油画的艺术特征汇总十篇

序论：好文章的创作是一个不断探索和完善的过程，我们为您推荐十篇油画的艺术特征范例，希望它们能助您一臂之力，提升您的阅读品质，带来更深刻的阅读感受。

篇（1）

中图分类号:J223文献标识码:A 文章编号:1005-5312(2010)17-0019-01

艺术表现中不同风格的作品对于表现语言的运用有着很大的差异,绘画语言的不同运用产生不同风格的作品。意象油画的形式语言是意象精神赖以存在并构成其外观的物质基础,正是意象油画在实践中呈现出独特的语言魅力,体现出精神的意象追求和意象的画面形态,才使它区别于其它风格的油画。康定斯基说过“对艺术要素的分析,是通向作品内部的桥梁。”

一、笔法

在意象油画中,运笔起着非常重要的作用。一般来说油画颜料的绝大部分都是以运笔来表现的,而且笔触与肌理的形态也是欣赏与表现的重要内容。所以,它能够给人以视觉上的效果并影响着画面的总体感觉。我们知道,中国画是通过勾、皴、擦、点、染等用笔方法结合干、湿、浓、淡等不同的用墨方法来作画,在纸上呈现丰富的笔墨形态,使人在视觉和心理上产生不同的感觉。例如,干而毛的笔墨形态易有湿润华滋的感觉,重而浓的笔墨形态易有深沉凝重的感觉,轻而淡的笔墨形态易有清逸秀雅的感觉,在用笔的轻重力度上,在行笔快慢缓急的速度上,在顿挫的节奏上,以及在转折的走势上的种种不同。

意象油画不是油彩的中国画,中国绘画中的笔墨精神及若干技法语言仍然足以成为构造意象油画“中国文本”的基本要素。实际上,意象油画的发展正是在大量吸收了中国绘画中的笔墨精神及若干技法语言的基础上才逐渐发展起来的。比如意象油画的代表画家苏天赐的油画艺术。就是用书写性的笔法来表现对象的。他用自制的长锋毛笔勾线,所勾画的线条清奇挺秀、富有弹力、韧性极好,不纤弱、不霸悍。其风景画中树枝的线条就是书写出来的,并且十分的简练。他也使用板刷、刮刀等工具,但均十分注重笔迹与刀痕的笔意以及表现力度和用笔的生动性。仿佛书法线条的激情书写,流畅、峻利、遒劲,给人以爽快、果断、下笔无悔的感觉,讲究大笔势,仿佛大写意泼墨的挥洒。

二、造形

意象造型是中国画的重要造形观念。在中国画中,画家对于客观事物不是简单孤立的观照,而是把客观事物的“象”与主体的感受相结合,在头脑中形成“意象”,并且讲究“得意忘象”。“得意”就是得到“意趣”和“意象”:“忘象”既忘记客观物象。这个“意趣”和“意象”已不是现实客体,而是高于生活原型、超越生活原型的对客体精神的、本质的强调与夸张。它并不追求对象的真实再现,而是讲究“意笔草草,聊写胸中逸气”,“不求形似”,只是“取其意气所到”。因此,取舍与夸张变形就成了意象造型的突出特征。意象油画的造形,正是移植了中国画意象造型的观念和意象造型的取舍与夸张变形的手法,使造形获得了无穷的意趣。意象油画不是单纯地模仿自然,是在对自然对象深刻理解的基础上进行主观创造,从而达到抒情表意的目的。

三、色彩和造境

篇（2）

印象画派的发展经历了三个阶段，其艺术特征也在不断变化。我们只有从历史的角度看待印象派的发展，才能动态地把握印象画派的艺术特征及独特规律。印象画派与传统绘画相比，其特点主要表现在绘画的取材、表现笔法、色彩运用、情感表现等方面。

第一章 印象画派描绘客观世界的真实性

印象派绘画的题材都是他们本人实际生活的世界，也就是他们所熟悉的场面、人物和风景。在古典主义绘画的传统中，现实生活并不是绘画描绘的对象，只有宗教、神话和历史题材才能保证艺术的高雅。但印象派主义者们反对传统的学院派题材，热衷于描绘喧闹而繁华的现代生活。也许正是瞬息万变的现代生活为他们的绘画观念的实施提供了一个恰切的载体，火车的轰鸣、蒸汽的升腾、19世纪的酒吧、时髦的赛马场、现代绅士和淑女漫步的树林，所有现代生活的片段都可以成为他们笔下的题材。对于印象派绘画者来，绘画不再承载道德说教的任务，而只是快乐单纯地享受来自周围视觉景象的快乐，充分体现了艺术作品的内容来源艺术家对生活的认识和理解，是艺术家与人生、社会进行精神交往的中介。

印象派画家力求用从一种全新的角度去审视对象，古典艺术关注神话、战争和历史题材，讲究构图及场面宏大舞台戏剧化效果富有文学性，而印象派的构图突破旧的固有模式，多作架上小品，并根据自己的喜好和审美要求对画面构图进行随意剪裁。这种似乎漫不经心的构图与传统的舞台样式的构图相比，要自然生动多了。印象派画家重写生，重实践，他们大多在户外描绘外光和大自然的瞬息变化，常常在很短的时间内完成，笔触奔放而果断。他们的画，不论是即兴写生还是记忆创作， 有一种一气呵成、不求甚了和随意的特点，有一种未完成的完整性。

第二章 印象画派笔触的独特运用

印象派画家们为了达到他们理想中的绘画效果，十分讲究艺术形式，相应的采取一些新的、特殊的技法。既要表现瞬间印象，又要求色调鲜明，就必须把颜料蘸得厚厚地、以明显的、有节奏感的笔触描绘，因而形成一种宜远看的油画。如印象派的风景画、印象派的油画人物近看也是只见红绿斑烂的美，五色杂陈，站远一看，却让人感到那时阳光照耀下的真实景象和真实肤色。还有那些近看粗率零乱的笔触，远看才知道这些笔道原来粗而不乱，能很好的表现出物体的凹凸起伏和远近疏密。

印象派的色彩有浓有淡，有暖有冷，配合有强烈的对比，也有柔和的协调。莫奈是印象派画家中最具代表性的画家。他对风景题材兴趣极浓，喜欢用不透明的色彩描绘光，配以明亮而纯粹的蓝、红、黄等鲜明的色调，并用短而小的笔触点到画布上，产生一种富有生气的光的颤动效果。所以，他的画面最吸引人的便是绚丽的色彩和颤动的阳光感。莫奈和雷诺阿他们两人都采取长短不齐的逗点状笔触，这些色点的笔触能够再现他们所向往的阳光的气氛，成为印象派画家色彩实验的一种造型因素。他们在理论上证实：色彩本身不存在于物体，只是光作用的缘故。所以他们将含有光的纯色不经过调色直接在画布上作画，去尝试一种视觉上的空间混合。

第三章 印象派绘画的色彩表现形式

从世界美术史的角度来看，你就会发现在印象派绘画这个部分，尤其色彩鲜艳和斑斓，而之前的绘画几乎是清一色的棕色调子，尽管有些许跳动的色彩，但都没有印象派绘画那么强烈。在印象派之前的色彩与线条之争，也就是浪漫主义与古典主义之争，就说明色彩在向古典艺术进行了挑战。

印象派画家对于色彩的理解和处理，他们认为色彩的根源在于光。他们之所以能够真实地表现大自然丰富微妙的光色变化，是由于他们打破了固有色这个旧观念的理解。通过抓住瞬间的感受，为了充分表明自然景物在阳光照耀下的鲜明色彩，他们基本上按照三棱镜分析的光谱色（红、橙、黄、绿、青、蓝、紫）选用颜料，而摈弃赭、褐、黑等色。在需要表现这三种色彩或其他复杂的色彩时，则以上几种色彩在画面上错综罗列而取得种种鲜明的效果。印象派认为投影是物体颜色的各种补色，点彩派的画家们又发现了补色关系，于是他们开始研究怎样完全用纯补色构成一幅画。他们摒弃了色块和线条，画面上都是用纯色点并置，并通过人的视觉产生一种空间的混合，来完成作品的创作，这些作品色调都很明亮。为了得到更辉煌更强烈的色彩，印象派画家在调色板上索性去掉了黑色，减弱明暗之间的对比而代之以色彩的对比。印象派画家通过对光和色彩关系的研究，依靠自己眼睛的观察去再现对象的光和色在视觉中造成的印象，从而在把握色彩方面完成了一次伟大的革命：摒弃传统固有色，表现客观世界中真实的色彩关系。

