时间:2023-08-04 17:21:08
序论:好文章的创作是一个不断探索和完善的过程,我们为您推荐十篇艺术与艺术教育范例,希望它们能助您一臂之力,提升您的阅读品质,带来更深刻的阅读感受。
一
自从素质教育的思想在我们的教育体系中开始实践之后,美育教学(或者说艺术审美教育)就一直是一个比较热门的话题。通过一种大众化的艺术教育提高学生的审美修养的重要性已经逐渐被全社会所认识。但是在具体的操作过程中,笔者认为,现有的非艺术类学生的美育教学方法还有值得商榷之处。应该说,现有的美育教学方法还停留在专业本科艺术学院教学方法的“简化版”的基础之上,也就是说,在原有“艺术精英”的教学模式下,学生主要是在课堂上听一些比较枯燥的美学知识和美学原理,一些学生因此把自己当作一个局外人,完全没有进入到对审美的兴趣和思考的过程中。对于上述的教学方式,不能说它们不重要,因为了解一些艺术方面的常识、艺术史的知识或者美学思想,对学生来说都是有一定的帮助作用的。但是,对于那些非艺术类的学生,笔者认为,我们必须要从专业美术教育的模式中摆脱出来。也就是说,要在这些比较专业甚至有些枯燥的教学行为之外加入“剂”来滋润学生的心灵,这个“剂”就是指一定的“艺术实践”。
笔者所说的“艺术实践”,并不是指专业艺术院校的学生所进行的艺术学习与创作实践,而是指学生把自己所学习到的一些美学思想运用到生活中去,从而更好地提高他们的审美感知力。因此,在这个过程中,学生既要有一些动手参与的部分,更要有动脑思考的过程,思考如何从生活中去挖掘自己身边的鲜活的美学思想。那么为什么要提出这个问题呢?同时,如何来看待这个问题呢?笔者认为,首先要从对艺术的基本认识来探讨。
二
美国的一位艺术教育家玛丽·埃里克森曾经谈到:“与其说艺术只是一件东西,还不如说艺术是一种活动。”①把艺术认为是一种活动的思想有很多学者和教育家都曾谈到过,他们反对把艺术当作在博物馆里供奉的某种物品,或者是停留在美学家们著作内的一些文字,而是把艺术当作一种变化的、充满活力的形式。艺术品并不是只有进入博物馆才能够成就为一件艺术品。很多人过分迷恋那些所谓成为经典的东西,而忽略我们身边出现的各种事物。但是实际上,艺术本来应该是一种语言,而且是与我们的生活关系极为密切的一种语言。就视觉艺术而言,有一个人所共知的事实是,在人类的文字还没有出现之前,绘画就已经作为交流思想、记录历史的形式而出现在人类的文明中,甚至还演变成为象形文字。人类早期具有的简单的造型能力,使得儿童在没有进入人类的符号化的文字系统之前就已经能够用绘画表现自己对世界的直观认识。艺术的语言性的特征表现在艺术的各个门类与各个时代,它除了是一件让人欣赏的物品之外,还是对某一个时代生活的记录或者某一个艺术家的内心独白。既然艺术是一种语言,那么从本质上来说,每一件艺术品在成为历史之前,它都是具有当代性的,都是对当时生活的一种反映。每一个艺术作品首先是从那个时代的土壤中生长出来的有生命力的一种存在方式,反映了某个艺术家特别渴望表达的内容,而后才脱离了那个时代变成一个被传颂的“标本”。忽略了上述意义,只注重从一种知识的角度去认识艺术,无异于将一个鲜活的生命制成“木乃伊”。因此,如果我们的课程只是能够看着某一个既定的图像或幻灯片(指作品),“对号入座”地说出一大堆诸如艺术大师的姓名、所生活的时代、生卒年月等问题的话,就很难激发学生的兴趣。因为即便从记忆规律的角度而言,这些内容因为无法令学生留下深刻的印象而会快速地被大脑“删除”。
三
其实从一个个体的角度而言,每个人都有表达自我的愿望,这是不容置疑的。只不过这种自我表达的愿望可能会被某种形式限制住而不能很好地表现出来。例如在西方古典主义绘画时期对绘画技术的严格要求,使得只有少数经过专业训练的人才能被称之为“画家”,因为他们熟练地掌握了能够逼真地再现客观世界的方法。由于成为一位专业的画家要经过长期的,甚至是枯燥的技巧训练,因而使得很多人对此望而却步,技术与非技术的问题实际上也成为进入艺术世界的一道很高的门槛。但是到了现代社会,这种情况发生了某些改变。复制客观世界的工作由照相机、DV等工具承担了大部分,法国哲学家利奥塔曾经说过:“只要按一下快门,普通公民,无论是业余摄影者或旅游者,就可以将身边空间组织成一幅画并丰富文化记忆库。”②这使得人们可以从单纯的技巧训练中解放出来,通过现代的手段去表达自己的艺术思想。这并不是某些人认为的艺术的堕落,而是并不背离当代艺术教育宗旨和技术发展的一种有益的变化——艺术变成了一种可以被享受的权利。有很多人尽管不是从事艺术专业,但他们并没有随着时间的消逝而丧失自己的艺术感受,但是又没有途径去很好地表现这些感受,上述方式可能会给他们提供一种较好的途径。而那种灌输式的教育方法并不能够使他们得到满足,而只会产生倦怠。
德国的艺术家博伊于斯曾经说过:“人人都是艺术家。”这句话在20世纪70年代之后成为视觉艺术世界中的一句经典之语,很多艺术家都曾经被这句话所鼓舞而投入到艺术创作中去,他们发现,一旦想象力之门被打开,那么个体所存在的潜力是无限的。美育或者说艺术教育的目的是让人们发现生活之美,其目的是启迪人的智慧而不是拒人于千里之外,这个道理虽然很容易理解,但是在具体的操作过程中,我们却人为地设置了一些与快乐主义相违背的障碍。过分偏重技巧或者过分偏重知识的记忆,使得课程显得并不那么充满趣味,甚至有些令人厌烦。在这种情况之下,我们必须引导学生积极地回到生动艺术的思考与实践中。实际上,每个人都有着对生活的体验,这种体验甚至是每时每刻的。文学前辈林语堂先生在他的著作《生活的艺术》中关于中国文学和哲学的见解是有启发意义的。他说:“当人们检视中国的文学和哲学的时候,他将得到一些什么东西呢……没有逻辑,没有学院式的胡说,没有学究式的专横的假定主义,这里只有一种对生活的亲切感觉,而没有一个设计精密的哲学体系。这里没有一个康德或黑格尔,而只有文学家、警语作家、佛家禅语和道家譬喻的拟议者。”“我们所看到的大概是一次对人生遭遇的评论,对邻村中一个女子的记载,或对一次春游、一次雪宴、一次月夜荡桨、一次晚间在寺院里躲雨的记载,再加上一些这种时节各个谈话的记录……所有的著作每篇不过四五百字,有时单用一句诗文即能表达出整个的人生哲学。”③从林语堂的这些议论中我们不难看出,中国古代的文人虽然没有美学的长篇巨论,但是他们在生活方式上所表现出的精神气质却是明显的美学化的。这一点很像中国传统的“文人画”,尽管它作为一种传统而已经被神圣化了,但是从历史上来看,文人们在创作的过程中并不是以一种神圣的心态来创作,而大多把它作为抒发自己内心情感的一种语言或者是带有游戏性质的绘画实践,他们并没有被技巧所束缚,相反他们“意笔草草,不求形似,聊以自娱尔”。他们所创作的作品完全是源于他们对生活最直接的感受。
四
