艺术的产品靠拢，设计过程正与艺术创造接近⑨。

信息网络发达，交通便利，各种创造产品营造了当今的人工世界，而人类对其依赖程度与日俱增，这就更需要从各个方面合理完善。高新科技的精密标准、信息风格的多样化更要求呼唤创造的理念，呼唤创造性人才，呼唤创造性产品，呼唤激励与保护创造的市场机制。虽然我们的政府已把创造提高到“一个民族的灵魂”的高度，但是要建立一种比较健全和完善的创新机制，仍需多方面的考虑：

1.如何建立一种激励与保护艺术创造的市场机制，使创造者积极主动地与他人自由交流其创造成果，使创造获得圆满的价值，并使创造者以此获得新的灵感，而且没有其创造成果被抄袭的后顾之忧？18世纪中期，法国染织艺术崛起的重要原因之一即法国政府为避免人才流失，激活创造力，提出了纹样保护政策。其规定：服装面料（印花、织花）的纹样保护期为6年；家具、织物面料的纹样保护期为60年。因而，设计师可以放心创新纹样并加强交流，形成了良性循环。在我国艺术与设计市场不规范的现状下，这种举措仍有重大的现实意义。

2.如何改善立法与艺术创造的关系，使艺术创造在获得保护，得到专利权、所有权的同时，不阻碍艺术创造成果得到更多人的欣赏、应用，取得应有的效果。

3.如何建立一种健全的承认和报酬机制，通过社会承认使创造（艺术创造当然包括在内）的价值充分被认识、被挖掘、被发挥，并针对真正创造性的个人独创工作，通过相应的报酬使创造者生活在一种相对安定和满意的环境中，从而使他们的创造工作得到帮助和促进。