结束语

印象派不仅是对于法国美术，更是对全国美术有着广泛和深刻的影响。印象画家在光的探索和色彩的表现上又极其重大的贡献，特别是对自然景观的阳光感、色彩感的表现上，达到了强所未有的水平，从而丰富和扩大了绘画的表现技能，解决了前代画家不曾解决的问题。印象派画家反对学院派画家在室内作画的方式，强调对真实自然景色的实地写生，使画面具有清新生动明快的感觉。印象派绘画在创作题材、创作理念、艺术思想和色彩技法等方面都极大地影响到中国当代美术的发展。印象派画家以其广阔的艺术视野，在相互影响、借鉴、冲撞和激励之中叩响了当代中国绘画艺术之门，洞开了我们的艺术思维，为中国油画艺术走向世界起到推波助澜的作用。

参考文献：

[1]约翰·雷华德.印象派绘画史[M].人民美术出版社，1983.

[2]张坚，编.写实主义与印象派时代——马奈、莫奈、雷诺阿[M].暨南大学出版社，2002.

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从整个绘画史发展上看，我们可以通过画家对笔触的运用看到不同的艺术表现风格，而笔触的运用被许多画家侧重探索。在早期传统的古典油画中，画面上没有很明显的笔触，整幅油画的每个部分都比较均匀，用笔平均而细腻并看不出一点笔触痕迹。到了17世纪，画家经过研究和反复实践后意识到必出的变化会受到环境、心情等因素的影响，所以要通过改变笔触形式来表达自己内心的感情。再到19世纪，画家作画更加注重表达内心感情和外界环境，不再一味地描绘客观事物，笔触表现形式发生变化，变成了夸张奔放的形式。20世纪后，出现了许多绘画流派，油画艺术开始多元化发展，油画笔触的艺术性也被加强，每位画家的绘画语言也得到广泛的认同和重视。

在画面中，要想给欣赏者一种柔和、稳定的感觉，就要用横向的小笔触；还想给人一种流动的、不稳定的感觉，就用倾斜度走向的笔触，因为它本身就具有这种视觉冲击力；而垂直笔触就带来的是一种古板之美，会给人一种静穆、崇高的审美特点。

笔触也因此可以表现出不同的情感特征。通过比较许多画家作品中的笔触运用，我们发现不同画家用笔就会呈现出不一样的效果，如在安格尔那光洁、平滑、细腻的画面中，几乎找不到运笔的痕迹；在蒙特里安的《构图》系列方块内似乎也看不见笔触的痕迹；而从德库宁的画面中则能看到明显的外露的笔触运动；从苏丁的作品中看到了近似狂暴的笔触流动。画面中这些明显的或不明显的笔触，我在这里把它们划分为显性笔触和隐性笔触。我认为从这些显性、隐性的笔触中，可以看出画家当时的内心状态，冷静的或激动的情绪，以及画家不同的艺术风格。并且再对许多画家的绘画风格进行研究，最终画家以自己的绘画语言去表现自己的情感。笔触的不同形式主要体现在运笔的力度、用笔的感受、手对笔的控制度等方面。而且油画笔触既依附于形体、色彩、肌理等诸多形式，又具备独立的审美价值，它的艺术特征可以总结为以下几个特点。

首先，笔触具有触觉美。油画颜料独特的特性使笔触有很好的塑造能力，同时还具有强烈的触觉感，并可以借助各种工具进行绘画探索。例如有的画家用笔狂放自如，作品的画面就会高低起伏：有的画家含蓄精致，画面会平整光滑等等。所以说，借助的工具不同，手法不同，所呈现的画面肌理效果也就不同。

其次，笔触还具有力度与节奏美。笔触的力度是在对对象描述时得以体现出来的，笔触的丰富变化是笔触应用时的轻、重、缓、急、干、湿、浓、淡以及用笔的方圆、厚薄的变化与节奏的把握中而形成的。每位艺术家在作品中对力的把握都是不同的，比如我们熟知的画家艾轩，在他的作品中多呈现出来的笔触是活泼生动的，根据笔触所特有的特点表达出来的情感也是与众不同的，例如为了把人物身上穿的衣服的破旧感表达出来，他不断地尝试用不同的手法来处理局部，使其转折柔和，过渡的丰富、自然，并让笔触的魅力流露出来。笔触的力度与节奏相互映照，和谐统一，油画的力度美是靠笔触、节奏的变化来加以丰富的，同时语言节奏的变化也需要力度的贯穿。在绘画创作过程中，画面的节奏感是靠用笔的强弱、虚实、轻重缓急来形成的。

再次，笔触还具有抽象美和技巧美。在当代艺术中，表现抽象的作品非常多，笔触的抽象美也很受重视。比如夏俊娜这种欧洲感很强的绘画风格很吸引我，作品中洋溢着青春与浪漫、热情与纯真；厚薄冷暖、点划涂抹之中渗透着对生活的爱，对人对自然的深情。创作的情感在刀、笔、材料、画布之间的传递，油彩的厚薄、肌理的糙细，笔触的点画涂抹都转化为精神表现在她的作品中，那些完全不经意的点、涂、抹，使画面散发出奇异的光彩。油画笔触的形式美，也正是依赖于艺术家的这些技巧的灵活巧妙的运用。

最后，笔触还具有意境美。油画笔触所具有的以上各种美感固然是油画艺术作品所必不可少的，但笔触最重要的目的是要看它是否表达了一种情感，创造了一种意境。意境，既是对客观物象的一种反映，也是艺术家情感的表现。梵高用运动的、有力的、生动的、厚重紧密的笔触表达了他内心强烈的情感，是他对生命、自然的独特体验，使他的作品画面呈现出一种强烈的、悲伤的、躁动的、孤寂的情感意境。

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doi:10.3969/j.issn.1002-6916.2011.23.026

一、中国动画造型的艺术创作

一部好的动画片留给我们最深刻的印象不是故事情节也不是画面的精美或是对白，而是一个个深入人心的动画角色造型。有人喜欢“机器猫”的可爱，有人喜欢“花木兰”的勇敢，有人喜欢“猫和老鼠”等等。不是说其他的环节不重要，而是角色的性格和造型风格最容易深入人心。众所周知，一个成功的动画形象可以带来后继的一系列衍生产品的开发，甚至是带动动画产业。很遗憾的是现在我们还没有一个让世界都喜爱认同并且能够风靡的动画形象。中国动画有过曾经的辉煌：《三个和尚》、《哪吒闹海》、《九色鹿》、《天书奇谭》等成为永久的经典。动画前辈们使这些造型很具中国化和民族化。皮影、剪纸、木偶、水墨、装饰画、年画的元素被结合到创作中，形成了当时的中国学派。在当时的动画界具有很高的地位和声望。改革开放后，国外动画片大量涌入中国市场，中国动画似乎突然不知道该何去何从，外国动画片在中国的风靡似乎成为了一种文化侵略，很多青少年沉迷于日本的动漫，大人、孩子们都喜欢看迪士尼的动画。动画偶像都是来自外面的世界。中国动画从初期的盛世似乎跌入了低谷，这和当今中国动画的市场定位和动画造型创作中一味的拿来主义不无关系，民族和传统的应用没有跟上动画发展的脚步。有些创作者甚至不喜欢传统的元素，一味地模仿，使得一些动画造型成了迪士尼或是日本的翻版。光靠限制外国动画片的播放时间和喊几句振兴民族动画产业的口号是解决不了根本问题的，我们得以实际行动来说话，从国产“日式”风格，国产“美式“风格中走出来，走属于我们自己的原创路线，立志创作出属于我们自己的并且是够分量的动画造型。