上文谈了这么多,笔者实际上想表明一个问题,我们的美育教学必须从“课堂走向生活”,不能用大量苍白的知识和僵化的技巧掩盖生活的缺失。艺术教育应该使学生意识到个体生命存在的快乐,使他们意识到这种快乐并不遥远,而就在他们的身边,甚至是与生俱来的,学生由此将获得一双发现的眼睛。如果没有生活实践的参与,那么他们所掌握的永远都只是一些浮光掠影的表面知识,而无法进入到艺术世界的内部,也无法体会艺术的乐趣。在具体的教学过程中如何实现它们呢?笔者认为,最重要的一点就是使学生主动参与到美育教学的活动中来。像在美国上世纪80年代中小学的艺术教育体系中提出的,以学科为中心的艺术教育和90年代的综合艺术课程都强调了学生要动态地了解艺术的常识、美学的原理、批评的技巧与自己参与创作。在这个过程中,学生不断地挖掘自身的各种精神体验和创造力,通过各种方法和媒介加以表现。在这个过程中,没有一个方法或者一种体验是绝对的。这就比较符合美育教学的初衷——发现,了解,审美,批判,怀疑,创造。
上述理念我们可以把它概括成为:从美育到生活,再从生活到美育的过程。通过这种方式,加深学生对于美的深刻的认识,同时也是对学生自身创造力的一种肯定。从具体操作来说,就是两个方面:一是审美欣赏日常化的问题;二是日常生活审美化(或者说艺术化)的问题。审美欣赏的日常化也就是指通过一定的方法使一些艺术经典(一些艺术大师的作品)与学生的生活发生关联。因为对于并不是从事艺术专业的学生而言,过分艰深和晦涩的知识也许会让他们望而却步。我们可以把这些知识加以“软化”,从而变成学生能够接受的内容。并且找到这些作品与他们生活之间的关联,能够加深学生对生活的体验。美国心理学家阿恩海姆认为,艺术是形象化的思维,也就是通过眼睛和形象的表达所进行的思考。每一个艺术家身上都有他独特的精神气质,学生可以通过教师的讲述先对这种精神气质有所了解,然后通过一定的方式,比如说让学生自己分析,或者动手做一个简单的临摹,加深学生对这个作品的认识。甚至可以让学生在这些作品上加入大胆的改造,从而使这幅作品产生新的效果。比如在我国香港的艺术教育中,教师为了激发学生的兴趣,让学生采用马蒂斯的风格来为自己喜爱的CD设计封面。日常生活的审美化,也就是让学生关心自己身边发生的事情,并且用一种艺术化的形式把他们表现出来。国外的一位学者Klaus Sliwka就提出视觉沟通(Visual communication)的主张,认为绘画、电影、电视、广告、照片等形式,充分体现视觉艺术的信息沟通与交流功能,使艺术成为比文字语言更加直接的交流方式。这一点对于非艺术专业的学生似乎很难,其实不然,每个人都有自己比较关心的问题,教师可以从一些学生比较关注的问题入手,鼓励学生动手来表达对这些问题的一些看法。比如说“安全”问题,可以让学生通过剪报、海报、漫画、拼贴、电脑美术等形式,表达对自身安全的注意。学生作品的成败、好坏并不是最关键的,关键是让他们参与到其中,体会其中的乐趣。同时,也可以促使他们就一些问题不受限制地展开思维。就像另一位外国艺术家奥托所提出的现代艺术具有实验性的功能,即实验新的理论,新的思考,这样才能促成新的社会和新的文化的产生。奥托的理论表明艺术本身具有很强的开放性,现代社会技术与艺术的同步发展就足以证明这一点。因此我们的艺术教育或者美育也必须具有开放性,必须提供足够的空间给学生,激发他们的思想或者能够容纳他们的创造力。
美育是一项长期的、艰苦的工作,它是一个针对生活在一个不断变化的社会中的“人”的工作,所以不能用一种固定的思维模式来看待它,不能以学生记住了多少著名的作品、多少大师的名字来衡量,而要看学生通过学习,有没有激发起对生活的兴趣,有没有激发对艺术的兴趣。一个开放的、互动的、变化的美育课堂是我们所需要的。这些因素虽然与“记忆”所产生的效果相比是一种“隐性”的,不太那么直接反映出来的效果,但是对学生而言,也许是更持久的,更能给他们留下深刻印象的一种效果。
注释:
①(美)艾迪斯 埃里克森著.艺术史与艺术教育,四川人民出版社,第3页.
②(法)让-弗·利奥塔等著,赵一凡等译.后现代主义.社会科学文献出版社,1999年1月第1版第1次印刷,第19页.
③曾繁仁主编.中西交流对话中的审美与艺术教育论文集.山东大学出版社,第147页.
参考文献:
[1](美)艾迪斯 埃里克森著.艺术史与艺术教育.四川人民出版社.
[2](美)沃尔夫 吉伊根著.艺术批评与艺术教育.四川人民出版社.
二、艺术教育中渗透民间艺术元素的教学策略
民间艺术博大精深,门类多样,民间艺术渗透到艺术教育中的目标不能仅满足停留在表面的形式上,不能仅把教会学生一两样艺术技巧作为我们教学的最终目标,而是要在提高艺术修养的同时让学生懂得合理开发和创新运用,通过显性或隐性的语言、符号或精神反映到学生具体的创新实践中去,这才真正体现了进行民间艺术教育的真谛。[3]所以其教学策略要重点围绕着这个核心目标来展开,在科学、合理性基础上,采用丰富、多样的教学策略来有效进行渗透。
第一,结合当今大学生传统文化知识薄弱的特点,适当补充设置一些地方传统文化教育普及的课程,地方传统文化与地方民间艺术息息相关,民间艺术中呈现的思想、意境往往是地方传统文化的艺术再现,通过地方文化与相关民间艺术比较的讲解,可力求让学生能够透过“艺术现象”看“文化本质”,领会和掌握民间艺术中的博大精深的艺术语言。
第二,在进行地方民间艺术传授的过程中,为了避免枯燥、乏味,使学生失去学习兴趣,应多以互动实例的方式来进行,让民间知识在不知不觉中渗透到互动案例的展开当中,积极鼓励学生动手创作,诱发学生学习的积极性。
第三,针对民间艺术知识应长时间学习的特点,所以除了集中设置课程外,还应该让民间艺术学习分散、分流到高校大学生第二课堂活动中,可以不定期的邀请地方民间工艺大师、艺人举办一些讲座、论坛,以此来丰富学习的方式,让学生在亲身感受民间工艺大师、艺人的艺术气质,增加学习的乐趣。[4]
二、强化素质教育的建议与对策
(一)家长要理性看待考级
随着素质教育的不断普及,考级并不是提高孩子素质的唯一途径。所以,针对艺术考级问题而言,家长一定要理性看待,根据孩子的兴趣爱好,让孩子选择自己喜欢的艺术方面,展开相应的系统学习,进而参加考级。同时,对于一些对考级不感兴趣的孩子来说,可以不参加考级,只是将其当成是一种兴趣进行学习。家长不要把孩子的考级成绩当成是互相攀比的资本,必须予以理性看待,这样才可以保证考级的健康、可持续发展。除此之外,在艺术考级中,并不是每一个孩子都可以一次性通过,对于一次性通过的孩子,给予表扬与奖励,让孩子再接再厉;对于没有一次性通过孩子,给予鼓励与肯定,让孩子继续努力,这样才可以促进孩子身心的健康成长,实现孩子素质的全面提升。
(二)规范培训机构,提高教师素质
