中国文化史论文汇总十篇

序论：好文章的创作是一个不断探索和完善的过程，我们为您推荐十篇中国文化史论文范例，希望它们能助您一臂之力，提升您的阅读品质，带来更深刻的阅读感受。

篇（1）

风俗是群体的产物。一个人从生到死，每时每刻都生活在社会风俗的包围之中，自觉或不自觉地受到风俗的支配。从特定的意义上来说，人自身就是风俗的产物，正是人们浸润于其间而不自知的风俗，决定了人们的思想和行为方式，并使不同时代和不同地区的人群相互区别开来。就普通民众而言，他们大多也是从风俗的视角来认识不同的国家或民族的。如对于西方人来说，讲到中国人，他们的第一反应很可能是筷子、茶叶和功夫；而日本民族的象征则是榻榻米、和服及樱花；对于现代中国的儿童而言，肯德基、麦当劳、汉堡，就是意味着西方。在电视广泛普及的现代，中国的普通民众也是从肥硕飘逸，酥胸半露的服饰来认识唐朝，从马蹄袖、红顶子和旗袍来区别清朝的。风俗对于认识社会的重要意义于此可见。

从另一方面来说，不管风俗在社会生活中起了多么重要的作用，它毕竟是通过具体的人的思想或行为方式体现出来的，如果抽掉了具体的人，也就无所谓风俗了。人们在强调风俗绵延久长、无所不在的影响的同时，往往会忽略它的变动不居的特性，低估人在风俗的发展变化中的作用。与其他一切事物一样，风俗也随时处在变动之中。在漫长的历史过程中，有些风俗消亡了，有些风俗发展成了礼仪制度的一部分，而有些则一直在民间传承不绝。虽然对不同风俗的发生、发展、消亡的原因的解释还非常不充分，但至少有一点可以肯定，人在风俗面前并不是完全被动，无所作为的。中国古人从很早起就已认识到了这一点，如《诗经·关睢》“序”中就有“成孝敬、厚人伦、美教化，移风俗”的说法。《孝经》中也称“移风易俗，莫善于乐。”所谓“移风俗”或“移风易俗”，就是强调人与风俗的关系中人的能动作用，即摒弃那些妨害人们生活的陋俗，阐扬有利于人们心智的风俗，促进人类文明的进步发展。风俗史的研究一方面固然是为增进现代人对古代风俗的了解，除此之外，为移风易俗提供借鉴，应该也是风俗史研究的目的之一。

一、隋唐五代是中国历史上一个非常重要的发展阶段（公元581-960年），也是风俗史的一个重要转折期。汉魏旧俗和北朝的胡俗在这一时期得到了进一步的消化和整合，并在此基础上形成了许多新的风俗，这些风俗对封建社会后期的社会风俗产生了重大影响，有些甚至历宋、元、明、清，影响一直及于现代。就这一时期社会风俗自身而言，主要有以下几个较为突出的方面。

⒈诗歌对社会风俗的浸润和影响

篇（2）

早在中国古代，古人就对美食美器颇有讲究，圣人孔子说“食不厌精，脍不厌细”。意思是主张吃饭时，食物能尽可能做得精细；烹饪时，肉要切的细致。这充分体现了孔子的饮食饮食文化。在周代，饮食礼仪更是形成了一套相当完善的制度。到了唐宋时期，社会繁荣，中外饮食文化交流十分活跃，各地的饮食饮食文化也在不断融合，不仅是食材，还有烹饪方式、餐具工艺水平都超越了以往的任何一个时期，逐步形成了具有浓郁中华特色的饮食艺术。而到了民国时期，更是涌现了一大批食家，这在三毛的著作《民国吃家》一书中可见一斑。她写了民国名人们的一些饮食情趣。例如，书中提到的民国大书法家于右任就说道：“人生就像饮食，每得一样美食，便觉得生命更圆满一分，享受五味甘美，如同享受色彩美人一样，多一样收获，生命便丰足滋润一分。”一下把饮食提高到了美的高度。而现今，社会发生巨大变化，改革开放翻天覆地，人民生活水平不断提高，人民对吃的要求不仅仅是停留在使用功能上，随着人民对生活品质的要求越来越高，对餐饮的要求也在逐步提高。进而涌现出了很多名菜名肴，各地菜式也是层出不穷。这主要就表现在对餐饮菜肴的口感、摆盘装饰、环境设计以及餐具等的美感上。接下来我们就将针对以上所说的几点对现代餐饮菜肴装饰进行详细分析。菜肴盘配的造型美主要体现在以下几个方面：造型，即创造物体形象。所以造型美首先体现的是“形”之美。把食材加工成形，而且是美的形，有新意的形，实属不易。《东京梦华录》里就提到，宋人在七夕“以西瓜雕成花样，为之花瓜”。即用西瓜、冬瓜雕刻出人物、花卉、虫鱼之行，再用果品粘砌，这样造出的果品佳肴就像一件件精美的雕刻艺术品。甚至在汉代就有将鸡蛋雕刻出花纹图案，并点彩染色的做法。现代菜肴装饰中，更是把形之美发挥到了极致。这也主要体现在了厨师的刀工技巧以及摆盘上。经过历代厨师的反复运用，发展至今，更是创作出了多种不同的刀法，可以把原料加工成片、条、丝、块、丁、粒、茸、泥等多种形态以及多种花色，还有镂空的雕刻技法，叹为观止。其次，是色之美。众所周知，食材的颜色很丰富，但要在一盘菜中，把每个食材颜色做得好看且又搭配的出彩，就需要创作者既要有很高的烹饪的技巧和掌握火候的能力，还要有较高的艺术修养和审美情趣，使得各种食材加工在一起形成色泽之间的协调美。例如，图1中这盘藤椒鳝片，用的食材是黄鳝，黄瓜以及花椒藤椒等调味料，在整体的色调上是以黄鳝为主的大面积的咖色调，再配以底部隐约显现的黄瓜的黄绿色，在上面撒上红色和墨绿色的小色块感觉的花椒，整体给人感觉明快清新，再配以精湛的刀工，把黄鳝切片并摆成花朵的造型，形色兼具。图1图2第三，是器之美。说到饮食，自然离不开与之搭配的饮食器具。自我国古代的彩陶开始，到庄重的青铜器，秀逸的漆器，以及精美的瓷器、金银器、玻璃制品等等，美也早就作为审视美食的标准之一，深入人心。而现代餐盘设计，很多也是以中国画的一些代表图画为纹样，设计整套餐具。例如，娟秀的工笔荷花、清丽的蓝白瓷器图案等等。

2中国画元素在盘配装饰中的运用

在这诸多精美绝伦的菜肴盘配造型上，我们不仅看到了其所体现的艺术之美，更是关注到了其中一个重要的元素运用，即中国画元素。这也是我们要研究的重点。这主要体现在以下几点：