二、发掘楚艺术的特征和动画造型相结合，发掘动画形象创作的宝库

楚美术是我国上古时期具有南方文化品格的艺术形式。作为上古时期楚人奇异而丰富的美术创造，它以其卓尔不群的创造姿态和原始浪漫主义精神开创了世界上古美学的新视界。随着湖北、湖南、河南、安徽等地楚墓的不断发掘，把一个神奇的艺术天地从两千年前的地层中展现出来，使我们有缘领略到上古时期南方楚人奇异而丰富的艺术创造。那种奔放、跃动、飘洒、流动的原始浪漫主义气质，那种镂金错彩、繁复富丽之美，带有原始艺术的奇诡、怪诞的造型特质和巨大的幻想性、象征性、隐寓性的艺术观念，实在令人赞叹不已。楚美术奇幻的形制、跃动的线条和绚丽的色彩使得我们深深地被楚人的创造心智所震撼！与那些古老的图式、形象、线条、色彩、韵律产生心灵上的共鸣。这就是楚美术的神奇魅力，也是上古时期人类心智和精神的永恒呈现。在民族精神，民族心理和物化文化三个层次上来讲都表现了自己的个性和鲜明的地域文化特征。比如说楚文化的象征性的标志是凤。以凤的形象来比喻人的只有楚人。“三年飞天，飞将冲天；三年不鸣，鸣将惊人”的神鸟，它的形象体现了楚人的胆识和气魄。这些具有象征意义的形象如果作为短片形象设计的来源的话，与其他人重复的可能性是非常小的，也有着非凡的隐喻意义。楚人尊崇凤就是尊敬自己的祖先，尊敬自己的民族。楚凤的那种叱咤风云和一飞冲天的气魄和异彩纷呈的风采是楚文化和楚艺术精神的绝妙象征，这也是楚文化和楚艺术偏于情感的感性之处和中原文化的偏重于礼法的理性的不同之处。它讲求“天人合一”、“人神交融”这样一种人与自然的关系，将这些用于动画的情节和叙事是符合我们的民族传统又具有艺术所共有的“浪漫主义情怀”，所以发掘具有地域文化艺术特征的元素并将其作为动画原创的资源是值得我们思索和探寻的。

三、传统动画和Flas在设计制作方面的比较

像观众们所熟悉的《大闹天宫》这样一部120分钟的动画电影，需要画 10 万多张的画面。如此繁重而复杂的绘制任务，是几十位动画工作者，花费三年多时间辛勤劳动的结果。从分工上来说也比较复杂，一部完整的传统动画片，无论是5分钟的短片还是2小时的长片，都是经过编剧、导演、美术设计、设计稿、原画、动画、绘景、描线、上色、校对、摄影、剪辑、作曲、拟音、对白配音、音乐录音、混合录音，洗印等十几道工序的分工合作，密切配合，才可以顺利完成。在过去的很长一段时间，动画片都是在这样复杂的工序下，由大量的人员合作而成。随着科技的进步，目前的动画片已经简化了其中的一些程序，许多环节都借助电脑技术得以更加方便而直观地设计制作。用相对较少的人力去完成。Flas在制作程序方面有很多的简化是其突出的优点，那么相对而言就一定会有一些局限。

1、比如制作、处理较为复杂的动画方面

在用 Flash 制作较为复杂的动画时往往感到很费力，特别是某些必须一张张画的中间张动作，比如转面动作，转面是动画中经常碰到的情况，就是动画角色从正面转到侧面或者从背面转到正面等……这时画起来比用传统方法更加费力，毕竟用鼠标和绘图笔、手绘板没有真正的纸笔好操作。往往碰到需要逐帧渐变的复杂动作或者是又比较写实的动画造型，就想起传统方法中的拷贝台和纸笔，不管多么复杂的动作都可以解决。

2、矢量绘图的局限

在电脑中绘画不比用铅笔在纸上画，他很难控制笔触的准确运行，若是画风格简洁又卡通的角色时问题不大，但是要绘制写实、精细风格的角色时就力不从心了，在绘制矢量背景时这个问题更加突出，矢量图虽然有不少优点，比如可以无限放大而不失真，文件体积小等。可是同样存在致命的缺陷，它的过渡色很生硬单一，很难画出色彩丰富、自然的图像，为了回避这一弱点，你不得不采用其他软件或者手工绘制的位图来解决，这样又使文件体积增大，不能体现出 Flash 的原本优势。这一点是矢量绘画很难克服的缺点。

四、具备传统元素和楚文化、楚艺术特征的形象在FLASH中的制作与应用

FLASH动画技术在国内的推广使得动画制作变得非常简单，较之传统的制作方式而言制作周期会缩短，属于二维动画的后起之秀，无论是传统动画还是FLASH动画，短时间内谁也无法取代对方。无论采取什么样的制作形式都不重要，在前期的设定和策划完成之后，动画的制作如果人员较少，那么采取FLASH技术是一种省时省力的方式。我们如果采用传统动画的前期设计人员来绘制设计电脑无法替代的那部分动画，采用FLASH合成，制作其余部分，各取所长，使得两者的优点得到充分结合。依据个人制作flas的经验来讲，形象的设计不适宜太过复杂。短片的制作或多或少都要表现一些较为复杂的动作，而flash本身功能的限制使得我们在制作动画时感到手脚受到牵制，或者会为此付出过多的时间和精力，作为动画形象的主体就需要我们在创作的时候简化，这样可以成倍地提高工作效率。另外，如果主体造型不能够完全地展示楚艺术的一些元素和艺术形式，那么我们可以通过场景和一些辅助的图案和纹理等细节去补充到短片里。最重要的是要进行再创作，用现代的视角去阐释这一古老而有魅力的古艺术样式。在国内动画呈现重中期制作，轻前期创意和后期推广的情况下，我们更应该在发掘传统文化和原创这一层面上多去思考，把具有地域特色和有待发掘的一些可贵的民族优秀艺术元素应用于我们的动画形象创作中去。

参考文献

[1]张慧临．二十世纪中国动画艺术史[M]．陕西：人民美术出版社，2002.

[2]贾否．动画概论[M]．中国传媒大学出版社2005.5.

[3]殷俊．全球化语境下的中国动画造型[J]．装饰，2006，(12)．

[4]张露．论中国动画中的文化失语[J]．电影评介，2007，(3)．

[5]张正明．楚文化史[M]．上海：上海人民出版社，1987．57．63.

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早在油画传入中国之初，国人就开始对这一西方画种进行中式民族化和本土化的革新，几经发展，在当代中国油画的创作中，不仅注重中国绘画笔触的表现力，同时将中国传统文化融入其中。随着现代电子信息的快速发展，艺术家们认识到，只有对西方艺术的活力元素进行创新性运用，尊重本土的民族传统，对本土文化的独特价值重新认识，才能造就油画艺术的民族性、本土性和多样性。

在强烈的民族使命感和责任感的影响下，当代中国油画作家进行本土化油画的创作过程中，其内心根深蒂固的中国油画艺术审美情结使得他们广泛地从民间艺术、剪纸、年画等本土文化中吸收灵感加入油画的中式化创作。油画创作亦需要具有时代特色的创造激情，油画作家们立足于本土生活，全方位感知时代生活，获得深入的时代生活体验，以创作出具有鲜明时代风采和强烈的时代价值的优秀油画作品。

中国油画“本土化”的文化内涵

油画漂洋过海传入中国已达百年之久，历经几代艺术家的努力已经取得了非凡的成绩。人们最初关注“油画民族化”问题是在上世纪八十年代，自那时起开始意识到这一引入画种应该具有我们自己的文化特色。于是便有了一系列“油画民族化”的探索，有些画家借鉴了中国画的某些特征元素融入到油画，还有一些将注意力投放到了民族服饰上。所以我认为中国具有民族特色文化内涵的油画应包括情感文化、地域特色和形式风格三个因素。

1.情感文化

艺术家的创作目的是通过表达真实的感情来彰显某种精神，因此，在艺术的本质特征里就包含了这一特征。不同民族的艺术家所欲表达的情感必然会有所差别，正是这种差别使得不同民族的艺术作品具有了不同的特征。自然环境、文化历史、社会制度的差异造成了个民族所独有的民族心理，这种民族心理的不同造就了不同民族的艺术家们得情感活动上的差异，这是艺术具有民族特征的更深层次的原因。艺术家们需要在现实生活中去细心观察、切身体会、不断思考以获得丰富的情感体验，并且要把表达真情实感、创作出具有民族特色的作品作为自己的艺术理想。艺术家要有独立的人格，树立自己的艺术理想，我们的艺术行为都要为理想服务，我们就有可以实现中国油画的“民族化”理想。