在考级培训机构不断增加的形势下,一定要制定一套规范、科学的监督机制,保证考级培训机构工作的合理、科学,能够为孩子的音乐艺术培训提供良好的条件,不是为了应付考级而存在。同时,针对教师而言,必须达到相应的水准,可以承担教授孩子的任务。现阶段,国家规定教师必须持证上岗,只有具备教师资格证的,才可以教授学生,对于业余艺术教育而言也是一样。考级培训机构必须对教师资格进行考核,避免“无证驾驶”、“无证行医”等情况出现在艺术教育领域。
(三)培养孩子的音乐素质
在考级中,普遍存在着盲目拔高级别的情况,在一定程度上,增大了孩子的思想负担。一些孩子每天需要拿出大部分的时间进行练习,根本没有时间学习其它科目知识,并且还无法达到级别要求。针对这一问题来说,一定要结合孩子的实际情况,选择适合的曲目练习,并且合理调整曲目数量,保证孩子在其它科目学习之余,有时间进行练习。同时,要想提高孩子的艺术考级成绩,必须重视孩子音乐素质的培养,让孩子对音乐产生兴趣,进而展开学习。这样,孩子能够音乐海洋中尽情遨游,防止出现因为难度太高加大孩子压力的情况,有效提高了孩子的音乐素质,并且可以真正感受到音乐的魅力。
二、依托艺术社团和校园艺术活动,主题共演,有效激发公共艺术教育的发展活力
除了显性课程之外,我院还重视隐性课程的建设,即通过艺术社团和艺术活动将艺术教育延续到学生的第二、第三课堂中,围绕公共艺术教育与学生素质教育的同一主题,让学生参加不同的艺术社团活动和校园艺术活动,将有导向性的艺术教育渗入学生课外生活,从而建立起一个艺术教育的网络,扩大素质教育的辐射面。
1.依托各艺术社团的活动,普及公共艺术教育学校成立了合唱团、舞蹈团、相声社、油画社等社团,社团经常举办内容丰富、形式多样、参与性强的艺术活动,保证了艺术活动的高参与度。清风书画社作为我院历史最悠久的社团之一,经过30多年的发展,已经成长为集书法、国画、陶艺于一体的艺术创作型社团,在省级大学生艺术展演中多次获奖,2008年获无锡市高校十佳大学生社团称号。油画社、相声社、ST秀社荣获2011、2012年度无锡市高校十佳社团。乐陶社学生陶艺作品《紫泷玉》组壶获2011年“全国高职高专艺术设计专业优秀毕业设计大赛”银奖。
2.依托校园艺术活动,创新公共艺术教育多年来,校园艺术活动依据“大型艺术活动届次化,届次艺术活动品牌化;中型艺术活动各系化,各系艺术活动专业化;小型艺术活动社团化,社团艺术活动精品化”的原则,探索艺术活动品牌化、专业化、精品化的发展途径。每年的迎新晚会,学院都邀请青年喜欢的明星与学生同台表演;每年的科技文化节和“五四”文化艺术节,学院都会举办各种形式的活动,几乎全院学生都会积极参加。我们立足学院公共艺术教育的传统与优势,立足艺术活动的实际变化和师生实际需求,不断创新艺术教育形式,让校园艺术活动既有深厚的文化底蕴,又有强烈的时代感。我院经常举办经典诗歌朗诵会、专场文艺晚会、大学生艺术团汇报演出、歌手大赛、演讲比赛、辩论赛、设计竞赛、书画展等活动,推动公共艺术教育的传承创新,活跃青年大学生校园艺术文化,从而提升大学生素质。2012年12月,在共青团无锡市委主办的无锡大学生十佳歌手总决赛上,来自无锡12所高校的22名选手参加决赛,我院大学生艺术团的姚志鑫同学获得金奖。
3.依托社会实践、志愿服务活动,扩大公共艺术教育影响力我院在社会实践与志愿服务活动中培养与提升学生艺术素养,既遵循艺术教育的客观规律,又进一步扩大了学院公共艺术教育的影响力。我们实施“请进来,走出去”的方法,向社会展示教育成果,与群众共享教育成果,扩大社会影响。第一,与社会实践相结合进行公共艺术教育。我院公共艺术教育在社会实践中提升艺术素养,以服务地方文化为指导,以文艺宣传演出等社会实践形式参与新农村文化建设,将优秀的校园艺术文化移植到地方,实现公共艺术教育的本土化、个性化,实现校园艺术教育与社会文化建设的有机融合。第二,与志愿服务活动相结合进行公共艺术教育。青年志愿活动是培养大学生社会责任感和增强服务社会意识的重要途径,也是展示我院公共艺术教育成果的舞台。我院礼仪队受国家林业局的邀请,参加了2012年中国宜兴素食文化节和第七届中国竹文化节的接待工作,礼仪队的仪表仪态受到了中外来宾的高度称赞。
三、依托校园艺术环境,潜移默化,有效形成公共艺术教育的发展合力
1.开设艺术讲座,普及艺术欣赏知识为进一步推动公共艺术教育的开展、拓展素质教育的形式,学院根据自身特色,有计划地聘请艺术大师和传统工艺专家开办普及讲座,力求将传统文化、非物质文化遗产传承与保护、前沿设计等艺术教育融入学生的知识体系。如蓝印花布传人吴元新的《非物质文化遗产保护与传承》、陶艺家吴鸣的《传统陶艺与现代文化》、徐秀棠大师的《雕塑与空间以及中国传统陶艺》、省工艺美术协会马达理事长的《江苏工艺美术的“过去、现在、未来”》、省陶瓷行业协会时顺华的《紫砂茶具的论文写作》、东南大学艺术学院教授的《工艺美术的非物质文化申遗》等,这些讲座不仅使学生受到艺术熏陶,同时也激发了他们的创造潜能。
当代艺术主要指具有现代精神和具备现代语言的艺术,处在传统艺术和未来艺术相交碰触之处,如何正确欣赏、分析、理解和评价当代艺术,是现代艺术设计教育的重要组成部分。当代艺术的发展打破了艺术与日常生活的界限,在艺术生活化与生活艺术化的双重融会中,大学生对自己身处时代的艺术更容易感同身受,产生浓厚的兴趣。但目前国内大学设计专业教育对当代艺术普遍着墨不多,如何正确认识当代艺术与艺术设计之间的关系、发挥当代艺术在艺术设计教育中的作用,是目前从事艺术设计教育的教师需要迫切思考的课题。
一、艺术设计教育的现状和困境
艺术设计的包容性和复杂性决定了艺术设计教育具有的开放性和多元性,诚如清华大学教授李砚祖所剖析的:“艺术设计具有包罗万象的兼容性,它既涉及材料详细表达技术,又涉及方法和观念,既是艺术又是技术,既有人文学科的属性又与自然科学相关,既有实用功能的限定又有审美心理要求,既有文化的传承又要求创新。”①因此,基于艺术设计的学科特点,艺术设计的相关课程应具备丰富性和系统性的统一。丰富性是指艺术门类包罗万象,既包含工艺美术、现代设计,也囊括古典及现当代艺术,还涉及民间、民族和国际艺术;系统性体现在艺术的繁复性和矛盾性,艺术设计不仅教授学生专业的技能,还涉及艺术的欣赏、批评和阐释,需要学生全面整体地予以掌握。在艺术设计教育中,要防止学生因专业划分导致的知识结构片面性和狭隘性,培养学生全面、深厚的人文素养,这也是“宽口径、厚基础”教育理念在艺术设计学科中的重要体现。具体到当代艺术课程的设置,主要是通过当代艺术的学习培养学生的审美情趣、哲学思辨能力,开发学生的想象能力,提升对艺术与生活的理解、体验能力。目前,我国众多高校的艺术设计学科正在摸索中办学,经历了20余年的艰难探索,形成了一种相对主流的教学理念。大多数艺术设计院校重视适应市场发展和产业的需要,积极吸收科技进步带来的成果,加强艺术设计与科学技术的联系,注重根据社会需要调整专业课程,培养学生的实践能力和专业设计技能,从而提高学生的就业能力。从目前高等设计院校的现状来看,设计学科提倡设计实践,注重与市场需要的有效结合,具有明显的短期成果优势。但从长远角度来分析,学生在职业工作中的成长能力不足,很多学生都反映自己能够适应不同的技术材料,却不知道该如何进行设计。可见,启发和培养学生的创造能力是设计教育的核心内容,而全面、深厚的人文素养是学生创造能力的源泉,对艺术作品的鉴赏、思辨能力同样不可或缺。