（1）水墨风情。提到中国画，第一时间浮现在脑海里的肯定是那绘有花鸟，山水，或是写意，或是工笔的水墨画，通过墨的浓淡变化，色的丰富表现，形成立意隽永，气韵生动的美丽画卷。而此绘画方式，被运用到现代菜肴的盘配装饰中，更是给餐饮增加了一份雅趣，吃饭变成了一种美的享受。如图2所示，在木质的餐盘上，铺开一张荷叶，上面放一瓦罐，旁边在点缀荷花装饰，仿佛是在黄色的大背景上，泼上浓郁的绿色，上面再浓墨重笔以墨色，旁边点缀清新的粉色荷花，俨然一幅水墨荷塘图。

（2）意境美。水墨画中的“意境”是指在水墨绘画作品中，画家在描绘事物的基础上表达自己的思想感情所形成的一种艺术感染力，它所呈现出的那种情景交融、虚实相生的形象，能使观赏者通过联想产生共鸣，开拓韵味无穷的审美想象空间。这也是中国画的独特之处，而把它引入现代餐饮菜肴的盘配装饰中，就更是充满一种独特韵味。试想下，在盘配装饰中，以盘为宣纸，厨师的巧手为笔，把各种食材当作是作画元素，一笔笔的摆放在盘中，再加些调料或者其他小装饰，加上印款，勾勒出一幅充满韵味的写意图画，令食客驻筷欣赏。

（3）留白美。留白也是一种独特的艺术形式，是中国画的特色“。静故了群动，空故纳万境”。苏轼的这一诗句可以说是中国画艺术品格最好的写照。中国画中常常有大面积的空白，但空白不等于无物，空白可以代表山、可以代表水、代表海和云等等，甚至可以说，中国话的精髓都体现在这留白处，这是留给大家想象的空间，也是极具意境的一种艺术形式。所以，要在盘配装饰中很好的体现中国画元素，留白自然不可少。

（4）淡雅色调。中国画还有一个特色，就是色彩淡雅，画面中没有过多的五颜六色，有的甚至只是墨色的深浅表现，有着很高雅的审美情趣，这也是当时文人画家追求自然淡泊，清幽闲境的艺术境界有关。这素淡的画风也一直传承下来，形成我们独有的一种审美情趣。所以，这一类中国画元素的盘配装饰也很好地体现了这一点，韵味十足。

篇（3）

一、人体在时装画中的地位

时装画是目前服装设计专业所开设的专业必修课程之一,它也是整个服装设计的入门课程,是衔接时装设计师与工艺师、消费者的桥梁。时装画是以时装为表现主体,展示人体着装后的效果、气氛,并具有一定艺术性、工艺技术性的一种特殊形式的画种。

时装画表现的是服装的美感和服装在人体上穿着的预期效果,深入掌握人体、人体与服装的关系是时装画成功的基础。人体是表现时装效果的重要载体,服装是以人体为基础进行造型的,通常被人们称为“人的第二层皮肤”,服装设计要依赖人体穿着和展示才能得到完成,同时设计还要受到人体结构的限制,因此,人体是服装设计紧紧围绕的核心,这也决定了在时装画表现中人体教学具有至关重要的地位。

二、从时装画的特殊性强调以人体为主线

时装画特殊性表现为主体是时装,区别与其他艺术形式。脱离这一点,便难以称之为时装画。而时装画的内容是表现或预视时装穿在人体之上的一种效果、一种精神、一种着装后的气氛。而它的中心点又围绕在人体上。两者缺一不可。

时装画还具有另一个特殊性,即工艺技术性。时装画的工艺技术性,是指作为时装设计专业基础的时装画不能摆脱以人为基础并受时装制作工艺制约的特性,即在表现过程中,需要考虑时装完成后,穿着于人体之上的时装效果和满足工艺制作的基本条件。wWW.133229.Com也就是说从事服装设计行业者必需要熟悉人体,以人体为中心进行设计。

正是由于其特殊性,因此对该课程的教学,需要以人体为主线来研究和探索。

三、人体在时装画表现中的重要性

时装画课程的教学目标是要求学生掌握服装绘画的基本技巧,培养学生对时装画的认识和兴趣,旨在提高学生的时装绘画能力。按照教学内容和基本要求可分为时装画概述、时装画人体、时装画法、时装画的艺术表现、时装画与鉴赏五个章节。那么其中服装画人体这一章节在整个教学过程中占了相当大的比重。只有将服装人体的基础牢固后才能更好地延伸其相关内容。

服装画人体这一章节主要掌握以下四个方面:一、人体结构;二、人体比例;三、重心平衡;四、从人体到着衣的画法、脸部结构的画法,四肢结构与表现。其中人体结构主要可分为躯干(包括头、颈、胸腔、盆腔、腰)、四肢、手脚、五官及发型等部位。我们将人体大形归纳成我们熟悉的形状便与掌握和记忆:1、头——蛋形2、颈——圆柱体3、肩胛——楔形4、肋骨骨架——梯形盒状体5、肘部——球形关节6、上臂——圆柱体7、骨盆——梯形盒状体8、前臂——圆锥体9、大腿——圆锥体10、手——菱形11、小腿——圆锥体12、脚——锥形。其中躯干和四肢的表现是人体中最主要的部分,因为服装主要依附其上进行表现,但不能因此忽略手脚和五官的描绘。时装画初学者往往受到一些时装画大师作品的影响,例如一些国外大师的作品中对五官和手脚的描绘少或者省略。于是就加以模仿,刻意省略。在这里需指出,时装画大师是具有相当牢固的基础后形成自身的绘画风格,擅长于省略或概括,并不是说手脚和五官的表现不需要或不重要。只有在牢固掌握人体各个部位基本表现手法的基础上进行简略,才能表现出纯熟高雅的风格,反之则只会弄巧成拙。

人体中手脚、五官及发型等的表示不仅不能忽视,有时候还应该作为主要设计因素表现。服装设计这一专业不仅包括服装的设计,还有服装配饰设计及整体造型设计等局部细节设计,这些因素综合起来才能完整表现整体的设计。在表现时装设计效果图时,不仅要表现服装这一主要元素,而且还有脚饰(鞋、袜等)、手饰(戒指、手链、彩绘等)、妆饰(同服饰相协调的妆型)、发饰(头花、帽子、发型等)等辅助元素,将主要元素和辅助元素完美的结合起来才是一个完整的时装设计表现。从这点来讲,时装画中人体的表现具有重要意义,在教学过程中需要注意认真讲解。

参考文献

[1](美)billthames著,白湘文、赵惠群编译.美国时装画技法.中国轻工业出版社,2001

[2](美国)史蒂文·斯堤贝尔曼著,余玉霞译.美国经典时装画技法(提高篇).中国纺织出版社,2003;