民族风格不是在刻意追求某种特征，而是自然而然形成的，中国画在用色、造型、笔墨等各方面都具有其独特中国韵味的风格。油画进入中国，进过艺术家们创新性创作，自然而然形成特色的本土化特征。艺术家们立足现实积累情感，并且真诚地表达积累的真情实感。判断艺术作品是否具有民族本土特性的关键在于该作品是否表达了本民族的真情实感。

2.地域特色

广袤的国土决定了我国多民族、多区域的特点，这也为中国油画民族精神的融合提供了广阔的空间，在油画创作中融汇民族精神并不是将其简单叠加，要使其相辅相成、相得益彰必须要把绘画技法、内容、形式等方面让两者自然而然地糅合。

艺术的民族特色总是离不开其所在的地域特色，因为不同民族的艺术家的情感思想都受他所生所长的特定环境所影响，所以油画艺术作品的民族特色与地域文化特色紧密的联系在一起。油画创作要体现自身的地域性和民族性，因此当今真正油画家所追求的目标正是通过民族精神的注入来彰显中国油画的独特魅力。油画和民族精神的融合不仅仅是在作品的内容和形式上，要深入到精神文化层面上的融合，把民族精神的精髓融合到油画作品当中，从而更好地的表达伟大的民族精神。

3.风格特征

艺术家的思想感情要想被大众所感知，就必须借助具体的艺术形式将其表达出来，同样，艺术作品的民族性也必须借助具有民族风格的形式展现出来。不同民族的艺术家在表达特定环境中产生的特有感情时就会形成带有自身民族风格特征的艺术形式，因此风格特征也是民族性的因素之一。

油画作为中国引入画种，画家要借鉴西方油画的绘画技巧，深入领会西方油画的文化内涵，在吸取油画精髓的基础上加以灵活运用，形成自己体系的绘画风格。由于文化背景的差异，东西方的绘画风格也有很大区别：中国的写意和西方的写实这看似相互对立这两大艺术体系，实际上有着你中有我，我中有你的内在联系，追本溯源，通过写意与写实这两种艺术语言可以更鲜明的阐述人的精神世界和达到审美的目的。因此，艺术家应该合理取舍、有的放矢，吸收外国油画的有益成分并将其转化为自身独有的艺术品质，形成具有与时俱进的民族特色的中国油画风格。

中国油画要想寻求新的发展，就更加需要与外国油画相互借鉴。洪凌，当代风景油画家，他创造性地把西方风景画和中国山水画创造性的融合在一起，从而为中国油画开辟了一条独特的艺术表达道路。油画家洪凌的成功让我们看到了不同文化背景下所产生的风格迥异的画种在艺术语言上沟通和交流的可能性。

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二、东北油画的创作和发展

黑土地大气的满蒙文化赋予了东北油画创作源源不绝的精神源泉。东北地区的主要经济形式以农业生产为主，相对于南方的快速发展，这里自有一种固守的踏实感。朴实的农民、辽阔的黑土，丰厚的物产，给油画创作提供了无穷无尽的天然题材。这里冬季时间长，实际耕作的时间较短，因而农民的业余生活十分丰富：看大戏，扭秧歌，杀猪宰羊，种种丰富的活动跃然纸上，极具画面感。再加上东北是一个少数民族聚居的地方，在这里，满族、蒙古族、朝鲜族、锡伯族、鄂伦春族等少数民族的文化相互融合，各民族艳丽的服饰，独特的习俗也赋予了油画创作丰富的语言。因此，当我们在欣赏东北油画的时候会发觉，其地域特征明显，色彩饱满，题材朴实，表现手法大胆，敢于创新。东北油画的艺术家们本土意识浓厚，观念敏锐，思想活跃。艺术语言上多强调力度，量感，大气和饱满度。尽管没有纷繁复杂的色彩，但却更能突出所要表现的主题，正所谓简约不简单。早期的东北油画代表人物包括韦尔申，王岩，刘仁杰等，这些在当时画坛崭露头角的艺术家们，其画作却在各类比赛中屡屡获奖，引起了人们对东北油画的关注。这个时期的东北油画多以农村题材为主，用写实的手法，反映了当时农村的现状。

随着90年代多元化艺术思潮的兴起，东北油画有了一定的创新和改变。这一时期农村生活面貌发生了很大的变化，农民生活水平提高，新农村题材更为突出。这个时期的东北油画变得更理性现实，一些东北乡土油画家们开始深入对民族艺术和文化的思考，更注重自身的艺术发展面貌和艺术形态语言，开始摸索体现本土油画语言的形式。这个时期的代表人物有郑艺，宫立龙，陈树中，周卫等。他们的作品都以东北的新农村建设为题材，通过不同的切入点抓住了当时中国的“大事件”，让东北乡土油画呈现出多样并举的精神风貌，用更现实的亲和力和感染力反映了东北地区的地域风貌和人文传统，促进了东北油画的发展。近年来，随着一批年轻的80后，90后画家的成长，东北油画的创作呈现出了更加多元化的发展。传统的题材和现代思潮的碰撞给东北油画开辟了更为有趣的发展方向，同时也需要画家们对于艺术本土精神有更深的理解。新一代的画家们发挥自己的聪明才智，充分利用当下的电子工具作为自己的绘画创作媒介，打破传统绘画的构图理念和表现形式，更多的追求自己的个性，追求时代感。他们喜欢将新的艺术符号加入自己的画面，以调侃，幽默，诙谐的漫画式绘画来表现“现实”。甚至将人物和动物有机的嫁接、重构，把一些看似不太合理但又合情的元素融合到画面中来，有着很强的装饰味道和“海报”感。这样创作出来的作品给人一种极强的象征寓意，具有一定的时代感和戏剧性。然而，这样的创作方式给传统的艺术题材带来了很大挑战。东北油画的传统特征和表现形式中的精华是需要我们去坚持和传承的。一味地去追求时代感，完全脱离了本土特征，将是一种巨大的损失。如何在保持与时俱进的同时与传统很好的融合，或许是很多艺术家们日后要思考的。

三、渤海画派的兴起

渤海画派是近年来随着东北绘画的繁荣发展衍生出来的又一分支，其主要艺术群体集中在辽宁省锦州市，以及葫芦岛，盘锦，营口、丹东、大连等五市，分布于山海关以北环绕渤海湾的所有地域。渤海画派艺术研究所坐落在渤海大学艺术与传媒学院。近年来，在国家对辽宁沿海经济带发展规划的大环境下，渤海画派的发展也呈现出多元性的特征。在创作题材和内容上，不再单纯针对乡土题材，而是秉承东北艺术的优良传统，一方面挖掘具有东北特色的新题材，一方面将东北油画的表现形式运用到更广阔的创作中去。渤海画派的艺术家们开始更多地注重精神层面的表现，为东北油画的发展注入了新鲜血液。许多青年画家近些年来积极的活跃在油画创作舞台上，如王雷，赵越，李春峰等。从他们的作品中，能够看到新时代大背景下的更多题材，然而细细品味之后却不难发现，这些作品无一例外的展现着东北传统油画的精髓。以渤海大学美术系主任王雷教授的作品为例，早年在鲁迅美术学院的学习经历使得他对东北油画创作有着极为深入的研究。他的画风延续了东北乡土油画的特征，多以大气的色彩表现东北大地的美丽风貌和鲜明性格。他在色彩的使用上十分大胆泼辣，在创作细节上又十分细腻考究，善于找到独特的切入点来突出作品的主题。值得一提的是，渤海画派的青年艺术家们一直在找寻东北油画创作手法的新形式。