二、当代艺术在艺术设计教育中的缺失
目前,很多艺术设计院校已注意到这些问题,并在实际教学过程中对其予以修正和调整。笔者考察目前设计院校开设的基础理论课程,发现教育内容主要集中在设计概论和中外美术经典作品欣赏,关于中国和西方的当代艺术较少涉及。笔者曾在课堂提及中国的几位当代知名艺术家,学生大多对他们并不了解或一知半解。艺术设计专业学生尚且如此,遑论其他专业学生。美国芝加哥大学教授巫鸿在《谁来承担我们的当代艺术教育》一文中谈到,国外研究西方艺术的人有90%在研究西方当代艺术,而中国却相反,研究中国艺术的人中只有10%的人在研究中国当代艺术。事实上,当下世界当代艺术的活动非常丰富,国际和国内的三年展、双年展等艺术展览会比比皆是,以当代艺术为主题的博物馆、美术馆也在增加。很多人对当代艺术家的作品普遍会表现出较大的兴趣,但我国大部分大学生对当代艺术仍然处在基本不了解甚至完全不了解的状态。当代艺术不再存在一个标准的创作艺术方式,也没有统一的表现手段和形式。美国艺术评论家阿瑟•丹托认为:“不管艺术是什么,它不再是被人观看的对象。或许它们会令人目瞪口呆,但基本上不是让人看的。”②当代艺术的复杂性和多元性增加了对其诠释的难度,在艺术欣赏、教育的过程中,人们侧重于对艺术的消费和享受。从认知的对象到被消费和享受的对象,艺术对很多人而言仍然是陌生的客体。在实际教学过程中,学生与当代艺术的接触有限,难以发生共鸣。三、当代艺术在艺术设计教育中的价值作为现代设计教育起源的包豪斯设计学院,奠定了现代设计教育的理论体系,即教学、研究、实践三位一体的现代设计教育模式。这种艺术与工业结合的教育模式打破了将纯粹艺术与实用艺术分割的旧有教育观念,完成了艺术与工业之间的连接,使艺术与技术获得新的统一。近些年,我国的设计学院不断学习国外的先进教育经验,纠正了一些向包豪斯设计学院学习过程中的误读,不再一味注重标准化、技术化和功能化等工业化生产的要求,提倡素质教育,加强了艺术设计与艺术素质教育学科的联系,从根基上注重培养学生的欣赏能力、创造能力和想象能力,以期设计出优秀的作品。如笔者所在的深圳大学艺术设计学院有如下举措:第一,调整了一年级入学后立即分专业的做法,要求学生经过一二年级的综合学习之后再进入分专业学习;第二,细化和优化了文化素质教育课程,除了艺术概论和中外美术史欣赏以外,还开设了设计美学、当代艺术思潮、传统文化与现代设计、当代艺术评论等课程。具体来说,当代艺术有助于纠正大学生知识结构的片面性,提高其在美学、艺术以及社会文化方面的跨界融合能力,从而丰富精神世界,培养创造能力。当代艺术在艺术设计教育中的价值体现在以下三个方面。首先,当代艺术有助于设计专业的学生理解多元文化和培养跨界创作意识。产生于西方的现代设计,在创造物质财富的同时也带来了审美泛滥和一元化。在迅速发展的中国,“以往个性鲜明的城市被千城一面所取代,人们的生活方式和日常用品趋同……设计如何在改变这种现实中发挥作用,仅依靠产生于现代社会的包豪斯的设计思想是无法应对的。”③可以说当代艺术设计正在寻求着一种多元的、有活力的新的设计思维,而当代艺术的多元与复杂正可以打开学生的视野,突破藩篱。当代艺术的创作从架上绘画、注重视觉效应的作用向其他领域跨界,同时当代艺术也希望其他领域和自身跨界交融。其中最具有代表性的是美国的波普艺术。波普艺术大量采用设计艺术中的商品招贴、广告符号、电影广告和大众传媒的图像做拼贴组合,其代表人物安迪•沃霍尔更是采用丝网印刷,试图取消传统的艺术创作方式,直接挪用商业设计的符号,唤起大众关注现代社会的商业现实,以及艺术与商品的关系。对于当代艺术的跨界创作,美术理论家皮道坚认为:“当代艺术在美术史上最重要的贡献便是拓展了艺术的领域及其语言方式,而对于观众来说则是拓展了审美的感觉力,发展了人的想象力和创造力。”多元和跨界可以产生新的思维角度,学生在思考的过程中学会尊重不同的民族文化、生活习俗、生活品位和情感诉求,并以解决这些多元的问题为核心来创作,有利于脱离设计师先入为主的概念设计和同质化设计。其次,当代艺术有助于设计专业的学生认识设计、艺术、文化与生活的融合思辨关系。当代艺术证明美与艺术的本质并没有关联,艺术不一定是观看的对象,观念艺术的出现表明艺术品甚至不需要是可以触摸的物品。对于教师来说,引导学生评价和认识各种形式的当代艺术,必须从感官经验转向哲学反思。当代艺术比以往任何时代的艺术都更加注重意义和价值,追求艺术的深刻性、普遍性和永恒性等真理。尤其是对许多优秀的当代艺术家而言,他们不希望人们把他们的作品当作物品来看待,而是将其作为媒介来认识和改善社会大众的生活,让个人的世界乃至整个世界变得更加美好。这与艺术设计的本质追求完全一致。从表面上看,当代艺术拒绝表现美的视觉世界时,设计艺术却承担起了美化生活的责任,建构起日常生活审美化的世界;从本质上看,这表明人们的生活既需要感性的美的愉悦来创造理想的空间,也需要用哲学思辨的观念来帮助人们认识繁复多变的世界。在对当代艺术学习和认识的过程中,学生学会从哲学思辨的角度认识和把握世界,丰富自己的人格世界,把情感与理智完美结合在自己的设计中。最后,当代艺术有助于设计专业的学生认识到自由宽松的艺术创作环境和自身的社会责任感是统一的。多元化和跨界融合并不意味着、反人类甚至反文化的自由。但是,在当代艺术中有一小部分的艺术家因为社会政治体制的相对宽松,走向了狭隘和极端。尤其是中国当代艺术正处于一种多元文化互相交融也互相博弈、彼此合作又彼此批判的局面,正需要人们积极地展开讨论、研究和批判。正如丹托所说:“今天的艺术批评更关注这些意义是否同时具有真实性,而不是关注传统的视觉愉悦的观照。艺术家已经成为哲学家过去担任的角色,指引着我们思考他们的作品所表达的东西。这样,艺术事实上就是关于经验了艺术的那些人。它也是有关我们是谁、我们如何生活。”④
当代艺术中美丑混杂,真理与伪善并存,每个欣赏当代艺术的观众同时也是阐释者,越自由的创作环境也意味着越需要自律的社会责任感。设计的范畴不仅是物质产品,也涵盖了设计理念和价值,最终的指向也是人的生活和人性。学习当代艺术有助于学生树立正确的价值观和创作观,从而能设计出人们真正需要的作品,为国家设计事业做出自己应有的贡献。
作者:付蓉 单位:深圳大学艺术设计学院
注释:
①李砚祖.艺术设计概论[M].武汉:湖北美术出版社,2009:53.