篇（4）

西方油画传入中国有一百多年历史，历经中国知识分子和艺术家的不懈努力和发展，到21世纪初已经呈现出比较稳定的、多姿多彩的具有中华民族特色的油画面貌。将来中国民族特色油画继续发展要有正确的指导思想，就是油画创新中要充分体现中国的文化，丰富中华民族的文化，尊重世界文化多样性，共同促进人类文明繁荣发展。

一、油画《思乡六百年》中的中国文化的影子

中国传统绘画蕴藏着丰富的文化内涵，是中华民族灿烂文化的重要组成部分。只有发扬传统文化的积极因素，克服传统文化的消极因素，才能正确地创新和发展。《思乡六百年》有哪些中国文化的影子呢？让我们来探讨吧！作品主题是描绘一棵具有五百多年的五色大槐树，五色槐每年7～9月开花，繁花似锦，五彩缤纷，槐香四溢，沁人心脾。其花初花时为绿白色，开放时旗瓣为白色，中部为黄色，翼瓣和龙骨瓣为玫瑰红色，微带紫红色，故名“五色槐”。作品描绘的不是最美的时节而是腊月里的枯树形象，因为这个时节的乡愁最浓烈。“独在异乡为异客，每逢佳节倍思亲。”乡愁是一种文化，是我们与过去生活的情感对话，是对传统文化的继承与坚守。继承和坚守世代流传的行为道德规范，自觉地以“忠孝勤俭廉，仁义礼智信”约束着自己。一代又一代的人们将中华传统文化发扬光大，回望乡愁，让正能量更多地润泽、温暖我们的心灵，记住乡愁，坚守乡愁中的深厚文化。

腊月里的五色大槐树的枯树形象会引发人们浓烈的乡愁。乡愁是一种文化，中国乡愁文化的影子在油画作品《思乡六百年》出现，五色大槐树让我见过最多的形象就是枯树形象。上大学放寒暑假，外地工作放寒假期间，我每次看到五色大槐树的感觉都不一样。相信几百年来成千上万的出门为理想、家人和祖国奋斗的老乡们都会有不一样的乡愁。我们要记住乡愁，也要让下一代记住乡愁，继承和坚守中国传统优秀文化。继承和坚守世代流传的行为道德规范，自觉地以“忠孝勤俭廉，仁义礼智信”约束着自己。

五色大槐树有个悲壮的传说，当时晋灵公登上皇帝宝位，偏听奸臣屠岸贾的谗言，尽做坏事，国相赵盾多次上殿劝说阻止，惹得昏君奸臣不高兴，于是他俩密谋，派人刺杀赵盾。两人商议后将这个任务交给了屠岸贾。一个夜里，屠岸贾找来住在他府内的一个帮闲侠士I，捏造了老国相赵盾的很多罪恶，这天三更以后I翻墙进了相府，摸到前庭。他只看见白发苍苍的一位老人，在灯下翻阅书册，穿戴很简朴。大庭的摆设也都是粗俗的用具，心中便暗想：这和屠岸贾说的完全不一样啊！四更以后，仆人端上一盘蔬菜和一碗黄米粥，让老相国便餐后上朝议政。相国吃菜时，发觉菜内有肉，立即传唤仆人，斥责说：“一再告诫，不逢节日，不得随便动荤，为什么菜内有肉？”仆人跪禀：“老夫人见相国近日操劳过度，特地让厨师照料老相国的。”赵盾说：“转告夫人，我身体很好，以后不必这样了！”隐身在大槐树背阴暗处的I，将看到的、听到的和屠岸贾说的一对比，真是天壤之别，很受感动。于是挺身而出大叫：“相国，有人派我来刺杀你，几乎造成大错，你要多加小心啊！”说完反转身子，扔掉钢刀，一头撞向大槐树，顿时脑浆飞溅，死于非命。说也奇怪，I撞死自己的那颗槐树，后来便开出黄、白、粉、绿、紫五色鲜花，后人称他为“国槐”，也叫“五色槐”。这种槐树也只有苏阳这个地方成长，他处皆无，世传是I麂精神所化。这个传说是对“忠孝勤俭廉，仁义礼智信”的真实写照，也是对后人心灵正能量的润泽温暖。为官要廉洁，无论见到什么，不起贪求之心，没有想占便宜的心，而养成大公无私的精神，从小父母便是这样教导我，为我树立道德准则的。为人要讲义，坚持正义，保持节操。义的本义是合乎道德的行为或道理，舍生取义表明为了重信义可以牺牲生命。大义是一种高于自我的善，一种超越自我的善。任何人，在关键时候不能做出危害国家、民族的事情；在敌人、困难面前，不能变节投敌。在社会上要坚持正义，敢于与丑恶势力做斗争，不与邪恶势力同流合污。中国优秀文化的传承，让我在外地工作中得到同事的好u和领导的认可，更加鼓励自己坚定地从事美术教育和中国美术创新事业。

《思乡六百年》画幅75厘米乘以120厘米，树的周围画一圈水泥护栏，远看就像一幅大的树桩盆景。盆景是中国优秀传统艺术，典型、集中地塑造大自然的优美景色，达到缩地成寸、小中见大的艺术效果，同时抒怀，表现深远的意境，是我们特有的审美情趣长期积淀的结果。但这不是我要表现的结果，五色大槐树主干就有2米多高，直径足足两个人合抱那么粗，从主干分出若干条分枝，每条分枝都像活泼顽皮的孩子在憋足了劲往上长。必须加入人物衬托五色大槐树的高大雄伟，我选择一老一幼两个人物组合，呼应回望乡愁、记住乡愁，坚守乡愁的文化内涵。希望年幼的一代心中有棵家乡的五色大槐树，一起健康成长和奋斗，时时刻刻鼓励自己和约束自己，知道感恩家人、感恩家乡、感恩祖国，自觉地投身于发展社会主义伟大实践当中，关注最广大人民群众的根本利益，理解人民群众对文化生活的基本需求，虚心向人民群众学习，从人民群众的伟大实践和丰富多彩的生活中汲取营养，只有刻苦钻研、锐意进取，才能创造出无愧于时代和人民的伟大作品。

二、《思乡六百年》具有的油画魅力的基础风格

油画《思乡六百年》运用油画语言画出中国画的味道，描绘高大雄伟、苍生包容的五色大槐树如同明朝曾鲸的《张卿之画像》没有画任何背景，却形象地描绘了人物的不求名利、和善坦荡的精神气质。蓝蓝的天空中隐约看到薄薄的云朵，让人特别心旷神怡，紫气东来让人感觉吉祥的征兆。蓝色的天空背景大面积采用平涂的薄画法，将大量松节油和调色油先后稀释后，摆刷扫于画布，由于油的挥发性能影响平涂效果，蓝色的天空无意间竟然出现淡淡的云朵的效果。右上角小面积采用分染的技法分染红色，显示出紫色的变化，这都是用国画工笔画技法和古典油画基础技法融合的结果，水、国画颜料和宣纸的关系在油、油画颜料和亚麻布的关系在相会交流和借鉴，是对油和颜料的使用比例、效果的大胆尝试和探索，也是对拓展中华民族油画语言的魅力的研究。《思乡六百年》中蓝天与大树与一百年前荷兰画家蒙德里安的《红树》中的蓝天与大树的构图、色彩和材料很相似，但是细看各自的形式语言却不同。前者是具象艺术作品以写实性客观再现为主，后者是抽象艺术作品以艺术语言的本体性表现为主，其优点是严谨的构图和豪放生动的笔触，兼具现代与古典。不同民族文化之间的交流、借鉴与融合，既是人类文明发展的重要动力，也是文化创新必然要经历的过程。