他们大胆地在题材选择上进行突破创新，不再局限于黑土地、老农民这样乡土气息很强的题材，而是不断开阔眼界，将东北油画的创作手法应用在更广阔的题材上。从长远的发展角度，这对东北油画的绘画语言和绘画技巧是一种新的传承。而这种新的传承具有划时代的意义，因为绘画语言和技巧永远是服务于绘画创作的，不能将其限定在某一种单一的创作题材中。任何一种创作手法，都只有通过不断地创新，才能有长足的发展，永葆艺术生命之活力。王雷教授大胆地将东北风的绘画技巧应用在了题材的创作中，苍茫神秘的青藏高原和东北大地有一种相通的气派，但在文化、历史、信仰方面有着不同的韵味。这样一个极具魅力的地方一直吸引着不同画派的艺术家。但一个作品的灵魂，不仅仅在于颜色、布局、技巧这些外在的手段，而是在于艺术家内心的沉思和作品的语言。王雷在色彩的运用上延续了东北油画的创作精髓，用相对单一、暗色系的色彩勾勒出恢弘的气势，赋予作品一种庄严、厚重的底蕴。在局部大胆地用对比色和撞色，给作品增添一种灵动的感觉，让人感受到一种灵魂的冲击。王雷教授选择题材来做东北油画创作的一种突破绝非偶然，是一个虔诚的地方，一片能带给人信仰的土地。仔细想来，每一个艺术创作者的创作之路何尝不是一种朝圣，“通过绘画，虔诚地表达自己的宗教情感并由此上升至对人的存在景象的认识。”（周景雷，2008）每一个渤海画派的青年画家也带着同样的情怀，他们继承东北传统绘画的同时，又不断地创新和实践，沿着民族化的乡土油画精神实质，推动自我的艺术走向现代，面向未来。东北油画创作的浓浓“乡土”气息已经深深地融进了他们的艺术血液里，在他们的作品上刻上烙印。而他们孜孜不倦追求的，是赋予这样的血液新鲜的气息，让艺术脉搏跳动的更为有力，艺术生命生生不息。

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中国画讲究以心造境，重视形神兼备，以相对简单的图案展现丰富的精神内涵，立足意象元素表达画作的主题、思想与情感。现阶段，诸多中国画家均在自己的创作中应用了写意性，充分利用不同的表达形式，创作出更多优秀的油画作品。

一、意象的基本概念

意象在中国传统美学之中占据着极其重要的地位。意象学在《周易》中就有所记载与阐述。在秦汉时期，意象从哲学范畴慢慢转化为文艺理论范畴。到了魏晋南北朝时期，王弼又对言、意、象的关系进行了详细的论证，使意象的哲学理论越发成熟与严谨。之后，《文心雕龙》首次把意象运用到了文艺领域，进一步拓展了意象的含义，令意象变成了文艺美学领域的纯文艺概念。《文心雕龙》以意象为中心对文艺美学基本理论问题进行了深刻的探讨，也形成了较为完整的体系。《文心雕龙》意象说中着重阐释了营构与融合，并传达审美意象的有效途径。《文心雕龙》的出现也意味着意象说从感性认识逐渐变为相对成熟的理论体系。随着意象说的形成发展，意象的外延日渐清晰明确，且其主要内容也更加多样化，形成了不同的规定，此类规定对审美意象创造具有指导作用，也成为中国古典美学中不可忽视的内容。

二、意象表现主义油画发展现状

如今，在众多画家的积极探索下，油画中融入了多种不同的表现语言。基于东方审美理念，融入西方现代元素，意象油画的概念以此明确，打造了更加丰富且多元的绘画形式。当前，更多画家加入探索意象油画的行列，民间与政府机构也十分重视意象油画的创作与发展，为此，举办了多次研讨会和展览。该类展览和研讨会的规模不断扩大，范围日渐广阔，且艺术作品的数量也明显增多。意象油画发展中也存在着明显不足，如并未形成相对完整的语言体系，艺术表现形式不够明确，表现语言的艺术特征也不够具体，这直接影响了意象油画的语言感染力。与此同时，其理论的实践性较弱，造型体系和审美标准存在不合理之处，审美价值构成相对模糊，画家并未了解和掌控意象油画的基本规律，无法充分展现油画艺术独特的美感。此外，意象油画中文化地域性特征与西方艺术无法深度融合，忽视了本土文化和民族精神的传递与发展，无法引起观赏者的精神及情感共鸣。对于上述问题，应依据中国传统绘画精神，查找国内外参考文献，梳理意象油画艺术发展的历史，分析意象油画的主要表现方式，从而使意象油画的艺术语言全方位顺应本土观赏者的审美价值理念，促进意象表现主义油画的稳定和健康发展。

三、意象表现主义油画的艺术表现形式

（一）材料的应用

绘画材料作为油画艺术创作的载体，就像劳动人民手中的劳动工具一样不可或缺，是油画艺术作品的重要组成因素。并且用于创作的各种材料本身就具有一种材质美，它们所具有的美感毋庸置疑也是一种艺术表达，因为它能够给观众传达出一种最直观的艺术美感，所以绘画材料的质感能够影响到油画艺术作品所呈现的美感。在油画的意象表达中，不同的材料会产生不同的意境效果。比如颜料，身为油画创作中的重要绘画材料，它所呈现出的色彩会间接地影响到画面的意境。油画颜料大体上被分为不透明颜料与透明颜料：不透明颜料显得厚重并且覆盖力强，画家在创作过程中通过厚涂颜料再结合特殊的手法可以产生富有凹凸感的肌理，具有独特的质感；透明颜料透明而且富有光泽，如果要想让作品画面产生温润细腻的意意象表现主义油画的艺术表现形式探析◇刘天麒摘要：意象说是中国传统美学中不可忽视的一部分，同时，意象说也影响着中国当代油画理论与实践。因此，通过分析意象的内涵与意象表现主义油画的发展现状，详细论述中国油画创作中艺术形象的意象表达方法，如材料的应用、色彩的应用、造型的应用、写意技法的应用等，帮助创作者利用多种途径将欣赏者带入作品的情境，高度继承我国传统艺术及美学理论，并最终推动我国民族传统文化和审美取向的稳定发展。关键词：中国油画创作；艺术形象；意象表达文艺评论162境美，可以运用一层一层罩染的特殊技法完成。除此之外，丙烯颜料也被一些画家运用到油画创作中。丙烯颜料是一种人工合成的需要用水稀释的胶乳剂，以干燥速度快的特性深受画家喜爱。画家在用丙烯颜料创作时，需要用水来进行稀释，经过水的稀释后，创作出的画面会自动生成一层能够防水的透明保护膜，因而备受画家的推崇与喜爱，许多画家在创作时会将丙烯颜料当作首选。另外，丙烯的化学稳定性也是画家习惯使用它的原因。用水的比例影响丙烯所呈现出的艺术效果：用水少时能够形成覆盖力强的油画；反之，水量多一些的时候就会形成流动性强、色薄的视觉效果。另外，媒介剂充当着颜料与画面之间的桥梁，对媒介剂的选用会因人而异，不同的画家有着不同的要求与选择。市场上媒介剂的种类数不胜数，比较常见的媒介剂分为蜡质、乳性、油性等。其中拥有稳定特性的当属蜡质媒介剂的皂化蜡，画家利用它的这种特性创作的作品，一般会产生透叠的艺术效果。充分利用好皂化蜡既可以丰富作品的颜色，又能够加厚油画的颜料，起到保护画面色泽的作用。以作用来划分，还可以把媒介剂划分为上光剂、稀释剂、调色剂。其中，上光剂可以保护画面并统一光泽度，而稀释剂可以调和以及稀释颜料，加入调色剂能够适当增加油画颜料的透明度。另外，油画创作者可以通过掌握媒介剂的量来呈现某种画面效果。例如，调色油一方面能使画面的油色更加饱满；另一方面可以改变作品画面的遮盖力、透明度，甚至可以减缓干燥速度。油画创作者可以利用其干燥速度慢这一特性，来丰富色彩并保证衔接色彩的统一性，以此来更加完美地展现作品意境美。除此之外，画笔与画刀也会影响油画作品的写意性，油画笔种类繁多，常用于西方油画的绘制与创作，油画创作者可以进行自由选择，不同的质地、型号与形状会营造出不同的画面视觉效果。用质地软的油画笔进行创作，就能呈现出朦胧柔和的意境美；相反，用质地较硬的油画笔创作时，搭配浓稠的颜料作画便能够在画纸上产生笔触的痕迹，能够呈现出粗犷厚实的画面效果。同时，油画笔的形状同样可以影响作品意象的生成。在油画创作中，用排刷来给作品的基底上色，可以令基底色彩衔接得更自然，并且具有更多的色彩变化，如果只用少许颜料使用排刷轻擦基底，则可以塑造出类似中国画的留白意境美。如果把中国画的绘画工具毛笔运用在油画创作中，就会令油画作品产生水墨效果，由于毛笔的笔锋尖锐，勾勒出的线条异常优美，而且因其材质特殊，在绘画时笔尖处富有弹力，可以产生类似中国书法的笔力，从而达到增强意境表达的目的。就像我国油画家程丛林，他的油画作品《阁池浅春》就是将毛笔、中国水墨以及西方油画材料相结合从而形成的意象性油画。这幅作品用毛笔将鱼儿游动的姿态展现得淋漓尽致，并运用书写的笔力塑造了池塘的深邃，画面轻松明快，营造了一种轻松自由的意境美，同时大片墨色的运用不仅凸显画面的水墨效果，更展示了中国文化所蕴含的浓重意象性。此外，画刀是油画家常用的调色工具，但在某种特定情形下，画刀也可以当作绘画工具来营造意象，不同形状、大小、质地的画刀会带来不同的艺术效果，例如：质地较为柔软的画刀在薄画法上具有很好的表现，可以刮去画纸上多余的颜料，令画面颜色透明，呈现出朦胧的意象美；反之，硬度大的画刀则可以很好地表现抽象性意象油画。