1.2对公共艺术教育的理解不够深入学生自身、学生家长和社会各界都对公共艺术教育理解不深,或者存在偏见,这都对公共艺术教育的发展不利。从大学生自身角度来看,公共艺术教育并不是必修课,因此课堂仅仅是休息、娱乐的场所,很难为了提升自身的审美修养而钻研专业知识,认为与通常的教育不能相提并论。大学生中普遍存在的问题是对教育意义的理解偏差,他们通常会认为教育就是为了就业,功利性较强,无法从全局角度来看待新时代的教育,认识不到公共艺术教育对自身综合素质的重要意义,这严重限制了学生参与公共艺术学习的积极程度。学生对公共艺术课程的理解同样存在偏差,绝大多数学生参加课程只是为了放松心情,被动地接受艺术的熏陶,然而公共艺术教育是以艺术的形式开展的偏重技能训练的学科,对各项理论知识的研究较多,无法迎合学生“口味”,教师与学生在学科发展问题上存在严重分歧,从而使得教学课堂无法达到和谐状态。
1.5高等院校艺术教育评价机制不完善我国高等院校的公共艺术教育处于欠发展阶段,教育评价机制存在比较明显的问题。为了推动公共艺术教育更好更快地发展,必须以相对完善的评价机制作为保障,加强对公共艺术教育的管控。
1.6公共艺术的教学过程与教育部提出的要求不匹配由于艺术教育自身的特殊性,使得课程设置、课时安排和教学形式上难以合理控制,这就使得不同院系在推行进行公共艺术教育的时候发展情况不尽相同,大多数高等院校以选修课的形式开设公共艺术教育,鲜有高等院校把其直接当必修课程,这也使得各个院校的公共艺术发展情况存在较大差异。加之上述的师资力量严重不足和教学硬件条件的滞后,使得公共艺术教育的实施收效不佳,与教育部提出的素质教育的要求存在较大距离。不少高等院校的公共艺术教育甚至不如中小学发展得好,公共艺术教育的发展难以维持在良性的局面。
1.7公共艺术教育缺乏资金支持提升大学生的整体素质,社会各界必须为其创建良好的文化环境,坚决抵制不良“精神垃圾”侵蚀学生内心。教育部门和各大高等院校在将音乐艺术教育作为教育发展的重要一环后,并没有为其发展提供雄厚的物质支持。艺术教育对教学条件和设备的要求较高,先进的多媒体教室是促进公共艺术教育的基本,为了在课下促进学生进行公共艺术交流,也必须为学生社团活动提供场所和设备,绘画、音乐、舞蹈的道具对公共艺术学习有较强的推动作用。然而相关部门对艺术教育的投入并不乐观,不少高等院校内基本的资金保障都无法达到,更不期望扩大规模。
2优化公共艺术教育的路径
2.1以学生为本,提升学生学习兴趣高等院校公共艺术教育的对象是大学生,为了促进公共艺术的发展,应当激发学生自身的学习热情。根据以往教学经验来看,兴趣是学习一门课程最好的老师,为了加速公共艺术教育的发展,必须努力改变学生对公共艺术的理解,改变以往被动学习的局面。公共艺术教育者应当把提升学生学习兴趣作为艺术教育的重要环节,要将艺术的魅力在课堂上发挥得淋漓尽致,借助多元教学方式、手段,使学生被公共艺术所吸引。这就对教育者提出较高的要求,必须对公共艺术课程有较深入的了解,并能与学生进行心与心的沟通。尽管高效公共艺术课程多是选修课,但是教师应当为学生拟出科学的学习目的和学习计划,并安排类似于文化课的考试,督促学生完成学习任务。高校的艺术院系应当积极主动地组织相应的艺术文化活动,在课下为学生提供感受公共艺术魅力的平台,使学生兴趣更加浓厚,艺术学习更加深入。学生在现实的活动中能够锻炼自身的审美素养,与人分享,进步更快。
2.2加强师资队伍建设公共艺术教育者是推动学科发展的核心力量,只有使得教育者具备更高的专业素养,才能确保公共艺术的发展与时俱进。公共艺术教师必须对公共艺术有深入的了解,才能激发自身的主观能动性,推动教育的发展。教师要明确终身学习的目标,在公共教育飞速发展的阶段,更应当承担起自身的责任,在教学之余多阅读相关文献,了解相关新闻,对发达国家公共艺术教育的方式方法有充分认识,才能为学生带来更加优秀、先进的课堂体验,促进学生艺术欣赏水平的培养。高等院校艺术老师要培养自身对学科的兴趣,多外出学习,加强交流,使艺术教师自身的艺术特长得到质的飞跃。高等院校相关部门应当对艺术教师取得的成果进行奖励,这样才能鼓励更多的艺术教师参与到积极、活力的艺术教学之中。良好的激励机制可以使教师更具工作激情,能够提升个人成就感。
2.3公共艺术教育体制需要革新随着时代的发展,公共艺术教育体制要摆脱传统教育体制的约束,为了改变目前公共艺术的发展局面,必须虚心吸取国外发达国家的成功办学经验,加入自身发展现状的因素,确立自身的教育体制,才能确保公共艺术教学顺利展开。高等院校公共艺术教育必须以教育部对其发展的要求相一致,要明确教育目标和价值取向,不能照搬其他学科的标准作用于公共艺术教育。要努力构建更加科学的公共艺术课程体系,加速相应权威教材的编写过程,使课程教学目标更加具体,课程结构更加紧凑,课程标准更加严格。高等院校公共艺术教育要注重研究科学的教育方法,要避免应试教育,突出素质教育的主题,以实现学生素质教育为宗旨。艺术教材的编撰应当注重总体设计,提高目的性、规避片面性,编撰工作应当有大量的教师参与,才能确保教材的适用程度,然而不同教师意见不尽相同,无疑会增加编撰难度,减缓编撰进程。高等院校公共艺术教育的课程内容设置应当有别于中小学,知识内容应当更加重视与时代的联系。
恰当的的创意性的使用材料,使主题诉求和材料选择相契合,才能使材料在艺术创作中发挥出独特的魅力。即使是艺术创作中经常使用的材料与素材,同样可以用更多样的形式丰富其使用的方式,发挥出材料的表现张力。就拿艺术创作最常用的纸张来说,其最普通的使用方式就是在上面作画,在画的过程中需要配合其他的材料,如毛笔,各种画笔。我们还可以尝试其他的方式,如直接用手作画,拓印、喷、洒、揉、捏、沾等,给儿童更多的材料使用体验,给儿童更全面的思维训练和培养,如绘画、平面粘贴、喷、洒等,是将客观的、具象的、立体的三维世界在二维的平面上表现出来,在这一过程中,儿童的思维方式要经历三维到二维的转化,抽象到具象的转换;而揉或粘或折纸成立体的作品是具体物象到艺术创作的转化,可以增强儿童的触觉和双手的灵活度,增强儿童的空间意识和立体感,在塑造形象的过程中是对经验记忆的唤醒与再创造。甚至我们可以用纸张的拽、搓模拟声音和节奏。此外,纸的种类繁多,不同种类的纸张蕴含的丰富的肌理、色彩、质感、透明度等本身就具有很高的美感,和其它材料配合更能营造丰富的效果,如中国的水墨画,水、墨、纸材料的完美融合彰显出神奇的艺术魅力。
对于同一材质的丰富运用无疑对儿童的思维活跃和创造力的培养具有很大的促进作用。对于材料的发散性利用和创造要注意不要拘泥于某种材料固定的用途,鼓励儿童对材料使用多种思考的可能性和创造性构思的可能性,给予儿童更多的视角。对材料的开放性使用给予儿童更多探索和创造的快乐。不限制儿童对材料的选择和使用,给予儿童更多的创作灵感和掌控,能够激发儿童创作的兴趣,使儿童在对材料的探索和使用中获得满足,促进儿童想象和联想能力的培养以及探索的精神。可见,自然界和生活中任何物体都可以成为创造的素材,树叶、石头、泥土、沙子、泉水瓶等,任何物体都可以成为创造的材料,任何材料都会有无限多样性创作的可能性,儿童通过探索、发现、尝试,激发了儿童创新思维和创造性能力的发展。我们可以采用发散性思维获得更丰富的对于材料的探索和使用,对材料进行更丰富诠释和利用,发掘材料媒介本身的形式语言和表现力,增强对于材料色、质的把握能力。