《思乡六百年》中五色大槐树的涓捎么统油画技法――干画法反复刻画，把邹巴巴的开裂的树皮的质感表现出来，主干之上有三个主要分枝，左下方的分枝好像蛟龙入海能掀起千尺巨浪，巨爪入海能抓起彩虹。繁茂的分枝接触地面必须要叉木桩顶起来，更显得苍生的老人似的拄个拐杖。用明暗画法变现树枝的立体感和与整体的受光关系，直到细小的分枝都仔细刻画，色彩丰富而质感强烈，最细小的分枝的造型能体现五色大槐树顽强的生命力，不失大槐树之磅礴气势，像做人做事“不以善小而不为，不以恶小而为之”的精神。左上方的分枝很普通地生长，却是很受喜鹊喜爱的地方，喜鹊在树枝上或小憩、或呼朋唤友、或寻找起飞的目标、或嬉戏打闹。在我写生时很享受这种多姿多彩的吉祥氛围，更增加了我对大槐树的喜爱。右上方的分枝又分两枝，一枝腾空跃起直插云霄，阳刚霸气，另一枝如凤凰般多姿多彩，尽显柔美风韵。右下方有一小枝短小精悍，如大槐树的护法之手，时刻警惕。保护树干免受伤害。在大槐树的树干左上方有一小块淡蓝色的小牌牌，是县政府和县林业局为保护古树而建档挂牌，并配套浇灌、排水和看护系统，以最大限度地使五色大槐树科学健康安全成长，成为人们永远的骄傲。

关于树的描绘，在唐朝韩甑摹段脑吠肌分薪鼋鲎魑文人们吟诵倚靠的自然工具，而不像五色大槐树这样高大雄伟地展现在世人的面前，周围硕大的护栏使得主题突出，也反映了不同时代人与自然关系的变化，人要尊重自然、敬畏自然、爱护自然、科学合理地利用自然资源。硕大的水泥镂空护栏直径10米，寄托着人们对大槐树的爱护之情和对十全十美的美好生活的向往。而我常年在外，对大槐树的感情更加浓烈，在画护栏时，把水泥护栏画成汉白玉护栏，并在每个圆形镂空处镶嵌了红、橙、黄、绿、青、蓝、紫的宝石，以表达我对大槐树的尊重、敬畏、爱护之情。通常油画上不写字，最多是写名字和时间。而我的这幅油画作品大胆按照国画落款的方式，在右上方用篆书写着“思乡六百年”，在左下方用空心楷书写着“丙申年杨伟”，没有盖名章，毕竟不是用油画来画中国画这么直接简单。

油画《思乡六百年》就是对中华民族油画的创新，因为找到自己的风格就是绘画的创新，新的美术作品只有通过人民大众的鉴赏评论，才能不断丰富和完善一幅画的意义和价值。任何美术作品的鉴赏和评论都会有分歧，美术作品的意义和价值是开放的，而不是封闭的。分歧的产生，既说明了美术作品本身的多义性，也是对作品的丰富和补充，让人们了解作品及相关知识会更好地帮助大家判断美术作品的意义和价值，这是一项长期的有意义的事业。我将继续深深植根于中华民族的文化土壤，不断推动中华民族的文化艺术创新，把握当代文化与传统文化、民族文化与外来文化的关系，这是时代赋予我们的伟大使命。美术作品的创新是艰苦和幸福的时刻，在无数美术优秀前辈的指引下，我无比幸福，继承和弘扬中华民族油画事业，树立社会主义核心价值观，为人民日益增长的文化艺术需求而不懈努力。

参考文献：

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一、装饰变形的基本类型

1.依物变形。通过写生，观察或者记忆默写所搞得变形，即依物象为根据的装饰变形，它是装饰变形的第一种形式。这种变形一般变化的幅度比较小，结构和动态受自然形态的约束而较拘谨，但是，作为学习的过程，它是不可或缺的一个阶段。wwW.133229.cOM

2.依情变形。这种方法随意性比较强。俗话说：“得意忘形”，“情动形移”，讲的都是依情而变。这种变形一般幅度都比较大，可谓随心所欲，甚至无法无天。但它仍然是具象的，具有与物象本质基本一致的形体和结构，这可以说是装饰变形的第二阶段，比依物变形又高了一个层次，这种变形的难度比较大，必须要有一定的基础练习和艺术修养，否则，就会破坏物象本质性联系，成为无目的无内涵的“乱变”。

3.主观意象变形。它不是依物或者依情变形，而是依据主观意象的发挥，它并不注重物象的形态和结构，艺术家可以根据自己的想象对物象加以歪曲改变，这种变形多用于寓意和象征的艺术处理，艺术家所表现的主要不是物象的外貌形态，而是画家自我情感的表白和发泄。

4.抽象变形。抽象变形分局部和全面抽象两种，这种抽象变形，大多都是由物象的引发而出现的，因此，抽象并不一定完全与物象无缘。艺术家采用平面构成立体构成来表达自己内心的意念和情感，有时把客观物象用非具象的写意手法来表达。这种抽象变形的手法，在现代美术设计中采用的非常普遍，而且被越来越多的人们所接受。

二、装饰变形的几种形式

1.平面变形。首先把物象从三度空间移到二度空间里，这是个创造性地魔变的过程，很多装饰变形首先从这里开始，平面化本身就意味着变形，一般采用把物象展开，压平，用线在平面上展示出物象的平面结构和景象效果。

2.立体变形。立体变形虽然自西方立体派绘画产生之后才明确提出来的，但在中国传统艺术和民间艺术中早已出现过。这在民间剪纸、民间玩具、木版年画、皮影的造型中都可以找到。立体变形是透过几何学的基本形态来分析分解对象，并把获得要素构成新的空间，通过缩短及透视，将表现的物象变形，