（二）色彩的应用

在意象表现主义油画应用色彩的过程中，务必高度重视意象语言的表达，不得仅考虑物象的局部色彩。在用色的过程中需要做到二者充分结合，以油画主题和情感处理物象色彩，以原色为基础，重点把控色光效果，依据画家的创作经验和认识体验，掌控其精神内核，进而表达更加深入的油画意象和作品情感。油画意象色彩表达和我国传统绘画的用色习惯相似性较强，需打破客观光色表现的限制，在提炼物象色彩的基础上，结合色彩的形式美、油画主题和情感意境，使用意象色彩，将其视为一种独立元素，同时也应摆脱物象形体限制，彰显与客观光色间的差异，从而促使色彩的独立性充分展现和自由发挥，实现色彩空间与色调的深度转化，彰显其距离感。这样也可打造符合传统美学理念的视觉效果。基于色彩独立性促进意象色彩的形成发展尤为重要。一项色彩介乎抽象与具象的中间，能够营造意境和渲染气氛。创作者应该走出固定的色彩规律框架，合理利用自身的情感和主观思想科学应用色彩，丰富油画色彩组合，更好地彰显画作的艺术情感，增强色彩感染力和色彩的张力，进而引发观赏者的共鸣，保证油画的视觉效果。

（三）造型的应用

做到客观物象与表现形式、主观意象的深度融合，高度借鉴并拓展中国传统绘画的主要内涵，深度刻画客观物象的神韵，从而更好地展现油画艺术的意象。创作者需要将重点放在造型思维建设上，打破摹仿物象客观轮廓的限制，以主观理念创造物象，基于自身的思想理念，立足物象整体，以此提炼抽象的形象，彰显物象的个性化特征，生动展现油画的造型意象。塑造意象造型时，一方面要高度尊重传统绘画造型规律；另一方面也应创新形神理论，打破客观外形的束缚，简化物象关系，并且准确把握客观物象的内在特征，这样才能够以造型展现客观物象的本质特征。画家需利用更加多元和自由的表现方式来展现造型空间，准确理解和掌握客观物象的内在特点，树立统筹兼顾的思想，同时也要与客观物象有机结合，进而彰显造型的意象特点。在具象造型中，需充分展现个人的风格，在创造意象的过程中更加关注画面意趣。画家必须始终遵守意象性造型的基本原则，将情感与技法融为一体，采取多种造型表达方式，彰显造型的不确定性，从而创造出更多造型新颖的意象。画家可采用笔墨线条来刻画事物的造型，塑造造型时，高度重视线条的应用，以获得不同形式且颇具美感的线条。油画创作中，应充分体现其联想性、虚拟性和提示性，这样在彰显画面趣味性的基础上也可体现物象的内涵和神韵，使其具备中国传统艺术中的意象特征。造型中应用线条时，画家要深入了解线条的用笔方法。因此，可学习借鉴西方油画的用笔特征，并以此为基础加以创新，依据传统绘画的用笔思维，获得形式更加灵活的线条。在油画创作中融入自身的感受，从而体现自然美、形式美和意趣美，丰富意象造型的表达形式。

（四）写意技法的应用

基于写意笔法展现物象的内涵，以笔法的长短及轻重凸显不同的艺术风格，从而以更加直接的方式展现画家的情感。意象油画需要学习和吸收传统绘画中的写意思想，高度尊重思维主观性、技术性及意象整体，融合油画笔触和书法用笔的主要特征，凸显笔触的偶然性。写意表现技法应该将重点放在精神真实层面，充分结合地域和人文特征，凸显写实主义与抽象主义的视觉特征。同时，意象油画创作中也需要积极借鉴西方油画构图和中国传统绘画的特征，重视油画绘画样式创作，保留能够充分表现其本质的部分，在画面中突出展现该要素。应充分体现意象油画的平面特征，最大限度地减少物象物质性和立体感。与此同时，尽量保留物象的空间关系，使油画能够更好地展现空间感。绘画中不得在一个固定点透视，需基于物象与意境相结合的创作方式，将线条流动的节奏作为重点。基于人的视觉规律，采取重叠、大小和左右等多种方式，塑造物象空间关系，一方面保留西方意象油画的精华，另一方面也可采用平面化的表达方式，打造超越时空的油画作品。

四、结语

意象油画在发展中，应与地域文化和民族精神高度融合，由此彰显出较高辨识度的风格特征。在传统文化的影响下，画家应该不断创新创作的思维和理念，从本土文化中吸取创作元素，在画作中更好地展现民族精神，依据地域文化及个人情怀，全面体现画面的视觉效果，从而顺应观赏者的审美要求。

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中图分类号：J213 文献标识码：A 文章编号：1005-5312（2015）24-0053-01

自油画艺术进入中国以来，经过长期的融合已形成了具备中国特色的一门艺术，其融合了中国的传统文化与审美特点，进而形成了意象油画。伴随着女权主义意识的萌芽与发展，女性以独立的精神形式立足于社会形态之中，而女性意象油画艺术家又将自身独属于女性的思维模式与审美特征融入于其中，进而使得本就具备了诗意般的意象油画具备了独特的艺术魅力。

一、意象油画概述

所谓意象指的是寓意于象，借象抒情，就如同我国的诗歌一般，以借物抒情的方式来表达作者的所思、所想与所感。而意象美学对于中国绘画艺术的影响较为深远，已成为了当前中国油画艺术的灵魂，是当代中国油画艺术的独特表现形式。通过中国当代意象油画，能够使欣赏者体会到中国社会的文化与审美特征，甚至整个社会的意识形态，这也彰显了意象油画的艺术魅力。西方油画进入中国的历史已有上百年，在20世纪初“西学东渐”的影响下，中国油画萌芽，在逐渐发展过程中实现了文化的融合，具备了属于东方文化特色的艺术风格。到了上世纪八十年代，在改革开放的推波助澜下，艺术思想的解放潮流使得女性意象油画艺术诞生，直到2005年，在中国意象油画探讨会上意象油画在中国真正的实现了独立。