2重视教师对于材料的介入与引导
通过对儿童艺术教育相关理论的研究,我们不难发现一点,有一种论点得到越来越多的人认可,就是强调艺术活动的本身的教育价值,强调艺术创作的过程而非成果,要避免以成人的标准介入儿童艺术创造活动中,影响了儿童创造能力的发展。根据这种理论,在儿童艺术创作的过程教育中,教师应该更多地承担活动的组织者和引导者,而不应该以示范者和指导者的姿态出现。教师应该积极地、有意识的引导、鼓励儿童发现、认识、感受、使用材料,不断扩展儿童对于客观世界认识的丰富度。根据儿童的发展阶段选择积极倡导儿童发现新的材料或原有材料的新的使用方式,提供一个能够促进儿童知觉发展的具有丰富材料的创作环境。
雕塑在西方美术史上来看应该是很纯的,从古希腊的《维纳斯》到米开朗基罗的《大卫》,到罗丹的《思想者》等,均以纯正的、写实的雕塑语言展示在人们的面前。而在现代,英国雕塑家亨利·摩尔的代表作品则以较抽象的、浑圆的造型,以及弦线在雕塑中的使用,创造出自古希腊写实性雕塑以来不同的风格,体现出象征和寓意的造型语言;美国雕塑家卡德尔的作品以其体形巨大、金属材料和敷以艳丽的色彩为特色,如《火烈鸟》等雕塑作品更成为环境艺术中的重要部分,它的象征手法、后现代的语言同写实性雕塑的风格迥然不同。西方现代艺术家用自行车鞍座加车把,做成形似牛头的雕塑作品,甚至把陶瓷小便斗横置当雕塑作品,这更显示出他们的艺术表现方式与传统雕塑相比而不够纯正了。
工艺美术,人们也把其解释为实用美术。从原始社会中国的新石器时代彩陶文化,到奴隶社会的青铜器;从唐丝绸、宋瓷,到我们今天使用的日用工艺品,都属于中国美术史上的“技”,即为技术和艺人之作。中国历代文人、士大夫均重纯艺术的“艺”,即为重意境的“阳春白雪”之作。历来社会的上层阶级重“艺”而不重“技”,那么工艺美术在美术领域中的不“纯”和地位不高就显而易见了。
在西方绘画史上,古希腊时期“摹仿论”就十分盛行了。如古希腊哲学家德谟克利特认为艺术的量就是摹仿。柏拉图认为艺术家再现的感性的东西,只是思想的反光,到了文艺复兴时期,仍然是“再现”“摹仿”“写实”的天下。达·芬奇说道:“假如你在用自己的艺术摹仿自然界所产生的形式的全部特质时不是一个万能大师,那么你就不能成为一个好画家。”在中国美术史上,绘画作品被限定为人物、山水、花鸟、大写意、小写意、工笔画等简单的门类,几千年来不论是工具材料,还是在艺术手法上的创新都不是很大,士大夫把其视为正宗的绘画称为“艺”,而把一些别的美术门类和工艺美术、民间雕塑、民族美术等称之为“技”。他们重“艺”而不重“技”的审美观念,把纯绘画提到了艺术领域中至高无上的地位。另外,我国建国初期的美术教育全盘引进前苏联的模式,这种模式对现代艺术和非纯绘画的排斥,使得我国在纯美术的学习成为上世纪五六十年代美术院校中最吸引人的专业。美术院校把优秀的学生安排学习纯绘画,这样更加人为地拔高了纯绘画在美术教育领域中的地位。
纯艺术的作品在美术史中占有相当重要的地位。绘画是人类最早表达思想的方式之一。它用于表达情感,传递信息,是一种最初级,但又是最重要的媒介形式。纯艺术作品在反映每个时代的政治、经济、军事事件中起到了形象真实、感人的作用,留下了难以数计的作品和史料,是人类艺术的瑰宝。二十世纪初的工业革命引发了社会和科学的巨大发展与变革,随着现代派画家出现,越来越多的人开始寻求新的创作表现形式。写实性纯美术的地位受到前所未有的挑战。
1919年,格罗佩斯等人创办了德国魏玛“鲍豪斯”学院。鲍豪斯的教学体系提倡艺术和技术的统一,开创了现代工业设计教育方式,提出要打破艺术家和工匠之间的壁垒。鲍豪斯宣称:“建筑师、雕塑家、画家,我们都必须回到手工艺!所谓纯粹的艺术是不存在的,艺术家和工艺师没有本质的区别,艺术家是高超的手工艺师。”格罗佩斯指出:“艺术必须和民众形成统一,艺术不再是少数人赏心乐事,它会成为大众的喜悦和生命。”鲍豪斯所开始的新的视觉语言乃是建立一个作为现代工业化社会的视觉表现的新文化的统一体系,以实现文化的再度结合的目标。
鲍豪斯紧跟进代的发展,吸引了一批具有前卫思想的艺术家从事设计艺术教育,以至二十世纪最有影响的三位现代艺术家,除毕加索外,康定斯基和克利都曾长期在鲍豪斯任教,实际上,在这一时期毕加索也摈弃了他以往纯艺术的创作手法,在进行绘画与时空、绘画与雕塑、绘画与材料之间的艰苦探索,成功地创立了立体画派。鲍豪斯创立的现代设计把艺术从高高的画架上拿下来,融入到每一个人的生活。有的人可以终生不进美术馆,可以终生拒绝欣赏绘画和雕塑作品,但人们不可能拒绝使用现代艺术设计产品。原因是艺术放弃了“纯粹”,同技术、科学相结合,科学的理论,艺术的符号将由技术为媒介转为人类生活中须臾不可缺少之物,同时为人类的物质世界和精神世界服务。
在中国美术馆曾举办美国著名艺术家劳申佰的“波普”(POP)艺术展。英文的(POP)是大众(Popular)的意思,亦有流行的意思。当时的波普艺术展在中国观众中引起强烈的反响。它同我们以往见到的艺术展的区别实在太大了,以致有人弄不清波普艺术作品究竟是艺术还是垃圾。在相当一段时间里,生活和艺术是界限分明的,科学与艺术结合也是非常少的。现代派艺术家无论怎样激烈地反传统,但仍把艺术和生活分开,在艺术的象牙塔中苦心经营,绘画与其他姊妹艺术也很少发生联系,艺术家追求的是纯而又纯的绘画。波普艺术、现代艺术、现代设计艺术的出现,打破了这种格局。
近百年来,纷至沓来的重大发明令人目不暇接。照像术、数码摄影、以芯片技术支持的先进的艺术形式已大量涌现。一种新的绘画形式——电脑绘画在信息和网络时代出现。这种绘画形式同以往的个体的低效的纯艺术创作方式相比,很明显地占有群体性创作、高效和覆盖力高、影响大的优势。
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历来艺术被包裹在一层圣洁的光圈中,高高凌驾于普通生活之上,以往的文艺理论所罗列出来的种种艺术准则,如距离感、陌生化、典型化、理想化等,也无非在加深艺术与生活的鸿沟。目前,高雅的“阳春白雪”被和者众多的、通俗的“下里巴人”所融合。现代工业设计使艺术和商品融为一体,使我们几乎每时每刻都能够享受它。波普艺术和行为艺术的产生,现代设计对今天我们生活的无时无刻的“入侵”,使艺术和生活的界限模糊起来,从而使艺术不再只是艺术家们面对少数人欣赏的创作行为。
我国书法艺术走过了几千年的历程却随着现代的激光和数码印刷技术而极具规范化、多样化、信息快速传递化。在现代中国人的生活中已较少见到高雅但却晦涩难辨的篆书、草书。而在街头,超级市场到处可以见到用麦克笔(marker)书写的,所谓硬笔书法的标签、广告。我国书法家舒同右手骨折后,用左手书写的舒体,同王羲之、怀素等大师的纯正的草书、行书相比可能欠潇洒,但正因为它方正、规格、饱满、易于辨认而成为目前印刷字体中,几乎唯一以个人名字命名的行书字体。