篇（6）

2高校师德师风建设存在的问题

（1）科研工作中的功利化倾向。高校教师的一项重要任务是科学研究，其中高校师德师风的重要组成部分之一就是严谨的科学态度。但有相当一部分教师缺乏科学精神，不去潜心钻研，而是巧取豪夺，甚至抄袭。大部分教师搞科研的主要目的是为了晋升职称，也就是说，高校部分教师对科学研究的态度较为功利。（2）敷衍的教学态度。部分高校教师只重个人科研，不重课堂教学，对教学工作精力投入不足，敷衍了事。还有的教师在上课时在教室内接听手机，不遵守教学纪律。（3）部分行政人员的服务意识淡薄。行政工作者是高等学校的一支重要队伍，他们的职业道德、工作态度和工作作风影响着管理育人的实现。然而，目前高校中许多担任行政工作的教师服务意识淡薄，缺乏协调合作的精神，工作效率低，担任行政工作的教师在处理行政事务上的服务意识有待加强。（4）缺乏社会责任感，个人利益至上。市场经济对部分教师带来了负面影响，导致部分教师过分看重个人利益和个人价值，把自己的工作仅当作一种旱涝保收的谋生手段，很多教师没有把本职工作视为传承人类科学文化知识、传播崇高理想的伟大事业。其次，有些教师以挣钱为终极追求，热衷于第二职业，而忽视了对教学效果、教育内容的探索与研究，无心钻研业务，不求功劳，但求无过。以待遇的高低来决定自己敬业的程度，过分强调经济利益，缺乏奉献精神。

3中国文化视阈下的高校师德师风建设途径

3.1提高思想认识，树立正确的教育信念干一行爱一行，热爱教师这个职业。教师是专门培养人才的职业，非常特殊。教师应忠诚于教育事业，热爱自己的教育工作，尽职尽责，充分认识自己肩负的重任，把它当作自己的事一样来对待，为社会培养一代又一代的有用人才。尊重学生，热爱自己的学生。教师进行爱的教育的基本原则是平等对待学生，人的内在需求是渴望得到尊重，自尊心人皆有之，正如《学记》所言：“亲其师而信其道。”学生越是感受到教师的爱心，教师的教导就越容易被学生理解和接受，就越亲近和信任老师。

3.2塑造教师自身形象教师应与时俱进，认真学习现代教育理论，不断获取新知识，树立现代教育理论观、人才观，完善和丰富学科知识，在拥有扎实的专业基础和理论能力的前提下，将理论与实践恰当地结合。坚持做到反思慎独，加强自我修养。

3.3建立高校师德师风建设的沟通渠道学校应从教师的角度出发，学会聆听他们的心声，在学校和教师之间建立起有效的沟通渠道，提高教师的福利待遇水平和生活条件，明晰每一位教师的思想动态，减少高校教师外出兼职的机会，才能使教师安心进行教育教学工作。让高校师德师风建设充满活力的保证是创新理念，要利用现代化的技术手段，构建以师德师风建设为主题的校园文化，为高校建设师德师风建立现代化的学习评定系统，使高校能够真正成为学术重地。

篇（7）

中国是一个有着五千多年文化历史的文明大国，国画，更是我国最具有标志性的特色文化，其表现方式就是笔墨[1]。从国画的制作技巧上来看，我国的笔墨文化用简略的线条与墨水完成了一幅幅无比精彩的文学作品。为顺应现代社会，国画作品要满足现代人类的审美观，就需要深入分析笔墨文化的发展规律，为现代国画提供更宽广的发展空间。

一、我中国笔墨文化的内涵

我国对国画的欣赏，笔墨在纸张上描绘出不同角度具有不同欣赏价值，从远处观看，可以看出画作蕴藏包含的气势，从近处观看，通过点与线完美的结合以及墨汁的勾勒，可以看出画作想要表现的具体意义。我国国画的表现方式要求在在进行画作时要“以书入画”，每一副作品，对每一笔一画都极其严格。

书画创作中点与线通过墨汁的描绘，是书画创作对全世界的镜像展现，书画创作中所谓的笔画，形态、淡浓，刚柔，孕育万物，点线之间蕴藏包含着渊博的人文道理，点线中所蕴藏包含的笔墨意境表现了画作境界，点线浓淡表现作者的内心想法。点线长短不一、大小不同、有粗有细，通过人为的改变，能够形成不同的作品，书画创作对线条要求一气呵成，每一笔的长短粗细都不相同，而点的作用是画龙点睛，在最关键的地方只需一笔，就使画作得到完美的诠释。

笔墨包括两种：笔法和墨法。首先，笔法包括中锋、露锋、顺锋以及逆h等，而墨法则是表现画作的空间感以及质感等。笔法运用墨法而体现出来，墨法可以显现笔法的波澜起伏，运用黑彩来烘托气氛。我国国画使用水墨烘托的方式，借助墨汁展现墨法，笔法充分吸取墨汁，在使用中由于时间和力量的不同使画作表现出不同的浓淡干湿，呈现出不同的画面效果。在当代画作中，对笔法的重视要高于墨法。

二、我国笔墨文化的审美价值

我国的国画笔墨描绘往往就几笔带过，这可能与作者的作画心态有关也可能是作者内心情感的流露，但是这种寥寥几笔的创作方法不利于国画的传承，减少了画作中点线的数量，但是这种画法在创作复杂的意境时作用却极大，有时寥寥几笔所体现出来的含义往往比繁杂的渲染更为突出。国画一般都是对意境的深刻表现[2]，不同于西方油画，我国著名大家齐白石认为，国画创作的灵魂是画家在似与不似之中寻得平衡，如果画作太似或者不似都不会得到人们的认可，不符合人们的欣赏理念。以前的人们认为画作必须要以真实的感情进行创作，这其实对人们深入分析了解画作是不利的。

我国传统的国画内涵是通过意向艺术来表现，通过作用“形似而神不似”的方式来制造给人无限设想的意境，国画审美的最高体现是其气质韵味以及情境，在我国，王昌龄是最早在国画中体现意境的，自他之后，意境就慢慢成为我国国画审美的最高一层境界。画家一般是通过自身的主观感受来体现大自然的宏壮伟观，因为人与人感受的不同所以，造就了不同的画风。但是在国画中所有画家都是通过笔墨的方式来体现的。完成一幅在环境上具备对比、转变、衔接并且在节奏上具备层次感、展现自然生命的运转轨迹以及画家情感的作品。笔墨更是作者内心情感的流露。

三、国画对“点、线、空、理、境”的应用

我国国画在创作中运用的单纯的色彩以及千变万化的点线方式给画作带来了无限的想象空间，画龙点睛的一笔给观赏者提供独特的视觉感受以及意境想象。国画画作的构成主要表现在以下五种元素，即点、线、空、理、境[3]。

“点”是我国国画最原始的形态，画家下笔的第一笔就是点，其具置就是作品的精髓，也是作品成功与否的关键，点无论形状、浓淡、大小、或者方向等都会对画作质量产生一定的，例如梁代著名画家张僧繇在作画时，画到最后用将龙的眼睛用两个点画上，龙就飞走了，这虽然是夸张的手法，但同时在侧面表现出了点的重要性，通常是创作中最重要的表现。将点使劲用到国画中，每一点都蕴藏包含了画家深厚的个人思想，表达了一种内涵与情境。