二、意象油画创作中的女性思维分析

（一）女性意象油画创作的思维视角

首先，源于女性母爱的天性。女性的生命过程中会经历为人妻、为人母的过程，这一独特的体验就使得女性拥有了独特的生命体验，复杂的情感落于画笔之下，使得相应的作品就具备了属于女性的细腻情感，尤其是母爱的天性，这种人世间最为质朴且纯真的情感成为了描述亲情的最佳思维视角。其次，源于独有的情感思维。对于女性艺术家而言，情感通常是其创作的出发点与灵魂，以意象油画来实现情感的传递。女性天生就属于感性思维生物，因此，在创作的过程中这种思维模式会使其将自身或悲或喜等情感融入其中，真实的情感体验使得意象油画具备了属于女性的艺术魅力。最后，花的情感传递。花作为美丽的代言人，是女性天生就情有独钟的对象，女性艺术家在表达情感的过程中往往会以身边的细微景与物入手，而花这一事物就造就了女性眼中最美的风景。通过对花之意境的描绘，创造了独属于女性的意象油画之佳作。

（二）女性思维与意象油画的融合

1.女性思维模式下的意象油画风格

女性天生情感的细腻使得其能够更深刻的挖掘出事物的内在，其心理特点、社会角色等的不同也使得其对生活的体验不同，将所有不同与男性的特点落于画笔之下，就使得相应的油画具备了独属于女性的艺术魅力。女性艺术家创作的灵感常常都是来自于生活中一些很细小的情节，通过自身感性思维的加工就实现了真情的融入，而这种真情实感很容易引感上的共鸣，进而也就符合了意象油画创作的意境。意境油画创作是女性艺术家情感的宣泄，实现了对其精神的慰藉，彰显了新时代女性的特征。

2.情感的表达

事实上，对于中国的意象油画而言，其更像是融合了中国传统美学的意象与西方的文化精神，即中西方文化与情感的碰撞与融合。从古至今，我国的文人墨客无不重视自身情感的抒发，寄情于景的创作手法在各个文化艺术领域都有着突出的表现。而女性更擅长抒发出自身对生活、情感等的感受，与男性不同，其所扮演的社会角色不同，其对生活的体验、对事物的思考等都受自身的思维模式影响，温婉、细腻的情感世界使其在意象油画的创作中更多的表达了自身的真情实感。女性的敏感、脆弱、温柔等特征也使得其在情感的表达上更加的细腻且独特，这便是女性意象油画的魅力所在。与此同时，女性唯美、浪漫的天性特征也使得其情感的表达更加具备了诗情画意般的特征，在女性思维模式的作用下，其能够敏感的抓住生活中那些擦肩而过的情感，进而落于笔下，形成了意象油画的独特魅力。

三、总结

综上所述，中国意象油画融合了中西方的文化精神，彰显了独特的艺术魅力。在女权主义的不断影响下，女性精神的独立使得其更加的注重自我，在不断实现自身价值的过程中，其以自身独特的思维视角抒发了对人生的情感。对于女性意象油画艺术家而言，正是因为有着这样的独特思维视角，进而才创造出了与众不同的意象油画作品，在这些作品中所呈现出的不仅仅是当代女性的情感世界，同时也将女性的天性展现的淋漓尽致，进而赋予了意象油画以独特魅力。

参考文献：

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江苏地区是国内油画艺术发展的一个重要区域，更是形成了中国油画风格多元化的艺术特色，在这里，一大批的著名绘画艺术家都为我国油画艺术的拓展作出了非常大的贡献，如刘海栗、徐悲鸿、苏天赐、盛梅冰等。总体来看，江苏地区的油画艺术家们在油画艺术创作的整体表现上，通常采用将西方油画创作的色彩及笔触技法与我国传统绘画创作讲求中的意境、韵味相结合的方法，使其在油画创作上带有传统文人画的精髓，并且追求一种极具诗情画意的意蕴表达，体现出一种带有浓厚东方特色的油画艺术风格。

1 江苏现当代油画创作与传统文人画的艺术关联

探讨现当代江苏油画的文人趣味性，就一定会联系到中国传统绘画中的文人画。在现阶段的油画作品，很多画家并没有一个统一的风格，而江苏现当代的油画艺术创作多追求画面的意境表达，现代的油画中的部分作品其审美表达与文人画中的诗意、墨韵有很大的相似之处，很多作品中强调对个人情感的渲染也与文人画主观主义个人精神的表达相一致。绘画艺术的创作往往是要求突破物象本身固有形态，重点在于创作者的个人感受，外在的表现仅做参考，进行绘画创作的是感受，而非物象的写实再现。

我传统文化对于现当代的艺术创作者们影响是深刻的，很多油画艺术家一直在尝试将中国传统绘画精髓融合到现在的绘画创作中。精神层次追求已经成为现代人们致力的一个方向，艺术创作者们也正努力将这一主题引入到油画创作中，将传统文化中有价值的元素运用到油画创作中。例如现南京师范大学博士生导师盛梅冰教授作为当代江苏油画界的翘楚，对于文人笔墨风格非常的青睐。在盛梅冰教授的众多油画作品中无不传递出一种江南画家特有的意趣和性情。虽然画家在作品中仍然忠实于西画的绘画技巧，但作品大都显示出了平淡、质朴的绘画风格。在盛梅冰教授近期的一些创作中，我们能明显地感受到画面中具有的宋画意味，在许多的风景画面中他将日常生活中我们所感受到的自然之间的关系以一种质朴浑厚的笔触表达出来，这正符合盛梅冰教授“以平淡之心造写天成之物”的创作理念，也代表了当代中国油画家对待自然的真诚态度。

艺术创作的主体行为者是创作者本身，传统的文人画通过从事艺术创作的艺术家自身的影响与感染从而影响其艺术行为，在江苏地区不少油画创作者都或多或少的受到了文人画的影响，文人画艺术创作在促进古代绘画发展的历程中有着不朽的功绩，在今天，关于我国油画艺术事业的拓展也是一笔宝贵的财富。

2 江苏现当代油画创作中的民族地域特色以及时代性特征

江苏地区油画创作从整体上来看，写意油画多引用传统绘画中南派画的表现，传统的民间绘画用色等也能够从很多油画作品中看到其踪影。例如当代著名油画艺术家苏天赐的创作，其风景油画作品中的写意性，将传统的中国山水画的精髓融入笔触当中，写意是其创作中的核心，其清新略带朦胧的画面，明亮而又婉约的色彩，交织出一幅幅灵秀飘逸、静谧温婉极具文人趣味的优秀油画作品。从苏天赐的诸多优秀作品中可以看出其作品具有非常鲜明的地方特色，给人一种温婉、惬意之感，与江南美丽的风景一样温润、清新，这也是他油画创作的一大特色。不能不说，作品风格的形成与民族地域风情有着很大的关系。

绘画创作的时代性是指相对于传统而言，并与当代的作品相比较得出的时代特征区分，江苏诸多优秀油画作品每个时期都带有着其鲜明的时代特征。中国现代油画家徐悲鸿是将西方现实绘画主义以及审美观念引入中国的先驱之一，在其留法期间和归国初期是其油画创作的巅峰，他的油画作品与西方油画的热烈、丰满、敦实是有所区别的，在其写实主义风格的油画创作中，也体现出了一种含蓄、内敛、宁静、优美的东方意蕴，有着鲜明的文人趣味色彩。而徐悲鸿的艺术人生与时代是紧密相连的，他的写实主义风格与苏联的社会主义现实主义风格相似，个人认为这也是其能够确立在中国美术史重要地位的原因之一。

3 江苏现当代油画创作中的笔触与意蕴的书写性

绘画艺术的创作在西方文化中讲究的是形式美感，在我国艺术领域讲究的是节奏与韵律，艺术表现形式一直是所有艺术门类共同关注的。我国绘画艺术在历经各种绘画风格流派的一番洗礼，对于艺术创作材料技法的探索研究越来越重视，并在创作中与超越现实自然物象追求诗意一般的意境相融合。从诸多现当代的油画作品中看，江苏油画更加重视从中国传统文化与绘画技法中吸取养分，创作的材料以及表现语言，很多在创作中便体现了浓重的文人趣味性。

我国的绘画家常常在真实客观的表现描绘物象时，更加注重的诗将个人的思想情感与艺术审美融汇进去，通过对用笔的轻重缓急、抑扬顿挫来控制笔触，传递情感。江苏油画诸多作品中，无不重视对点与线的运用，尤其是风景画的创作，在画面中恰当地运用表现使之形成别具一格的艺术特色。当代江苏籍画家王荣先生，他的风景油画创作享誉国内外，他在清淡雅致的画布上，时而轻点细勾，时而提按点画，对于点与线的运用得心应手，王荣先生的杰作《春山多胜事》油画作为国礼赠送给了他国总统，这幅作品让人感觉到春意盎然的暖，朦胧意境的雅，画面中如诗如梦般的意境，让人深深沉醉其中。