时装艺术、环境艺术、橱窗装潢、包装装潢、霓虹艺术、光雕塑、水体雕塑、广告艺术、多媒体艺术都很难用“艺术”或“非艺术”来确切界定。一些画家在架上油画作品上贴照片、贴布头,做成肌理效果等新方法的尝试,这样的作品也很难判定为“准纯艺术”或“亚纯艺术”。
我们正处在一个“资讯爆炸”的时代,我们正处在IT时代。一台电脑数天的绘画可能比一个职业画家一生所作的绘画还多。当一个室内效果图喷绘高手还在审视自己完成的作品时,那边的电脑打印机可能已把数张准确、细腻动人的效果图打印出来了……
在时代高速发展的态势面前,美术院校是培养画几十年素描、几十年油画、一年甚至几年才完成一张作品的纯艺术家,还是较多地培养与时代的发展、人们的生活息息相关的设计艺术家,显然,后者更为迫切和需要。实际上,我们从中央美术学院大量增加设计系科,而清华大学美术学院并没有增设纯美术学科而察觉到,纯艺术至高无上的地位和价值正在动摇。
美术院校当然要施以美术的基础教育,学生要进行大量的速写、素描、色彩写生和练习,掌握扎实的造型能力和基本功。因此,以往的纯美术在设计艺术专业或院校里,作为造型的基础课程而存在。在今天的设计艺术院校里,传统的绘画和作图工具正在逐步减少和消失,取而代之的是电脑、网络和高效快捷的IT设备。我们只需要少数人在纯艺术的领域里,探索纯而又纯的艺术语言以及创作技巧,而大多数的人只需要掌握一定程度的艺术造型能力,并以此为基础,全面提高艺术修养,汲取广泛的相关学科知识,并最终成为设计艺术师或设计艺术家。
社会对于那些画了画或束之高阁、或待价而沽的纯艺术家的需求会减少,而对有崭新的艺术设计思维、富有创新理念,又具有扎实的造型基本功、新颖的科学技术设计思想的通才的需求会增多。市场需要人才的价值即为当前此类人才教育的价值。这样,“纯艺术”和“不纯的艺术”没有贵贱之分,开始了一个艺术领域中的纯艺术、艺术设计多元共生的时代进程,并且随着科学技术的不断发展,设计艺术和设计艺术教育将会有更广阔的前景。
参考文献:
[1]李一著《走向何处——后现代主义与当代绘画》,中国社会出版社。
中图分类号:G42 文献标志码:A 文章编号:1007-0125(2017)11-0230-01
学校艺术教育是一项惠民教育,它可以将那些抽象的艺术术语通过具体的教育手段和方式,转化成更加细化的知识和某种能力,这种能力的学习和培养不是一蹴而就的,是需要有一定的土壤培育,也就是要有一定的环境和氛围以及师承对接转换。作为这种能力培育的载体,剪纸和皮影是首选。之所以将其称之为首选,是因为中国的文化艺术是有世代民族根基和传承的。在几千年的艺术文化传承中,这种乡野民俗文化艺术经久不衰。
剪纸,又叫刻纸,起源于西汉,是中国古老的民间艺术之一。其内容和寓意丰富多样,蕴含了丰富的文化信息,具有认知、抒情、陶冶、美育、交往等多重社会价值。中国剪纸已入选人类非物质文化遗产名录。 由于剪纸艺术是借用一把剪刀,在一张红纸上创造无限繁简的图案符号和三维视觉的艺术,老幼皆宜,无需太多高难度的技巧,当然,进入高级阶段的确需要一定的禀赋和技艺造诣,单就入门提高期的青少年而言,剪纸可以起到协调手、眼、心性的作用,以及对左右半脑进行开发。
皮影戏,又称“影子戏”或“灯影戏”。是一种以兽皮或纸板做成的人物剪影,在灯光照射下用隔光布进行表演,是中国民间广为流传的傀儡戏之一。据史书记载,皮影戏始于战国,兴于汉朝,盛于宋代,元代时期传至西亚和欧洲,可谓历史悠久,源远流长。它是用牛皮、驴皮、马皮、骡皮,经过选料、雕刻、上色、缝缀、涂漆等几道工序制作而成。
皮影戏是中国民间古老的传统艺术,北方人都叫它“驴皮灯影子”。表演时,艺人们在白色幕布后面,一边操纵戏曲人物,一边用当地流行的曲调唱述故事,同时配以打击乐器和弦乐,具有浓厚的乡土气息。
在学校教育中开设皮影戏艺术课程,对当代大中小学生更是一种音乐与美术,以及文学等完美结合的综合教育,通过皮影制作、皮影表演、乐器和演唱等有机结合而形成独具特色的新型课程。由于学生对各类音乐和故事都有不同层次的喜爱,可以先从皮影剧开始,再慢慢过渡到戏剧戏曲形式。这一结合的过程,是挖掘不同学生音乐、美术、文学,以及组织合作等综合素质能力的最好途径。
我在开设这门课程中发现,该课程非常受同学们的青睐,学生积极性极高,效果极佳。是各层次学生进入审美教育的绝佳选择,工具材料简单易学,学生上手很快,而且寓教于乐,艺术实践性非常强。
一、席勒:分裂与联通
美育大师席勒在《美育书简》中开宗明义地指出,把真善美分离,是不合情理的。他的这一说法是针对人们对康德理论的误解。他劝告说,绝对不能对康德的著作作学究式的理解,尽管真善美在康德哲学中是分离的,但在一般人心目中和实际生活中,它们仍旧是连为一体,不可分割的。席勒深刻地指出,在真善美之间作出区分,以及人们后来在科学和学术中对各学科严格区分,实质上是为了发展“类”(指人类)的利益而牺牲了“个体”的利益。各学科区分的结果是,人不再是一个单个的主体,即一种综合了真善美的整体,而成厂一种只能发展自己一部分天赋的局部个体。
在席勒看来,近代社会就像是一种精巧的钟表机械,其中由无数无生命的部分组成一种机械生活的整体。政治与宗教,法律与道德习俗都分裂开来了;欣赏和劳动脱节,手段与目的脱节,努力与报酬脱节。永远束缚在整体中的一个孤零零的断片上,入电就把自己变成一个断片了。[1]席勒指出,照此发展下去,人类就不再是一个个完整的人组成的群体,而成了畸形人的集合。对此,席勒深感忧虑。
究竟如何克服这种现象?席勒认为,解铃还须系铃人,既然人性的分裂是由“分工”和“分离”造成的,就要反其道而行之,将分离的领域重新联通。在这种联通中起关键作用的是艺术。正如他指出的,最高贵的东西最容易受到破坏,但也是使人性重新融合的关键。艺术家虽然是时代的儿子,但不是时代的门徒和宠臣。艺术家要“蔑视时代的判断,按照自己的尊严和法则往上看,而不是按照运气和日常需求往下看。
所谓“往上看”,就是看到真善美在高层次上的重新联通。他把这种联通定义为“游戏冲动”。“游戏冲动”是“形式冲动”和“感性冲动”的交合,交合后所生的孩子就是“审美领域”。“形式冲动”存在于人的人格里,是神性的,具有永恒不变性。人的人格中具有达到神性的天赋和达到神性的道路。但这种神性的“形式冲动”如果不在感性领域展开,就是空洞的,它必须在“感性冲动”中和在时间和感性素材中实现自己。但无论是“形式冲动”还是“感性冲动”,都不能走向极端,走向极端的结果就是用其中一个取代或消灭另一个。这样人就不再是人。“如果只有感性冲动,人就不是他自身;如果只有形式冲动,人就没有变化了,不在时间中了。”[2]
席勒认为,最理想的状态就是感性冲动和形式冲动保持一种平衡或对话状态,既不为了追求形式而牺牲存在,也不为了追求存在而牺牲形式,而是反过来,通过无限的存在来寻求确定的存在。很明显,这是一种开放的和不断生成的生命状态。一切生命都有一个基本的特征,那就是,在其确定中有不确定,在其不确定中又有确定;在其形式中有意味,而其意味本身就是形式。这就是席勒既称之为“生命的形式”,又称之为“游戏”的原因。正如席勒所说,这样的游戏正是艺术和审美活动的本质所在。很明显,席勒追求的是一种能使真善美重新联通的冲动,认为只有这种冲动才能导致感性和理性、人性和神性、艺术和科学的最佳联通。席勒提出的“联通”思想对今天的中国教育具有非常深刻的现实意义。