“线”构成国画创作的形状，线条在国画创作中表现不同，线不论粗细、浓淡、长短或者软硬都是国画重要的体现手法，我国国画讲究用线描型，以线条来完成国画的构图，在国画中，线条具备两种表现方式：简单与复杂，简单的线条一般用来勾勒大江河流、秀丽山川等自然风景；复杂的线条一般是用来勾勒人、动物等复杂的元素。

“空”在国画中一般是指作品中的空白，空白往往能使整幅作品更具层次感，不至于看起来过于凌乱。空白位置能够使欣赏者产生无限遐想，或者根据作品的空白，感受画中有画的情境，更有的画家对空白的感受有着不一样的欣赏角度，水墨部位是一幅画，空白部位也是一幅画，使两种视觉效果所表达的不同。

“理”是国画中最特别的一种元素，表面看上去无章法可言，但是却将创作者自身的创作理念包含在其中。在画作中看似毫无规律和章法的随意转变，但其中却包含着意义深刻的道理，我国的笔墨文化在国画创作中也是参考了这种道路，这就造成了不同画家所不同的创作风格，并逐渐演变成不同的流派，造就不同的作品。

国画讲求对意境的体现，意境能够代表一切可以想象的内容。我国的笔墨文化也讲究意境，在创作中，包含一定意境的作品才能算得上是成功的作品，国画中包含的意境能够使单纯的画面拥有活力，中国的画作通常以动态的或者正在动的作为创作的主体讲究笔墨的烘托使作品真正的动起来。与国外静止、以静物为主的画作来说，我国国画更适合体现内心波涛澎湃的情感。

四、结束语

“笔”、“墨”两者虽然是各有各的方法、各有各的用处，但是两者依然是相互联系的，如果讨论墨法那么就必须也要谈论笔，如果讨论笔法那也不得不谈论墨。在时代不断发展的今天，依然有很多画家在传承笔墨文化的时候也在不断探求和吸收，我们在创作画作的时候要不断创新改革笔墨，加强个人的笔墨修养，在吸取、学习传统笔墨以及外来艺术的同时，也要加强提高笔墨艺术所具备的审美价值，让国画能够走向世界，将笔墨提高到一个更高的高度。

参考文献：

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随着全球化的发展和中国融入世界步伐的加快，中国的饮食文化得到了广泛的传播，中国菜肴名称的翻译对于更好地为外商和外国旅客提供服务和介绍中国文化也显得日益重要。英语作为国际通用语已经成为菜单翻译的首选语言，它能够有效地帮助大多数外国友人点餐和了解中国文化。然而，国内诸多饭店在面对外国游客时，或者拿不出英文菜单，或者是给客人提供了一份翻译得五花八门的菜单。为此，本文就菜名翻译进行探讨。

一、翻译理论、原则和方法

尤金·奈达（Eugene-Nida）认为：“翻译就是两种文化互相交流。对于一个成功的译者来说，了解双方文化比掌握两种语言更为重要，因为语言只有在有效的文化背景下才有意义［1］。”这就是说，简单的字面意思的传递而不考虑文化背景，达不到真正交流的目的。中国的菜肴名称不只是一种简单的语言符号，可以说大部分菜名都包含着丰富的文化信息。菜肴名称除了体现汉民族对其色、香、味、形等的追求外，还往往蕴含着丰富的历史文化信息以及汉民族对吉祥、祝福等的心里感受。没有对中国和西方饮食文化差异的深入了解就无法准确地把中国菜肴名称转译成英文。

关于菜谱的翻译，沈关忠、祝宝钧等餐饮专家认为，应该让翻译家和餐饮业专家合作，不要仅满足于字面上的翻译，要让翻译家了解菜肴背后的故事、搞清菜肴名称内在的含义，比如把“东坡肉”译成“坡首创的红烧肉”、把“乾隆鱼头”译成“乾隆皇帝吃过的鱼头菜”、把“宋嫂鱼羹”翻译成“南宋时的嫂子南料北烹的鱼汤”…不要嫌麻烦，而要讲实效。同时，再把这些菜肴名称的来历用外文附在菜谱上［2］。

中式传统菜肴按命名分可分为：写实型菜名、写意型菜名两种。写实型菜名翻译要紧扣烹调的原料，使人一目了然，清楚地知道这则菜式的原料。从语境适应论的角度看，写实型翻译方法适应了汉语文化语境，保留了汉语文化特色。写意型菜名的翻译要尽量译出菜名中所包含的文化特色和体现民俗风情。总之，好的菜名翻译是为了提供准确的信息并传播中国文化。

二、写实型菜名翻译

写实型菜名通常是以原料、原料加烹调方法和原料加味道命名菜肴，这种情况采用直译方法，直译是让读者获取基本相等效果的最有效手段。在翻译中国菜肴时，结合中式菜肴的特点和不同文化之间的差别，以下三类菜名可采用写实型翻译方法。

第一种是以主料开头的菜名。这类菜名往往是主料的并列，本身就显示了菜的内容，直译能够完全保留原名的特色，而且也简单明了，译文不会产生交际障碍。翻译时，主料之间的并列可以加连词and或以主料为中心词，加上用介词with或in与佐料构成的短语即可。如：豆瓣牛肉Beef in Chili Bean Sauce； 海米白菜Chinese Cabbage and Dried Shrimps；青椒牛肉Beef with Green Peppers；冬菇猪蹄Pig's Trotters with Mushrooms.

第二种是以烹饪方法开头的菜名。中餐菜不仅用料丰富多彩，其餐饮文化的博大精深还体现在花样繁多的烹饪方法上，如炒、蒸、卤、炖、炸、悼、煨、熏、拌、涮等（见表1）。对于以烹饪方法开头的菜名，翻译不妨也采用直译的方法，既简洁明了，又能保留中餐菜肴丰富性的特色。

表1

如：炖牛肉Stewed Beef；清蒸桂鱼Steamed Mandarin Fish；炒腊肉Stir-fried Smoked Pork；软炸里脊Soft-fried Pork Fillets；红烧牛肉Braised Beef with Brown Sauce；炸大虾Fried Pawns；椒盐炸排条 Deep-fried spare Ribs with Spicy Salt.

第三种是以口感开头的菜名。用料的丰富性和烹饪方法的多样性，造就了中餐菜肴口感独特的复杂性，各地菜系分别有其独特的风味，很多菜肴的名字就体现了口感上的酸甜苦辣咸脆酥麻爽滑。与中餐菜不一样的是西餐菜的口感往往比较单一。英文菜单的受众是外国人，为了让受众对口感不一的中餐有个直接的了解以正确选择适合自己的菜肴，直接采用以口感开头的英文来翻译这一类菜不失为一个很好的选择（见表2）。

表2

如：香酥鹌鹑Crispy Quail；酸甜鸡Sweet and Sour Chicken；咸牛肉Salted Beef；酸辣黄瓜Hot and Sour Cucumber；五香豆腐干Spiced Duck Gizzard；麻辣牛肉丝Spicy Shredded Beef.