我国艺术创作领域，本就有“书画同源”之说，书法与绘画艺术的融合，恰好塑造了中国绘画的基本艺术特征，一方面是绘画技术上的书法用笔，另一方面，是艺术家本身在创作中修身养性的写气，我国传统的文人画艺术特征可以说就是汲取了书法艺术的审美。江苏现当代油画家杜璞，其油画作品《牡丹亭》等系列作品中鲜明地体现出对笔法的书写特性，尤其是对人物衣带的刻画，汲取了书法用笔行云流水般的飘逸美感。书法艺术中线条的魅力，对于绘画艺术的创作影响是非常大的，很多艺术家在创作中运用线条艺术，既是个人化的一种表现形式语言，同时又是一种富有表情与意象的一幅图像，在油画创作中，线条的完美运用就像是创作者心灵的轨迹与艺术生命状态。

4 结语

江苏油画创作中的文人趣味性，根本上讲是由其“写意”本质来决定，作品中是对画家精神思想与内涵的体现。绘画艺术创作本身就是对画家自身意识与心灵的一种映射，是画家精神情感的表达，而油画艺术的发展与进步是需要在继承传统中寻找新的东西，在发挥油画技法材料与特征的基础上，更要不断汲取传统文化的养分，重视意境与诗意的追求，以使具有东方特色的油画创作地位更加稳固。

参考文献：

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一、将素描应用于写实油画创作中的应用价值

（一）素描奠定了写实油画创作的基本构架

对于素描艺术来说，本身具有强烈的艺术表现特性，素描对于艺术创作的构图以及线条表达都有着特有的表现力，将之和写实油画结合在一起，本身在艺术风格和艺术诉求上，两者是相互吻合的，从写实油画的创作过程来看，素描是整个创作过程中的基础阶段，在进行艺术创作的初期，运用素描能够更好地将写实油画中的艺术概念以及关于色彩拼接的设置作出明确的划分。在此基础上，再进行写实油画的创作，能够让写实油画富有更强烈的艺术表现力，既有油画本身的基础性视觉特征，也能够和油画创作的真实性结合在一起，实现色彩的优化以及形象的更好塑造。

（二）素描技巧塑造了写实油画的整体表达方式

在整个油画艺术中，写实油画和其他艺术不同之处就在于更强调最终呈现的真实性效果，素描本身就是基于实体进行创作，通过有力的线条感和艺术性，对油画创作中的细节进行深入要求，在整个写实油画创作的过程中，以素描作为基础进行打底，能够将写实油画创作中的真实感以及线条之美体现的淋漓尽致，对于写实油画来说，融入了素描艺术的创作手法，更能增添真实性的艺术效果，对于后期的色彩搭配来说，写实油画能够在素描艺术的帮助下如虎添翼。

（三）素描技巧优化了画面中的空间构造，可实现线条的界面转化

素描艺术在特征上是以三维空间的事业进行二维空间的构造以及表达，所以，在进行写实油画的创作时，画家要对景物运行空间上的设计以及构造，而这种能力的塑造和画家本身的素描基础有着直接的关系2。将素描的技巧运用于基础性的血学绘画创作中，能够将实物本身在三维空间中的明暗变化细腻的展现出来，也只有素描技巧，才能够仔细地勾勒出事物的空间以及画面，为观赏者带来真实性的艺术享受。同时，在写实油画中，线条本身的虚实以及空间的变化也能够为写实油画增添逼真的绘画效果，素描能够在写实艺术中将基础线条更为灵活地运用其中。在不影响事物本身的塑造基础上，将画家的情感融入其中，一幅优秀的写实油画不仅体现的是绘画着扎实的绘画技巧，也能够在写实的基础上展现出艺术的创造力以及动人。

二、素描在写实油画创作中的具体应用研究

（一）素描在写实油画创作中在画面空间上的应用

在上一部分的叙述中，笔者提到素描艺术能够推动写实油画从二维空间朝向三维空间过渡，作为能够实现过度的基础性艺术展现方法，素描能够在写实油画中发挥出的是其空间性的特征。在对于绘画实物进行景象以及明暗虚实的塑造时，素描能够将完善性和真实性融合在一起，这也对写实油画的画家提出了较高的艺术要求，其要具备将三维空间向二维空间转换的基本能力，在最基础的平面绘画设计时，要凸显出线条的特征以及将线条的表现力和写实油画结合在一起，从空间和景象的角度3。发挥出线条的真实感，同时在进行油画艺术创作的时候运用素描也能够将光线的强暗以及物体的远近大小表现的淋漓尽致，即使是在平面上，也能够给观赏者直观的感受。在艺术创作的过程中，对于写实艺术来说要注重凸显出的也包括空间气息的塑造，只有掌握好画面中的空间关系，才能够凸显出真实性。而素描技巧在这方面的应用能够将物体的空间以及体积特征完好的展现出来，在平面的角度依然给人立体化的视觉震撼效果，所以从这个层面上看，在写实油画物象空间的关系以及画面的真实性上，只有有整体上大幅度才能提升最终效果。

（二）素描线条在写实油画艺术创作中的应用

写实油画在创作的过程中，需要以素描作为基础对象的绘画第一步，当画家在进行写实油画创作中的线条勾勒以及设计时，必不可少的就会应用到素描创作方法，当在画面中，需要呈现的是一些萧条的景象，或者一些基本实物的线条设计时，素描能够凸显出轮廓的特征，并且将事物主体的线条和空间特征融合在一起，实现整体性和空间性的塑造。在融入了素描创作技法的油画写实作品，展示出的实物的形象更加生动，并且和空间的联系也很紧密，能够快速的将观赏者带入到写实油画的情境中。例如，当画家在创作山水景色的写实油画时，除了可以通过色彩的组合凸显出山水的立体感觉之外，也可以运用素描的线条将山水的复杂生命特征展现出来，让作品具有一种二维空间的特有生命力4。在线条勾勒的轮廓过程中，素描也可以帮助画家更好的展现出物体的曲折性以及转折特征，通过和空间整体性的融入形成线条和空间的和谐相处。从这个角度上看，素描中的线条创作能够对写实油画产生直接的画面效果影响。

（三）素描草图在写实油画创作中的运用

素描同样也是一种基础性的绘画技法，在进行油画创作时，素描也常常被应用于创作的初级以及一些实物的基本表现。在拿捏上，素描对于整个画作的构图，有着得天独厚的优势所在，一些画家的进行艺术创作时，会利用素描的草稿将画面大致描绘出来，然后再进行后续的艺术加工5。素描草图本身也被视为一种具有审美价值的艺术创作技法，画家要能够将素描的这一特征和写实油画结合在一起，既要有些实物的质感，也要将素描创作的概念展现出来，画家在进行油画的创作时，在内容的确定、题材的选择优化以及色彩的运用等方面，都可以借助素描草图来完善整幅画面。在最终的油画作品展现上，素描草图的应用往往是多层面多方位的，在诸多油画创作的环节中都可以融入素描草图，这种随处可见的素描草图也正是其油画创作中能够展现的艺术魅力。从整体效果上看，素描草图的悠悠能够将线条以及形象更干练的描绘出来，也体现的是画家的心血以及构思。一幅完整的素描草图，其艺术表现力并不会因为其为素描草图而有所降低，反之，寥寥几笔便能勾画出人物的轮廓，这也是素描草图的艺术价值所在。在进行写实人物油画创作时运用素描草图可以让画家快速的抓住人物的外形特征，通过不断的和素描草图比对，在上色时也能够将人物的形象性格更鲜明地展现出来6。所以，在艺术创作的过程中，画家可以采用对比素描草图的方法为写实油画增添生机和活力，素描草图中，对于一些细节的强调也可以融入在写实油画创作中。通过简单的笔法勾勒，凸显出写实油画中的真实笔触。