二、现代教育:无所不在的分裂
席勒所说的分裂在现代教育中有突出表现。瑞吉欧教育模式创始人罗里斯•马拉古兹曾在《孩子的一百种语言》一诗中写道:“孩子有一百种语言,――百双手,一百个想法,还有一百种思考、游戏、说话的方式……却被学校和文化,偷走了九十九种。”意思是说,孩子的想像力和思考角度是丰富多样的,可惜的是,孩子一踏入学校,接受所谓的教育,就不知不觉地被学校和文化“偷”走了99种,只剩下学校和文化认为正确的一种。那么学校和社会又是怎样“偷”的呢?马拉古兹一针见血地指出,是通过无所不在的分裂:“他们把孩子的脑袋与身体分开。不许孩子用双手去想,更不要用脑袋去做。只许倾听,不要说话,只求了解,不求喜悦。他们告诉孩子:去发现早已存在的世界;他们告诉孩子,工作与游戏、真实与幻想、科学与想像、天空与大地、理由与梦想,不属于同一国度。”仔细检查和思考后,我们就会发现,马拉古兹所说的分裂在现代教育中已无所不在,从幼儿园开始,本应该作为一个整体的儿童生活就被分裂了。所谓“脑袋与身体”分开,就是凡与舞蹈、体操、手势、眼神等有关的身体动作统统不算在“智能”的范围,而只有用脑子的活动才与智能有关,才算是学习。一旦不同活动之间有了主次之分,厚此薄彼也就不足为奇了。即使纯粹是用脑的课堂学习,也有进一步的分裂。在传统课堂上的所谓用脑,就是要求孩子只能认真听讲,而不能发表自己的不同看法,因为其预设的学习目标只不过是去发现早已被前人发现和研究透彻的世界(包括看问题的角度和方法),而不是一个孩子自己的体验和探索过程,更不包括这种探索获得的新发现。总之,个人的探索过程和结果算不上学习,只有进入教室听那些已成定论的东西才算学习。至于课外的游戏,更不重要,因为游戏即玩耍,而不是学习;同样,与记忆的东西相比,想像的东西和梦想的东西不算是学习,是次要的,只能作参考。
在我国,这种分裂从幼儿园起已经很严重了。幼儿的学习已经开始分科,年级越高,分科越细,各科之间的墙也越厚。学习内容的分裂进而导致知识与生活、知识与情感、知识与文化、知识与环境、感受与创造、接受与反思的分裂。学生一旦进入中学,各科教师开始名正言顺地争抢学生的精力和时间。而在这种争抢导致的分裂中,学生实际是在遭受精神惩罚。
然而,正如西方作家卡夫卡在其《变形记》中所展示的,当人不仅跟自然和他人疏离与对立,而且跟自我也分裂与疏离时,人便在物质的大海中失去了自然、他人、世界和自我。当代大哲学家海德格认为,普遍的分裂使今天的人在任何地方都不能跟他自己亦即不能跟他的本质相遇了。
三、建立在联通基础上的生态式教育
那么如何克服现代人的异化呢?一条重要的途径是进行教育改革,因为落后的教育正是导致人类异化的一个重要原因,而从某种程度上说,改革教育的核心是利用联通克服分裂。也就是说,从儿童时代起,就要通过“联通”克服学校和文化有意无意地强加给学生的种种分离和分裂。如果以往教育的主旋律是“分”,教育改革的主旋律就
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应该是“联”。而教育者获得联通能力的最佳途径是接近艺术,从艺术中受到熏陶。无数事实证明,艺术是联通的产物,没有联通,就没有艺术。同样,没有联通,儿童就不会懂得艺术,而没有联通的艺术教育也不是真正的艺术教育。我们所追求的生态式艺术教育,正是一种力求克服分裂,造就联通的全新艺术教育。生态式艺术教育主要实现以下三个方面的联通。
1.利用异质要素之间的对话和联通,造成和谐生发的生态环境,使音乐、舞蹈、戏剧、绘画、影视等多种艺术相互联通,达到共生互生,以形成更高级的艺术通感和生成性智慧。加德纳的研究表明,人类的智能多达八种,包括语言智能、空间智能(特别是绘画、雕塑等空间艺术涉及的智能)、数学―逻辑智能、音乐智能、身体―动感智能、交际智能、自我认识智能、环境适应智能等。但在生态式艺术教育看来,以上任何一种智能都不是孤立的,只有通过多种智能的相互交叉、对话和联通,才能造成人特有的智慧并铸造出高素质的人格。只有通过多种艺术的联通,才能造就具有通感和智慧的高素质人才。
2.通过艺术与个人成长环境(生活、情感、文化〈历史〉、科学)的联通,发展艺术能力,尤其是即兴创造能力。生活是艺术的源泉,儿童通过艺术和日常生活的连接,可以丰富自己的艺术体验和感受,提高艺术感知能力,并学会用艺术的眼光观察生活,用艺术化的方式表现生活、美化生活,提高生活的情趣。艺术是人类情感和精神生活的创造性表现,多数艺术表现形式都包含着特定的情感和思想,儿童通过艺术与自己情感生活的连接和相互作用,学习用艺术的方式表达和交流情感,获得创造、表现和交流能力,健全人格,陶冶情操。艺术是各种不同文化的符号性载体,记录和再现了人类文化和思想的发生、发展过程。艺术与文化的连接,可以增进人们对多元文化和人类文明的了解,增强人们的文化认同感和多元文化意识。艺术与科学是人类文明发展的两翼。在人类的历史发展长河中,许多科学发明都从艺术的灵感和想像中受益,而不同时期的艺术又从当时的科技发明和生产力发展中得到支持和启发。在艺术教育中,儿童通过艺术与科学的联系和比较,可以提高想像力,达到感性和理性的平衡,使身心得到和谐发展。
3.强化感知与体验、创造与表现、反思与评价之间的联通。在生态式艺术教育中,以上三者既是艺术学习的三个必要步骤,又是通过学习获得的三种基本艺术能力。而这三者在传统艺术教育中被严重分裂厂。生态式艺术教育就是要把被长期分割的三者联通起来,使感知与体验成为创造与表现的基础,使创造与表现成为感受的自然表达,使反思与评价成为进一步发现和创造的动力。生态式艺术教育之所以强调感知与体验,是因为在传统艺术教育中知识被视为一种客观的东西,被认定是早已存在的和早已被发现的,因而只能是一种等待儿童去认识、模仿和传递的对象,与之相对应,背诵、摹写就成为理所当然的学习行为。重视联通的生态式艺术教育则认为,艺术本身是联通的最好体现,感知就是要感知艺术中无所不在的联通以及这种联通造成的新发现和新感受。而这种对联通的感知只能在知者与被知者之间的对话、交流、联通过程中创生出来。但如何把作为旁听者和旁观者的知者转换为参与者和创生者?其中的关键就是“创造性体验”。生态式艺术教育中以游戏方式开展的大量创造性体验活动,是一种化“知识导引”中的知识为个人体验的活动,因此,它不是被动的、静态的体验,而是主动的、动态的体验;不是预先计划好的体验,而是即兴的、短平快的体验;不是混乱无序的体验,而是在游戏规则指导下的有序的、灵动活泼的体验;不是索然无味的体验,而是兴趣盎然的体验。同样,创造与表现已不同于以往的模仿,而是一种任务驱动下的探究和发现过程。而反思与评价也不是一锤定音,得出死的结论,而是通过我的创造与我的生活、情感的联通,通过我现在的作品与过去作品乃至他人作品的比较,通过语言表达与艺术表达之间的联通,实现新的飞跃。
四、结论
强调联通的综合艺术教育,是充分认识到艺术的本质后发展出的艺术教育。也就是说,艺术展现的是一种高级的联通智慧。而这种智慧同样适合于艺术教育:忽视这种智慧的纯技术型的艺术教育,处处着力于分裂,无异于为遭受分裂之苦的孩子雪上加霜,而且背离了艺术的本质,因而必须回到综合的轨道上。