三、写意型菜名翻译

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关键词：年画种类；艺术特点；传统设计意识

中图分类号：J528文献标识码：A文章编号：1005-5312（2012）09-0200-01

一、论文的研究背景

年画起源于“门神”，关于门神的传说有很多，据说唐太宗生病时常梦到鬼哭神嚎，大将秦叔宝、尉迟恭便身披铠甲守卫在旁，这才安然成眠。后命画工将二人威武形象画在宫门上，才有了门神，并在民间流行起来。到宋代演变为木板年画，渐渐的形成了自己的独特风格和形式内容。张道一提出中国古代美术历史发展的三条主线中民间美术工艺表现出的质朴纯真，反映了劳动者健康的情感。

木板年画艺术风格独特，地域性及民俗特点突出，不仅是民族文化的基础之一也是中国民间美术中的一笔巨大遗产，本文对古人传统设计思维方式进行探索找出中国设计的传统意识对中国年画的影响。

二、年画的种类及艺术特点

年画的种类多种多样，极具艺术风格。在这选取几种独具特点的年画种类进行简单的介绍：苏州桃花坞年画始于明代，其制作工艺精美，色彩多样，有桃红、大红、蓝、紫、绿、淡墨、柠檬黄等多种。画面构图丰富，色调艳丽，极具装饰性，富有浓郁的生活气息，具有朴实、稚拙、简练和丰富的民间美术特色。天津杨柳青年画在清代雍正、乾隆、光绪年间很是流行，内容大多是传统戏曲、人物等。其线条工整，色彩艳丽，画面构图丰富。对人物头部、脸部等重要部位，多以金色晕染，独具特色。山东潍坊杨家埠年画盛于清代，其风格重用原色，想象丰富，线条粗犷而对比有力具有北方特色。四川绵竹年画的雕版艺术十分精湛，有很高的艺术情调。造型质朴简练，色彩鲜艳悦目。朱仙镇木版年画在明、清时期畅销各地，影响深远。画面中人物形象夸张，构图饱满，左右对称；色彩艳丽，而且门神题材多，严肃端庄。

三、年画的社会意义及价值

（一）年画的社会意义

年画从最初的神祗信仰的表达逐渐发展为具有承载人们的愿望――驱邪纳祥、祈福禳灾和欢乐喜庆及装饰美化环境的工艺品，表达了民众的思想情感和向往美好生活的愿望。年画的题材内容、刻印技术及艺术风格，都具有自己鲜明的特色。不仅对民间美术的其他门类曾产生深远的影响，而且与其他绘画形式相互融合成为一种成熟的画种，具有雅俗共赏的特点，深受人们的喜爱。

（二）年画的价值

1、年画的收藏价值

首先将年画视为一种独特文化和艺术并进行收藏和研究的是西方学者。他们从异文化的视角，比较容易看到年画的形态具有强烈的中国特征。历史上最早进行年画研究的是俄罗斯汉学泰斗阿理克谢耶夫院士。他在我国北方一些产地广泛地收集年画，继而从事研究，著书立说，逐渐成为一位中国年画的专家。苏州桃花坞年画在欧洲许多国家的博物馆及艺术馆都有收藏。钟敬文先生创立的民俗学为我们这种文化上的自觉奠定了理论基础。现而今人们越来越意识到年画的文化底蕴和收藏价值，年画也成为收藏家的藏品之一。

2、年画的人文价值

年画的题材里边有避邪的内容，也有祈福的含义。木版年画往往是在广大民间进行道德伦理规范、生活知识教育、文化艺术传播的重要工具。木版年画所涉及的历史、宗教、神话、传说、小说、生产、建筑、风光、戏曲、自然、游戏、节庆和社会生活之广阔，可谓无所不包，对了解和研究人文有非常大的帮助。

3、年画的艺术价值

年画的艺术特色鲜明，具有艺术性和独创性。为了满足殷实与丰足的年心理的需要，年画的画面基本不留空白，画面饱满和内容的红火。色彩基调是相互对比的，使画面强烈又明快，明艳夺目，简洁又丰富，具有很强的冲击力。这正是木版年画独到的色彩表达。年画的表现手法又与吉祥喜庆的文字谐音有关。利用与字同音的形象，将美好的寓意和词句通过视觉形式展现出来。如出现蝙蝠寓意“福”也谐音；露出许多籽儿的石榴寓意“多子”；一匹马、一只蜜蜂和一只猴子的组合表达着“马上封侯”的愿望等。不谐音的吉祥图像大多源于历史典故，具有象征与寓意的性质。这些只有在年画中才能见到。

4、年画的经济价值

木版年画在表达美好愿望辟邪纳祥时也会改变当地民众生活、增加农民收入，现而今已悄然成为礼品、纪念品，或收藏品，而不仅仅是年货，特别是盒子装、礼品装以及清代版的木版年画尤为受人青睐。收藏年画更多的是一种怀旧情结，或出于对艺术学习及欣赏的需要。

四、年画与传统设计意识

中国传统设计思维方式在古人的千万次造物设计实践中不断积淀并日趋稳定、明确，成为古人对造物设计认识的定势和进行设计思维活动的样式。年画的设计从色彩、构图及寓意上具有一定的潜科学的特质，既能反映出当时人们所处的社会环境也能从侧面了解到古人的思维方式，以及古人对天、地、人之间关系的思考。年画的演变特点受传统设计意识的影响，表现为应时而动、因人而异及和出于适。

（一）应时而动

“天”对应的是时间。不同时代社会结构、生活内容的变化必然在年画的题材和表现技法上有所反映。一开始年画用于佛教的传播，发展到后来就成为普通老百姓表达美好愿望、驱邪纳祥的载体了。它的题材和表现技法在不同的朝代和地域有不同的展现方式并受到政治经济等方面的影响。同样是孩童，有的年画中孩童的刻画是简单的线描，干练简洁，有的是丰富的色彩填充和纷繁的装饰。

（二）因人而异

年画因为地域和人的性情的不同表现出不同的特色。“地”对应的是空间。北方地区的年画粗犷豪放色彩艳丽，南方年画线条细腻色彩柔媚。就北方各个产地的画风也不尽相同。比如山东杨家埠受地域影响具有强烈的乡土气息；天津杨柳青显示着都市大户人家的审美要求，精雅华美。在清代中晚期，木版年画带有都市文人性质的绘画倾向，在构图和技法上受到西方绘画的影响，华贵富丽，达到了另一种极致。这些北方木版年画产地虽然同属北方的乡间美术，因制作者的不同技法和购买者的审美要求影响彼此又都是独树一帜的，而且不同的购买者贴不同内容的门神这使得年画的题材广泛丰富。

（三）和出于适

中国传统设计思维以“和谐”作为价值结构模式，将“适”置于“和”的范畴上。年画中无论是吉祥图案还是具有象征和寓意性质的形象组合都是在适应自身资源和外在环境下发展演变的。在有限的时间、人力和资源技术等有限条件下生存，传播。年画在适应了“天时”――时间、气候，“地利”――地域环境、资源，“人和”――使用者三者的情况下拥有了自己独特的发展历史和文化特色。

五、结语

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2.教学理念定位偏颇，导致大学教师职业认同感低。大学教师在大学校园文化的积淀形成中是很重要的一环。大师云集、精英辈出的高校，其学术底蕴和涵养及其大学本身所具备的魅力和召集力是不言而喻的。一方面，大学校园文化建设的主体应该是多重并举的，而不是单一独立的。现在高校很多教学理念均倡导以学生为中心，教师以及教学中的其他环节均没有受到重视。教师的地位不受重视，其编制、待遇等现实的问题都使高校中的教师，特别是年轻教师对自己的职业选择持怀疑或消极态度，以致在岗位上无法安心工作。另一方面，高校中轻教学重科研的理念一直在蔓延。这一观念使在一线与学生亲密接触的教师在完成课堂的教学任务之后，极少关注教学所达到的效果，而把大部分精力投入到个人的科研之中。究其原因，主要在于当前的教学管理理念有失偏颇，这导致教师地位没有得到足够重视，教师在日常教学中难以被人尊重与肯定。为了提升自身地位与待遇，高校教师只有通过个人科研上的成就去弥补。事实上，高校教师的真正身份应该是集科研、教学于一体，同时在课堂及校园文化建设中教书育人，用自己的人格魅力去感染学生，让学生对学校产生认同感与热爱感。如果作为引导者的教师自身难以对职业、对学校认同热爱，就很难对学生产生积极的影响。

3.校园文化制度建设比较片面，高校校园文化建设的教育功能虚无弱化。校园文化制度，即校园内的各种规章制度，是学校在发展过程中形成的特有的管理思想和观念，以及在这种观念下制定的具体的管理体制、管理模式，即规章制度的综合体。建立规范、科学、合理、人性化的校园规章制度是校园文化建设的有力保障。当前的校园文化制度建设，一方面，过多重视校园活动的形式与规模，很少关注其实施效果。大学里的大楼林立，校园宣传栏里的宣传海报，层出不穷、应接不暇的学生社团活动，急功近利的创业都简单地归于校园文化。有些浮躁的活动只流于形式，而片面的制度建设往往只在于营造氛围，而没有关注后期的效果。另一方面，校园文化制度建设停留于有形校园景观建设，忽略渗透式的校园精神影响。大学校园文化内涵包括了学术精专、品质高尚的教师队伍，积极向上、朝气蓬勃、尊师重教的学生队伍，以及优美的校园环境、校园文化中的人文气息，这些都是校园文化中的重要组成部分。校园景观是校园文化的外在呈现，而大学校园精神传承才是大学校园文化精粹与灵魂所在。纵观校园文化制度建设，其多是形式上的规定，而对于深层次的内涵部分几乎很少体现。

二、中国梦视域下对校园文化的创新启示

1.以梦想指引校园规划，让校园焕发生机与活力。在中国梦大视野下，校园文化建设应高瞻远瞩，进行科学的规划。打造个性化校园，营造浓郁校园文化氛围。一是校园建设营造个性和特色，打造校园标志与风格建筑。校园标志建筑不应盲目追求排场，不一定要花费巨资，追求高大上的华丽建筑。供学生晨读的湖边、开展班级活动的草地、可供漫步的校园小径都可以成为一所大学校园文化一景。保留校园传统文化景观，可体现出一所大学悠久的历史与传统韵味，也可焕发出历史的厚重与历经时光雕琢的恒久魅力。另外，学校的校训、校徽、校歌及杰出校友等也伴随着学校的发展成为历史而逐渐形成并积淀为学校不可割舍的组成部分，这些也会成为激励学校师生的重要部分。二是校园建设需整体定位，重点打造人文艺术景观。校园文化的根本任务是“以人为本，教人育人”，“以人为本”充分体现出校园文化人文化、开放化的特点，同时也体现出其促进学生了解自我、展现自我、发展自我的良好趋势。建设好教学场所、图书馆、科技活动场所，让学生喜爱并乐于在这些场所学习。另外，倾力打造学校文学社团、校报、网络、宣传窗口，设立励志格言墙，加强网站建设，学校微信平台等，丰富学生的文化生活和课外生活，将他们的注意力从网络的虚拟世界中自觉地分散出来。人文艺术与科学景观的建设，让学生感同身受地融入文化的氛围中，增强其对大学校园文化的认同。大学校园文化需要日积月累的沉淀，需要校园的一草一木、一代一代师生向上的风貌共同凝练而成。有了规划的方向，有了办学的定位，才能使校园文化不断发展，并引领大学校园精神与灵魂的锻造。

2.扬起梦想的风帆，引导学生珍惜青春，活出闪亮的人生。中国梦的实现需要大学生不断提升文化自信。大学生不能指望通过空谈使梦想成真，而应花大力气、下大功夫，提升文化自信，为中国梦的实现做好充分的思想保证、知识储备、能力提升。中国梦的实现离不开青年一代的奋发图强，而大学生作为青年中的主力军，理应义不容辞，挑起重担，为实现中华民族的伟大复兴而努力。一方面，当代大学生要志存高远，脚踏实地。扬起梦想的风帆，确定人生努力的方向，加强专业知识的学习，有计划地开展学习活动，培养学习的兴趣及动力，调动学习的自觉性和主动性，营造良好的学风。有了勤奋上进的学风与班风，才能展现当代大学生真正的精神风貌，这也是校园文化中的重要一环。另一方面，当代大学生应具备精专的专业知识，以梦想引领，促进学生潜力的挖掘和能力的提升，净化学生心灵，树立正确的人生观、世界观和价值观。当代大学生应珍惜时光、珍惜青春，不浑浑噩噩地生活，不随波逐流，为身边的人不断弘扬和传递正能量，努力成为德才兼备、品学兼优的人才而努力。大学的功能之一就是培养人才。积极向上、健康进取的人才无疑是一所大学的实力与魅力所在。如国内外的一些名校，精英辈出，给学校的声誉增光添彩，这些都会让大学极具吸引力与说服力，引莘莘学子慕名前往求学。优秀的学子是一所大学最引以为豪的产品，也是一所大学校园文化精神的隐形体现。优秀学子成功励志的事迹更对一所大学学风校风的形成具有重要的促进作用，这些更会融汇成一股强有力的、催人奋进的、锐意创新的教育力量。